A antiga admiração dos pássaros: os flamingos como obras-primas da arte e da comida

A antiga admiração dos pássaros: os flamingos como obras-primas da arte e da comida



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No passado antigo, as relações entre humanos e animais eram mais rígidas do que hoje e incluíam a esfera do imaginário e do sagrado. As investigações sobre como os antigos abordaram diferentes espécies podem nos permitir lançar luz sobre algumas crenças e alguns aspectos ocultos da vida diária não revelados na história "oficial".

Para além do interesse puramente científico, que visa verificar a possibilidade de utilizar fontes históricas para adquirir informação sobre a biogeografia de determinadas espécies, os resultados deste tipo de investigação permitem-nos constatar com cada vez mais evidências como, ao longo do tempo, os humanos mudam de atitude. em relação à natureza em geral e aos animais em particular.

A Tese do Flamingo

Aqui apresento a tese de uma investigação sobre o flamingo ( Phoenicopterus roseus ), uma ave aquática colorida e vistosa que habita o Mediterrâneo e cuja popularidade continua até os dias de hoje.

Com base nas opiniões e nos sentimentos dos antigos autores clássicos, tentei investigar o interesse que os flamingos despertaram na antiguidade e identificar sua presença, simbolismo e familiaridade com os humanos.

Os flamingos exerceram uma influência muito forte sobre os humanos e suas meditações desde os tempos mais remotos. Seu nome deriva do grego φοινικόπτερος e significa “ (pássaro) com asas vermelhas ”. Os romanos adotaram o nome grego e, quando mencionado (por exemplo, em Martial), é evidente que há uma associação constante com o conceito de raridade, exotismo e luxo.

Como outras aves gregárias, os flamingos sempre voam em bandos e seu voo, precedido de uma longa cavalgada na água, é muito característico. A formação no céu varia do típico V a longas fileiras ondulantes e nas fontes antigas são descritos como pássaros roxos, voando em bandos tão grandes que parecem nuvens. A visão de um grupo voando é inesquecível, mas entre os antigos deve ter despertado ansiedade e medo, por exemplo, a comparação psicológica de exércitos chegando ou frotas de inimigos.

De formações semelhantes em voo (embora o contexto específico se refira a guindastes), Lucan escreveu: " E a carta morre, perturbada pelas penas espalhadas ". A" letra "referia-se claramente ao V ou Y da formação.

Cinco flamingos adultos em vôo. A tendência desses e de outros pássaros gregários de se agregar em bandos compactos, às vezes formados por milhares de indivíduos, costumava lembrar aos antigos os exércitos desdobrados na batalha. Autor Fornecido / Alessandro Andreotti .

O Flamingo em Arte

A silhueta do flamingo aparece nas mais antigas representações iconográficas da história e, para os egípcios do período pré-dinástico, sua cor era tão importante que ficava fixada no sistema dos signos gráficos fundamentais, mesmo que raramente usados.

Ao longo dos séculos, as representações do pássaro são freqüentemente encontradas em muitas civilizações antigas, com uma falta inesperada nos afrescos de Pompeu e nos mosaicos bizantinos de Ravenna. Nas decorações em mosaico de muitos edifícios cristãos primitivos, no entanto, flamingos aparecem e parecem simplesmente testemunhar a beleza dos primeiros cristãos paradeisos (paraísos) , rica em vegetação exuberante e povoada pelos mais variados animais. Entre os mais bem preservados estão: os pisos de mosaico da basílica de Sabratha (Líbia), a sinagoga de Gaza Maiumas (Israel), a capela funerária de Polieyctos em Constantinopla e a basílica de Qasr Elbia (Líbia), todas datadas do Século 5/6 DC.

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A pintura moderna ‘Entrando nos Jardins do Palácio’ mostra um flamingo apreciando o jardim. (Rlbberlin)

No passado pagão, eles não eram atribuídos a nenhuma divindade específica, mas, como outras aves, como pavões, tetrazes, galinhas da Numídia, galinhas faraó e faisões; flamingos foram sacrificados em honra de vários deuses, como Júpiter ou Ísis e no panteão do Egito. A morte iminente do imperador Calígula, que gostava de se identificar com Júpiter, parece ter sido retratada por muitos prodígios e incidentes fortuitos, incluindo o sangue de um flamingo sacrificial que, segundo Suetônio, derramou em seu toga.

Outra prova da estreita relação com o homem vem da Sardenha, onde, segundo a tradição, mesmo sem nenhum achado arqueológico, os fémures ocos dos flamingos eram considerados o material mais adequado para a construção das 'lanceddas', um tripé instrumento de sopro usado desde a pré-história e hoje produzido com juncos de pântano.

O uso das lancadas, um dos mais antigos e extraordinários instrumentos musicais do Mediterrâneo, é atestado desde a pré-história até os dias atuais. Trata-se de um exemplar de lavado feito em 1981 pelo Mestre Orlando Maxia com os ossos de um flamingo encontrados mortos. (Autor fornecido / Paolo Lussu © Museo Sardo di Antropologia ed Etnografia dell'Università degli Studi di Cagliari)

O Flamingo como Comida Gourmet

Apesar da imensa popularidade do pássaro, não há muitas descrições naturalísticas nas fontes escritas antigas, talvez porque se pensasse que eles estavam apenas passando pela Grécia e Itália e, portanto, dificilmente observáveis: Aristóteles não parece falar sobre o pássaro, mas Plínio o Ancião o faz, embora incidentalmente, apenas confirmando a apreciação culinária que Apício faz da língua e do cérebro do pássaro.

Ricos aristocratas, amantes do excesso e da extravagância, imperadores como Vitélio ou Elegábalo, apreciavam o flamingo como comida gourmet no século XV. Se considerarmos isso, Lorenzo de 'Medici em Florença mandou trazer flamingos vivos da Sicília, é fácil deduzir que na Roma antiga o pássaro era quase certamente importado e, portanto, muito caro.

O luxo desses pratos caros e bizarros foi, no entanto, também muito criticado por aqueles que recomendavam estilos de vida mais sóbrios, como Sêneca, Filóstrato, o Velho e Juvenal, entre os 1 st e os 2 WL século DC.

Jarra decorada com cenas nilóticas (D-ware). Barro assado. Período pré-dinástico, Naqada II, 3700-3300 aC. (Autor fornecido / Nicola dell’Aquila e Federico © Taverni / Museo Egizio di Torino)

Mesmo em tempos mais recentes, a língua do flamingo continuou a ser apreciada. Em seus diários de viagem, William Dampier, pirata, explorador e observador científico inglês (17 º - século 18), contou sobre sua delicadeza. Nos 18 º século, o zoólogo italiano Francesco Cetti observou que ele havia experimentado esses pratos, mas ele não compartilhava da opinião positiva que os romanos tinham.

No Edictum de Pretiis de Diocleciano, no entanto (301 DC), entre faisões, gansos, galinhas, perdizes, rolas, tordos, pombos, francolins, patos, pintassilgos, toutinegras de jardim, pardais, pavões, codornizes e estorninhos (todas as aves cuja carne era boa valor nutricional), o flamingo não é indicado. E, curiosamente, nem aparece sob o título "Penas", a menos que tenham sido incluídas na seção " penas selvagens de pássaros diferentes "que custou 50 deniers a libra.

Apesar disso, já para o poeta Martial bastava falar da cor das penas do flamingo para evocar a imagem do pássaro que " deve seu nome às penas vermelhas de fogo ".

A demonstração definitiva da afeição romana

Além de procurados como alimento, os flamingos também eram presentes apreciados pelos amantes e expostos em ricas aldeias romanas, tanto como animais vivos quanto como elementos decorativos nas representações em mosaico. Em muitas decorações de mosaico de pássaros da área do sul do Mediterrâneo, datando de um período que vai do século I ao século VI / VII dC, a repetição de pequenos erros (pés não palmados, comida inadequada, etc.) mostra a já mencionada deficiência científica conhecimento do pássaro pelos antigos, apesar de sua grande popularidade no imaginário coletivo.

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Um flamingo, detalhe do mosaico de pássaros do século 6 DC que adornava o átrio de um grande complexo de palácios fora da muralha da cidade de Cesareia Bizantina, Cesareia Marítima, Israel. (Butko / )

É importante ressaltar que, ao contrário do que surgiu no caso de outras espécies, especificamente o swamphen Roxo ( Porfírio porfírio ), outro colorido pássaro aquático objeto de estudo anterior, o flamingo nunca foi associado a crenças ou concepções éticas, nem foi tão familiar e doméstico a ponto de viver em contato próximo com o homem no cotidiano. Porém, a espécie manteve sua popularidade intacta ao longo dos séculos e mesmo em nossa época ainda é uma das aves mais admiradas, bem conhecida por especialistas e não especialistas.


Escultura da Grécia Antiga

A escultura da Grécia antiga de 800 a 300 aC inspirou-se na arte monumental egípcia e do Oriente Próximo e evoluiu para uma visão exclusivamente grega dessa forma de arte. Os artistas gregos capturaram a forma humana de uma maneira nunca antes vista, em que os escultores estavam particularmente preocupados com a proporção, o equilíbrio e a perfeição idealizada do corpo humano.

As figuras escultóricas gregas em pedra e bronze tornaram-se algumas das peças de arte mais reconhecíveis já produzidas por qualquer civilização e a visão artística grega da forma humana foi muito copiada na Antiguidade e desde então.

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Influências e evolução

A partir do século 8 AEC, a Grécia Arcaica viu um aumento na produção de pequenas figuras sólidas em argila, marfim e bronze. Sem dúvida, a madeira também era um meio comumente usado, mas sua suscetibilidade à erosão significa que poucos exemplos sobreviveram. Figuras de bronze, cabeças humanas e, em particular, grifos foram usados ​​como acessórios para recipientes de bronze, como caldeirões. No estilo, as figuras humanas assemelham-se às dos desenhos contemporâneos de cerâmica geométrica, com membros alongados e um torso triangular. Figuras de animais também foram produzidas em grande número, especialmente o cavalo, e muitas foram encontradas em toda a Grécia em locais de santuários como Olympia e Delphi, indicando sua função comum como oferendas votivas.

As mais antigas esculturas de pedra grega (de calcário) datam de meados do século 7 aC e foram encontradas em Thera. Nesse período, figuras independentes de bronze com sua própria base tornaram-se mais comuns e temas mais ambiciosos foram tentados, como guerreiros, quadrigários e músicos. A escultura em mármore surgiu no início do século 6 aC e as primeiras estátuas monumentais em tamanho natural começaram a ser produzidas. Estes tinham uma função comemorativa, oferecida em santuários em serviço simbólico aos deuses ou usados ​​como lápides.

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As primeiras grandes figuras de pedra (Kouroi - jovens masculinos nus e kore (figuras femininas vestidas) eram rígidas como nas estátuas monumentais egípcias, com os braços estendidos para os lados, os pés quase juntos e os olhos fixos fixamente à frente, sem qualquer expressão facial particular. Essas figuras um tanto estáticas evoluíram lentamente e com detalhes cada vez maiores adicionados ao cabelo e músculos, as figuras começaram a ganhar vida.

Lentamente, os braços tornam-se ligeiramente flexionados, dando-lhes tensão muscular, e uma perna (geralmente a direita) é colocada um pouco mais para a frente, dando uma sensação de movimento dinâmico à estátua. Excelentes exemplos deste estilo de figura são os Kouroi de Argos, dedicado em Delfos (c. 580 AEC). Por volta de 480 AC, o último Kouroi tornam-se cada vez mais realistas, o peso é carregado na perna esquerda, o quadril direito fica mais baixo, as nádegas e os ombros mais relaxados, a cabeça não é tão rígida e há um indício de sorriso. Fêmea kore seguiram uma evolução semelhante, principalmente na escultura de suas roupas, que eram representadas de forma cada vez mais realista e complexa. Uma proporção mais natural da figura também foi estabelecida onde a cabeça se tornou 1: 7 com o corpo, independentemente do tamanho real da estátua. Por volta de 500 aC, os escultores gregos estavam finalmente rompendo com as regras rígidas da arte conceitual arcaica e começando a reproduzir o que realmente observavam na vida real.

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No período clássico, os escultores gregos romperiam os grilhões da convenção e alcançariam o que ninguém antes havia tentado. Eles criaram esculturas em tamanho natural que glorificavam a forma humana e especialmente a nua masculina. Ainda mais foi alcançado do que isso. O mármore acabou sendo um meio maravilhoso para representar o que todos os escultores buscam: fazer com que a peça pareça esculpida por dentro em vez de cinzelada por fora. As figuras tornam-se sensuais e parecem congeladas em ação - parece que há apenas um segundo estavam realmente vivas. Os rostos ganham mais expressão e as figuras inteiras atingem um estado de espírito particular. As roupas também se tornam mais sutis em sua representação e se agarram aos contornos do corpo no que foi descrito como "soprado pelo vento" ou "aparência úmida". Muito simplesmente, as esculturas não pareciam mais esculturas, mas sim figuras dotadas de vida e vivacidade.

Materiais e Métodos

Para ver como esse realismo foi alcançado, devemos voltar ao início e examinar mais de perto os materiais e ferramentas à disposição do artista e as técnicas empregadas para transformar as matérias-primas em arte.

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As primeiras esculturas gregas eram geralmente em bronze e calcário poroso, mas embora o bronze pareça nunca ter saído de moda, a pedra escolhida se tornaria o mármore. O melhor era o de Naxos - grão fechado e espumante, Parian (de Paros) - com grão mais áspero e mais translúcido, e Pentélico (perto de Atenas) - mais opaco e que ficou com uma cor de mel suave com o tempo (devido ao seu conteúdo de ferro ) No entanto, a pedra foi escolhida por sua trabalhabilidade e não por sua decoração, já que a maior parte da escultura grega não era polida, mas pintada, muitas vezes de forma extravagante para o gosto moderno.

O mármore foi extraído usando brocas de arco e cunhas de madeira embebidas em água para quebrar blocos trabalháveis. Geralmente, as figuras maiores não eram produzidas a partir de uma única peça de mármore, mas adições importantes, como braços, eram esculpidas separadamente e fixadas ao corpo principal com cavilhas. Usando ferramentas de ferro, o escultor trabalhava o bloco de todas as direções (talvez de olho em um modelo em pequena escala para orientar as proporções), primeiro usando uma ferramenta pontiaguda para remover peças mais substanciais de mármore. Em seguida, uma combinação de um cinzel de cinco garras, cinzéis planos de vários tamanhos e pequenas brocas manuais foram usados ​​para esculpir os detalhes finos. A superfície da pedra era então acabada com um pó abrasivo (geralmente esmeril de Naxos), mas raramente polido. A estátua foi então fixada a um pedestal usando um acessório de chumbo ou às vezes colocada em uma única coluna (por exemplo, a Esfinge de Naxian em Delfos, c. 560 aC). Os toques finais nas estátuas foram feitos com tinta. Pele, cabelo, sobrancelhas, lábios e padrões nas roupas foram adicionados em cores brilhantes. Os olhos costumavam ser incrustados com osso, cristal ou vidro. Finalmente, adições em bronze podem ser adicionadas, como lanças, espadas, capacetes, joias e diademas, e algumas estátuas até tinham um pequeno disco de bronze (meniskoi) suspenso sobre a cabeça para evitar que os pássaros desfigurem a figura.

O outro material preferido na escultura grega era o bronze. Infelizmente, esse material sempre foi solicitado para reutilização em períodos posteriores, enquanto o mármore quebrado não é muito útil para ninguém e, portanto, a escultura em mármore sobreviveu melhor para a posteridade. Conseqüentemente, a quantidade de exemplos sobreviventes de escultura em bronze (não mais do que doze) talvez não indique o fato de que mais escultura em bronze pode ter sido produzida do que em mármore e a qualidade dos poucos bronzes sobreviventes demonstra a excelência que perdemos. Muitas vezes, em sítios arqueológicos, podemos ver filas de pedestais de pedra, testemunhas silenciosas da perda da arte.

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As primeiras esculturas de bronze sólido deram lugar a peças maiores com um núcleo diferente de bronze que às vezes era removido para deixar uma figura oca. A produção mais comum de estátuas de bronze usava a técnica de cera perdida. Isso envolvia fazer um núcleo quase do tamanho da figura desejada (ou parte do corpo, se não criar uma figura inteira) que era então revestido com cera e os detalhes esculpidos. O todo era então coberto com argila fixada ao núcleo em certos pontos por meio de varas. A cera foi então derretida e o bronze derretido derramado no espaço antes ocupado pela cera. Depois de endurecida, a argila foi removida e a superfície finalizada por raspagem, gravação fina e polimento. Às vezes, acréscimos de cobre ou prata eram usados ​​para lábios, mamilos e dentes. Os olhos eram incrustados como nas esculturas de mármore.

Escultores

Muitas estátuas são assinadas para que possamos saber os nomes dos artistas mais bem-sucedidos que se tornaram famosos em suas próprias vidas. Citando alguns, podemos começar com o mais famoso de todos, Fídias, o artista que criou as gigantescas estátuas criselefantinas de Atenas (c. 438 AEC) e Zeus (c. 456 AEC), que residiam, respectivamente, no Partenon de Atenas e o Templo de Zeus em Olímpia. Esta última escultura foi considerada uma das sete maravilhas do mundo antigo. Polykleitos, que além de criar grandes esculturas como o Doryphoros (Spearbearer), também escreveu um tratado, o Kanon, sobre técnicas de escultura onde enfatizou a importância da proporção correta. Outros escultores importantes foram Kresilas, que fez o retrato muito copiado de Péricles (c. 425 aC), Praxiteles, cuja Afrodite (c. 340 aC) foi o primeiro nu feminino completo, e Kallimachos, a quem se atribui a criação da capital de Corinto e cujas figuras dançantes distintas foram muito copiadas na época romana.

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Os escultores costumavam encontrar emprego permanente nos grandes santuários e a arqueologia revelou a oficina de Fídias em Olímpia. Vários moldes de argila quebrados foram encontrados na oficina e também a caneca de argila pessoal do mestre, com a inscrição 'Eu pertenço a Fídias'. Outra característica dos locais de santuários eram os limpadores e polidores que mantinham a cor de latão-avermelhado brilhante das figuras de bronze, já que os gregos não apreciavam a pátina verde-escura que ocorre com o tempo (e que as estátuas sobreviventes ganharam).

As obras-primas

A escultura grega, no entanto, não se limita a figuras em pé. Bustos de retratos, painéis em relevo, monumentos graves e objetos de pedra, como perirrhanteria (bacias apoiadas por três ou quatro figuras femininas em pé) também testaram as habilidades do escultor grego. Outro ramo importante da forma de arte era a escultura arquitetônica, predominante desde o final do século 6 aC nos frontões, frisos e metopes de templos e edifícios do tesouro. No entanto, é na escultura em figura que se podem encontrar algumas das grandes obras-primas da antiguidade clássica, e o testemunho de sua classe e popularidade é que as cópias eram feitas com muita frequência, principalmente no período romano. Na verdade, é uma sorte que os romanos gostassem da escultura grega e a copiassem tão amplamente, porque muitas vezes são essas cópias que sobrevivem, e não os originais gregos. As cópias, no entanto, apresentam seus próprios problemas, pois obviamente não têm o toque do mestre original, podem trocar o meio do bronze para o mármore e até mesmo misturar partes do corpo, principalmente cabeças.

Embora as palavras raramente façam justiça às artes visuais, podemos listar aqui alguns exemplos de algumas das peças mais célebres da escultura grega. Em bronze, três peças se destacam, todas salvas do mar (um melhor guardião de bronzes finos do que as pessoas): o Zeus ou Poseidon de Artemésio e os dois guerreiros de Riace (todos os três: 460-450 aC). O primeiro poderia ser Zeus (a postura é mais comum para essa divindade) ou Poseidon e é uma peça de transição entre a arte Arcaica e Clássica, pois a figura é extremamente realista, mas na verdade, as proporções não são exatas (por exemplo, os membros são estendido). No entanto, como Boardman descreve eloquentemente, "(ele) consegue ser vigorosamente ameaçador e estático em seu equilíbrio perfeito", o espectador não tem dúvidas de que este é um grande deus. Os guerreiros Riace também são magníficos com os detalhes adicionais de cabelos e barbas finamente esculpidos. De estilo mais clássico, eles são perfeitamente proporcionados e sua postura é apresentada de forma a sugerir que eles podem sair do pedestal a qualquer momento.

No mármore, duas peças de destaque são o Diskobolos ou lançador de disco atribuído a Myron (c. 450 aC) e a Nike de Paionios em Olímpia (c. 420 aC). O lançador de disco é uma das estátuas mais copiadas da antiguidade e sugere um poderoso movimento muscular capturado por uma fração de segundo, como em uma foto. A peça também é interessante porque é esculpida de tal forma (em uma única planície) que pode ser vista de um ponto de vista (como uma escultura em relevo sem o fundo). A Nike é um excelente exemplo do 'look molhado' onde o tecido leve da roupa é pressionado contra os contornos do corpo, e a figura parece semi-suspensa no ar e apenas por ter pousado os dedos dos pés no pedestal .

Conclusão

A escultura grega, então, se libertou das convenções artísticas que dominaram por séculos em muitas civilizações e, em vez de reproduzir figuras de acordo com uma fórmula prescrita, ficaram livres para buscar a forma idealizada do corpo humano. O material duro e sem vida foi de alguma forma transformado magicamente em qualidades intangíveis como equilíbrio, humor e graça para criar algumas das grandes obras-primas da arte mundial e inspirar e influenciar os artistas que viriam nos tempos helenísticos e romanos que iriam produzir mais obras-primas como a Vênus de Milo. Além disso, a perfeição nas proporções do corpo humano alcançada pelos escultores gregos continua a inspirar os artistas até hoje. As grandes obras gregas são até mesmo consultadas por artistas 3D para criar imagens virtuais precisas e por órgãos governamentais esportivos que compararam corpos de atletas com esculturas gregas para verificar o desenvolvimento muscular anormal obtido por meio do uso de substâncias proibidas, como esteróides.


A Antiga Admiração dos Pássaros: Flamingos como Obras-Primas da Arte e da Comida - História

  • Contribuição de: Lakshmi Nanda Madhusoodhanan
  • Status: Aluno
  • Classe: 10
  • Idade: 14
  • Modo: Médio
  • Tipo de artigo: Ensaio
  • Grupo etário alvo: 11-15 anos

Avaliação dos Editores

Vemos cores em toda parte, como as cores hipnotizantes das flores, a cor azul do mar, o verde atraente das folhas, as 7 cores do arco-íris. Sempre que pinto, tenho esta pergunta em minha mente: "Qual é a ciência por trás dessas obras-primas coloridas da natureza?" Bem, esses tons notáveis ​​e abrangentes que vemos nas coisas normais ao nosso redor são todos causados ​​por pigmentos. Então o que são pigmentos?

Os pigmentos são compostos bioquímicos responsáveis ​​pela cor em uma variedade de coisas existentes. Os seres vivos obtêm sua cor de pigmentos naturais. Eles são encontrados em plantas, flores, animais e, claro, eles estão em nosso corpo também.

Existem principalmente 2 tipos de pigmentos

Pigmentos Orgânicos: Os pigmentos orgânicos são pigmentos produzidos naturalmente. Pigmentos naturais, como ocre e óxidos de ferro, têm sido usados ​​como cores desde os tempos antigos. Os arqueólogos descobriram evidências de que os primeiros humanos usavam a tinta por motivos artísticos, como a decoração do corpo. Pigmentos e ferramentas de polimento de tinta que se acredita terem entre 350.000 e 400.000 anos foram encontrados na caverna localizada em Twin Rivers, Lusaka, Zâmbia. A descoberta de uma "oficina de pintura" de 100.000 anos na Caverna de Blombos, na África do Sul - completa com inúmeros tons de ocre, ossos, carvão, pedras de amolar e pedras de martelo, recipientes de concha de abalone e recipientes de mistura, mas com nenhum testemunho daquele período de pinturas rupestres - indica que os pigmentos estavam sendo usados ​​para pinturas corporais e faciais, em vez de arte rupestre.

Tudo o que acontece na natureza, incluindo as cores, existe para um propósito. Por exemplo, na natureza, os camaleões têm a habilidade de mudar a cor de seu corpo, não para chamar a atenção, mas para se esconder de seu predador. Aqui, a criatura usa a cor para aumentar suas chances de viver.

Tons de verde, como verde oliva, verde limão, etc., são encontrados na natureza, principalmente devido às plantas. Um pigmento chamado clorofila dá às folhas e à flora sua cor verde. Mas, à medida que a primavera chega ao outono, a clorofila nas folhas se deteriora. Lentamente, a cor verde desaparece e é substituída pelas laranjas e vermelhas de outro pigmento chamado carotenóide.

Os carotenóides também tetr lagartas, um dos grupos de pigmentos mais comuns, também são responsáveis ​​pela maravilhosa cor rosa rosada dos flamingos e do salmão.

Pigmentos Inorgânicos: Os pigmentos também podem ser sintetizados. Os pigmentos inorgânicos são usados ​​principalmente hoje, pois são mais fortes e duram mais do que os naturais. Pigmentos orgânicos sintéticos são derivados de alcatrões de carvão e outros produtos petroquímicos. Os pigmentos inorgânicos são produzidos por reações químicas bastante simples ou são encontrados naturalmente como terras.

Existem 2 tipos de pigmentos inorgânicos com base em sua composição elementar: -

Esses pigmentos são feitos de metais como cádmio, cromo, cobalto, cobre, óxido de ferro, chumbo, manganês, mercúrio, titânio, zinco e alumínio.

Esses tipos de pigmentos são pigmentos inorgânicos de origem natural e sintetizada como

Carbono, Terra argilosa, Ultramarino.

Podemos fazer diferentes cores secundárias misturando as cores primárias que são vermelho, amarelo e azul.

Qual cor você obtém quando mistura as 2 cores primárias, vermelho e azul igualmente? Sim, você fica com o roxo, uma das cores que é difícil para o ser humano diferenciar a olho nu. A palavra "púrpura" vem da palavra "púrpura", que descreve um caracol marinho do qual o corante roxo original (roxo de Tyr) foi derivado.

Que tonalidade você obtém quando mistura amarelo e azul? Você fica com a cor vibrante que também é a cor das folhas, Verde !! Verde é a cor de uma das gemas mais preciosas, a esmeralda. A palavra green deriva do inglês médio e do inglês antigo “grene”, que, assim como a palavra alemã “grün”, tem a mesma origem das palavras grama e crescer.

Quando você mistura amarelo e vermelho, obtém uma cor secundária chamada laranja. Esta cor viva é vista quando a primavera chega ao outono. As cores, que variam de um amarelo marginalmente alaranjado a um vermelho alaranjado intenso, basicamente chamado de açafrão, estão intimamente ligadas ao hinduísmo e ao budismo e são geralmente usadas por monges e homens santos em toda a Ásia.


Kos / Syros /

Monemvasia

Esta pequena ilha grega teve sua parcela de invasões. Foi capturado pelos normandos, lutou contra os árabes e tornou-se um forte bizantino. Devido à sua localização estratégica, a ilha foi possuída e retomada por vários impérios. As paredes fortificadas da antiga fortaleza de Monemvasia foram criadas em pedra cinza espessa. Todas as ruas não medem mais do que a largura de um pequeno burro puxando sua carroça. Na maior parte, os burros se foram e o que resta são ruas de paralelepípedos que conduzem pela cidade bizantina até as residências, lojas, igrejas e mesquitas.

Qualquer dia você pode ver homens que parecem ter vindo do centro de elenco para Zorba o grego, transportando mercadorias pelas ruas estreitas com seus carrinhos de mão. Na verdade, como não há nenhum carro na face da terra pequeno o suficiente para passar pelas antigas ruas de paralelepípedos, os homens com seus carrinhos de mão são os únicos veículos rodoviários ambulantes disponíveis. Se você visitar Monemvasia, espere ver os trabalhadores carregando coisas como sofás e mesas de jantar, grandes pedaços de carne e caixas de água mineral para as casas das pessoas.

Ah, sim, as pessoas ainda moram em Monemvasia e suas casas são aconchegantes, suas igrejas lindamente adornadas e suas pequenas lojas para turistas cheias de itens inteligentes. Mas certifique-se de parar e ter um momento de consideração e admiração pelo meio de transporte que coloca tudo no lugar.

Creta

Creta é a maior e mais populosa das ilhas gregas. Encontra-se 99 milhas ao sul do continente grego. Sua capital e maior cidade é Heraklion. Os humanos habitam a ilha de Creta há 120.000 anos. Não é muito surpreendente que Creta foi o centro da primeira civilização avançada da Europa, os minoanos, de 2700 a 1420 aC. A civilização minóica foi invadida pela civilização micênica da Grécia continental. Mais tarde, Creta cairia sob o domínio romano e, posteriormente, muitos outros impérios governariam Creta. Tem-se a ideia de que ser uma pequena ilha não é bom para manter a independência. O povo cretense tornou-se parte da Grécia em 1913.

Hoje, Heraklion é a maior cidade da ilha de Creta e, felizmente, a cidade portuária do ponto de desembarque para os visitantes verem o palácio de Knossos, um antigo assentamento minóico da Idade do Bronze que fica dentro dos limites de Heraklion.

Em seu ponto alto, a população de Creta era de 100.000. Na antiguidade, os construtores da ilha alcançaram um nível extraordinário de sofisticação arquitetônica. O palácio de Knossos é repleto de colunas pintadas e frisos dramáticos, todos localizados no local e abertos para visualização pelos buscadores de arte e arquitetura.

Para uma visão mais aprofundada da arte e cultura minóica, visite o Museu Arqueológico de Heraklion. Abriga artefatos representativos de todos os períodos da pré-história e história de Creta, cobrindo um período cronológico de mais de 5.500 anos, do período Neolítico à época romana.

A coleção minóica singularmente importante contém exemplos únicos da arte minóica, muitos deles verdadeiras obras-primas. O Museu Heraklion é justamente considerado o museu da cultura minóica por excelência em todo o mundo.

Rodes

A palavra “Rodes” vem da antiga palavra grega para rosa. E com as adoráveis ​​florestas de pinheiros e ciprestes cobrindo grande parte da ilha, o nome botânico parece se encaixar. Além das onipresentes oliveiras que crescem na ilha, também existem hibiscos, buganvílias, árvores cítricas de todos os tipos e videiras para a própria ilha de Rodes vinho único.

No início de 1300, a era bizantina da história da ilha & # 8217 chegou ao fim quando a ilha foi ocupada pelos Cavaleiros Hospitalários. Os Cavaleiros Hospitalários criaram muitos edifícios fortificados, o mais importante para Rodes foi o hospital dedicado ao cuidado dos peregrinos doentes, pobres ou feridos que foram feridos nas Cruzadas. Sob os Cavaleiros Hospitalários, Rodes foi reconstruída em um modelo de cidade medieval europeia ideal. Muitos dos monumentos famosos da cidade, incluindo o Palácio do Grão-Mestre, foram construídos durante esse período.

Esperançosamente, ninguém vem a Rodes para ver o Colosso de Rodes, que foi uma das Sete Maravilhas do Mundo Antigo, mas foi destruída por um terremoto em 224 AC. Nenhum vestígio da estátua permanece até hoje.

O centro histórico medieval da cidade de Rodes foi declarado Patrimônio da Humanidade. Hoje é um dos destinos turísticos mais populares da Europa.

Kos

O antigo mercado de Kos era um dos maiores do mundo antigo. Em uma extremidade do mercado havia um edifício redondo com uma cúpula romana e uma oficina que produzia pigmentos incluindo cores como o azul egípcio. As escavações levaram à descoberta de salas com piso de mosaico que mostravam lutas de feras, um tema bastante popular em Kos.

A ilha possui uma fortaleza do século XIV. A entrada do porto foi erguida em 1315 pelos Cavaleiros Hospitalários.

Kos foi a cidade natal de Hipócrates, considerado o pai da medicina moderna. A cidade abriga o Instituto Hipocrático Internacional e o Museu Hipocrático dedicado a ele. Perto do Instituto estão as ruínas de um Asclepieon onde Herodicus ensinou medicina a Hipócrates. Asclepieons eram templos de cura dedicados a Asclépio, o primeiro médico-semideus da mitologia grega que se dizia ter sido um médico tão habilidoso que podia até ressuscitar pessoas dos mortos. Os peregrinos se reuniam em templos construídos em sua homenagem a fim de buscar cura espiritual e física.

Syros

Esta ilha grega não é conhecida pela antiguidade, embora seja habitada há mais de 5.000 anos. Em vez disso, sua capital está repleta de edifícios neoclássicos. Mansões do século XIX, igrejas gregas e pequenos cafés erguem-se no topo de uma crista que desce em cascata até o porto. Há uma elegância no estilo neoclássico que predomina em Syros.

As igrejas gregas são particularmente espetaculares e os padres gregos ortodoxos podem ser vistos em muitos lugares, fazendo suas rotinas diárias que podem até incluir compras de supermercado!

Santorini

Há mais de uma ilha chamada Santorini. Santorini é na verdade um grupo de ilhas ao redor de uma caldeira que foi criada por violentas erupções vulcânicas que acontecem há milhares de anos. Havia uma cultura minóica próspera vivendo na ilha naquela época e algumas das cidades vizinhas estavam cobertas por cinzas vulcânicas, preservando grande parte de sua cultura para os arqueólogos.

A enorme erupção do vulcão deu origem à lenda da Atlântida. Até agora, não há evidências para apoiar essa teoria.

Akrotiri é o nome do site Minoan localizado em Santorini. Não era um complexo de palácio minóico como é encontrado em Creta. Mas a civilização da Idade do Bronze em Akrotiri era rica e talvez fosse um próspero local de tecelagem de tecidos.

Excelentes estruturas de alvenaria foram descobertas. Algumas das casas tinham três andares. Foram descobertos potes de armazenamento de cerâmica Hugh, bem como belos afrescos nas paredes.

A julgar pelas belas obras de arte, os cidadãos de Akrotiri eram pessoas sofisticadas e ricas.

Escavações arqueológicas em andamento continuam a descobrir os restos desta cidade destruídos durante uma erupção do vulcão em 1630 a.C.

A moderna Santorini é pitoresca, com casas charmosas, ruas estreitas e igrejas com cúpulas azuis. As muitas lojas e restaurantes de luxo fazem de Santorini um destino para o viajante abastado.


Conteúdo

Rudyard Kipling nasceu em 30 de dezembro de 1865 em Bombaim, na Presidência de Bombaim da Índia Britânica, filho de Alice Kipling (nascida MacDonald) e John Lockwood Kipling. [14] Alice (uma das quatro irmãs MacDonald notáveis) [15] era uma mulher vivaz, [16] sobre a qual Lord Dufferin diria: "O entorpecimento e a Sra. Kipling não podem existir na mesma sala." [3] [17] [18] John Lockwood Kipling, um escultor e designer de cerâmica, foi o diretor e professor de escultura arquitetônica na recém-fundada Escola de Arte Sir Jamsetjee Jeejebhoy em Bombaim. [16]

John Lockwood e Alice se conheceram em 1863 e cortejaram em Rudyard Lake em Rudyard, Staffordshire, Inglaterra. Eles se casaram e se mudaram para a Índia em 1865. Eles ficaram tão comovidos com a beleza da área do Lago Rudyard que deram ao primeiro filho o nome dela. Duas das irmãs de Alice eram casadas com artistas: Georgiana com o pintor Edward Burne-Jones e sua irmã Agnes com Edward Poynter. O parente mais proeminente de Kipling era seu primo, Stanley Baldwin, que foi primeiro-ministro conservador três vezes nas décadas de 1920 e 1930. [19]

A casa natal de Kipling no campus do J.J. A Escola de Arte de Bombaim foi por muitos anos usada como residência do reitor. [20] Embora uma casa de campo tenha uma placa identificando-a como seu local de nascimento, a casa original pode ter sido demolida e substituída há décadas. [21] Alguns historiadores e conservacionistas consideram que o bangalô marca um local meramente próximo à casa do nascimento de Kipling, conforme foi construído em 1882 - cerca de 15 anos após o nascimento de Kipling. Kipling parece ter dito isso ao reitor ao visitar a J. J. School na década de 1930. [22]

Mãe das Cidades para mim,
Pois eu nasci em seu portão,
Entre as palmas das mãos e o mar,
Onde os vapores do fim do mundo esperam. [23]

De acordo com Bernice M. Murphy, "os pais de Kipling se consideravam 'anglo-indianos' [um termo usado no século 19 para pessoas de origem britânica que viviam na Índia] e o mesmo aconteceria com seu filho, embora ele passasse a maior parte de sua vida em outro lugar . Questões complexas de identidade e lealdade nacional se tornariam proeminentes em sua ficção. " [24]

Kipling referiu-se a esses conflitos. Por exemplo: “No período da tarde esquenta antes de dormirmos, ela (a portuguesa aiaou babá) ou Meeta (a hindu O portador, ou atendente) nos contava histórias e canções infantis indianas não esquecidas, e éramos mandados para a sala de jantar depois de nos vestirmos, com a advertência "Fale inglês agora com papai e mamãe". Então, alguém falava 'inglês', traduzido hesitantemente do idioma vernáculo em que pensava e sonhava. "[25]

Educação na Grã-Bretanha Editar

Os dias de "forte luz e escuridão" de Kipling em Bombaim terminaram quando ele tinha cinco anos. [25] Como era costume na Índia britânica, ele e sua irmã de três anos Alice ("Trix") foram levados para o Reino Unido - no caso deles para Southsea, Portsmouth - para viver com um casal que hospedava filhos de Cidadãos britânicos que vivem no exterior. [26] Nos seis anos seguintes (de outubro de 1871 a abril de 1877), os filhos viveram com o casal - Capitão Pryse Agar Holloway, que já foi oficial da marinha mercante, e Sarah Holloway - em sua casa, Lorne Lodge, 4 Campbell Road, Southsea. [27]

Em sua autobiografia publicada 65 anos depois, Kipling relembrou a estadia com horror, e se perguntou se a combinação de crueldade e abandono que ele experimentou nas mãos da Sra. Holloway não teria acelerado o início de sua vida literária: "Se você cruzar- examinar uma criança de sete ou oito anos em suas atividades diárias (especialmente quando ela quer dormir), ela se contradiz de maneira muito satisfatória. Se cada contradição for declarada como uma mentira e contada no café da manhã, a vida não é fácil. Eu sabia uma certa quantidade de bullying, mas isso foi uma tortura calculada - tanto religiosa quanto científica. Ainda assim, me fez dar atenção às mentiras que logo achei necessário contar: e isso, presumo, é a base do esforço literário. " [25]

Trix se saiu melhor em Lorne Lodge. A Sra. Holloway aparentemente esperava que Trix acabasse se casando com o filho dos Holloway. [28] Os dois filhos Kipling, no entanto, não tinham parentes na Inglaterra que pudessem visitar, exceto que passavam um mês a cada Natal com uma tia materna Georgiana ("Georgy") e seu marido, Edward Burne-Jones, em sua casa, The Grange, em Fulham, Londres, que Kipling chamou de "um paraíso que eu realmente acredito que me salvou". [25]

Na primavera de 1877, Alice voltou da Índia e tirou os filhos de Lorne Lodge. Kipling lembra "Freqüentemente, e muitas vezes depois, a querida tia me perguntava por que eu nunca havia contado a ninguém como estava sendo tratada. As crianças contam pouco mais do que animais, pois o que acontece com elas elas aceitam como eternamente estabelecido. Além disso, maltratadas as crianças têm uma noção clara do que provavelmente obterão se revelarem os segredos de uma prisão antes de saberem disso. " [25]

Alice levou as crianças durante a primavera de 1877 para a Fazenda Goldings em Loughton, onde um verão e um outono despreocupados foram passados ​​na fazenda e na floresta adjacente, parte do tempo com Stanley Baldwin. Em janeiro de 1878, Kipling foi admitido no United Services College em Westward Ho !, Devon, uma escola fundada recentemente para preparar meninos para o exército. Foi difícil para ele no início, mas depois o levou a amizades firmes e forneceu o cenário para suas histórias de colegial Stalky & amp Co. (1899). [28] Enquanto estava lá, Kipling conheceu e se apaixonou por Florence Garrard, que estava embarcando com Trix em Southsea (para onde Trix havia retornado). Florence se tornou o modelo para Maisie no primeiro romance de Kipling, A luz que falhou (1891). [28]

Retornar para a Índia Editar

Perto do final de seus estudos, decidiu-se que Kipling não tinha capacidade acadêmica para entrar na Universidade de Oxford com uma bolsa de estudos. [28] Seus pais não tinham recursos para financiá-lo, [16] e então o pai de Kipling conseguiu um emprego para ele em Lahore, onde o pai serviu como diretor do Mayo College of Art e curador do Museu de Lahore. Kipling seria editor-assistente de um jornal local, o Diário Civil e Militar.

Ele partiu para a Índia em 20 de setembro de 1882 e chegou a Bombaim em 18 de outubro. Ele descreveu o momento anos depois: "Então, aos dezesseis anos e nove meses, mas parecendo quatro ou cinco anos mais velho e adornado com bigodes reais que a escandalizada Mãe aboliu dentro de uma hora depois de ver, eu me encontrei em Bombaim, onde nasci , movendo-me entre imagens e cheiros que me fizeram pronunciar as frases vernáculas cujo significado eu desconhecia. Outros meninos nascidos na Índia me contaram como a mesma coisa aconteceu com eles. " [25] Essa chegada mudou Kipling, conforme ele explica: "Ainda faltavam três ou quatro dias de trem para Lahore, onde meu povo morava. Depois disso, meus anos de inglês diminuíram, e acho que nunca mais voltou com força total . " [25]

De 1883 a 1889, Kipling trabalhou na Índia britânica para jornais locais como o Diário Civil e Militar em Lahore e O pioneiro em Allahabad. [25]

O primeiro, que era o jornal que Kipling iria chamar de sua "amante e amor verdadeiro" [25], aparecia seis dias por semana durante todo o ano, exceto nos intervalos de um dia para o Natal e a Páscoa. Stephen Wheeler, o editor, trabalhou duro para Kipling, mas a necessidade de Kipling de escrever era imparável. Em 1886, ele publicou sua primeira coleção de versos, Ditties departamentais. Naquele ano também houve uma mudança de redatores do jornal Kay Robinson, o novo editor, permitiu mais liberdade criativa e Kipling foi convidado a contribuir com contos para o jornal. [4]

Em um artigo impresso no Amigos anual dos meninos, um ex-colega de Kipling declarou que "ele nunca conheceu tal sujeito para tinta - ele simplesmente se divertia com isso, enchendo a caneta violentamente e, em seguida, jogando o conteúdo por todo o escritório, de modo que era quase perigoso para abordá-lo. " [29] A anedota continua: "No tempo quente, quando ele (Kipling) vestia apenas calças brancas e um colete fino, ele se parecia mais com um cão dálmata do que com um ser humano, pois estava todo manchado de tinta em todas as direções. "

No verão de 1883, Kipling visitou Shimla, depois Simla, uma conhecida estação de montanha e capital de verão da Índia britânica. Nessa época, era prática do vice-rei da Índia e do governo se mudar para Simla por seis meses, e a cidade se tornou um "centro de poder e também de prazer". [4] A família de Kipling tornou-se visitante anual de Simla, e Lockwood Kipling foi convidado a servir na Igreja de Cristo lá. Rudyard Kipling voltou a Simla para suas férias anuais de 1885 a 1888, e a cidade apareceu com destaque em muitas histórias que escreveu para o Gazeta. [4] "Minha licença de um mês em Simla, ou em qualquer Hill Station para onde meu povo foi, foi pura alegria - todas as horas de ouro contadas. Começou com calor e desconforto, por ferrovia e estrada. Terminou na noite fria, com uma lenha fogo no quarto de alguém, e na manhã seguinte - mais trinta deles à frente! - a xícara de chá da manhã, a Mãe que o trouxe e as longas conversas de todos nós juntos novamente. -trabalho estava na cabeça da pessoa, e isso geralmente estava cheio. " [25]

De volta a Lahore, 39 de suas histórias apareceram no Gazeta entre novembro de 1886 e junho de 1887. Kipling incluiu a maioria deles em Contos Simples das Colinas, sua primeira coleção de prosa, publicada em Calcutá em janeiro de 1888, um mês após seu 22º aniversário. O tempo de Kipling em Lahore, entretanto, havia chegado ao fim. Em novembro de 1887, ele foi transferido para o Gazeta o jornal irmão maior de, O pioneiro, em Allahabad nas Províncias Unidas, onde trabalhou como editor assistente e viveu em Belvedere House de 1888 a 1889. [30] [31]

A escrita de Kipling continuou em um ritmo frenético. Em 1888, ele publicou seis coletâneas de contos: Soldados Três, A história dos Gadsbys, Em preto e branco, Sob os Deodars, O Riquixá Fantasma, e Wee Willie Winkie. Eles contêm um total de 41 histórias, algumas bem longas. Além disso, como O pioneiro correspondente especial de na região oeste de Rajputana, ele escreveu muitos esboços que mais tarde foram coletados em Cartas de Marque e publicado em De mar a mar e outros esboços, cartas de viagens. [4]

Kipling recebeu alta de O pioneiro no início de 1889, após uma disputa. A essa altura, ele pensava cada vez mais em seu futuro. Ele vendeu os direitos de seus seis volumes de histórias por £ 200 e uma pequena realeza, e o Contos Simples por £ 50 além disso, ele recebeu o salário de seis meses de O pioneiro, em vez de aviso. [25]

Voltar para Londres Editar

Kipling decidiu usar o dinheiro para se mudar para Londres, como o centro literário do Império Britânico. Em 9 de março de 1889, ele deixou a Índia, viajando primeiro para São Francisco via Rangoon, Cingapura, Hong Kong e Japão. Kipling ficou favoravelmente impressionado com o Japão, chamando seu povo e seus costumes de "gente graciosa e boas maneiras". [32] O comitê do Prêmio Nobel citou os escritos de Kipling sobre as maneiras e costumes dos japoneses quando eles concederam seu Prêmio Nobel de Literatura em 1907. [33]

Kipling escreveu mais tarde que "havia perdido o coração" por uma gueixa a quem chamava de O-Toyo, escrevendo quando estava nos Estados Unidos durante a mesma viagem pelo Pacífico: "Eu havia deixado o leste inocente para trás. Chorando baixinho por O- Toyo. O-Toyo era um querido. " [32] Kipling então viajou pelos Estados Unidos, escrevendo artigos para O pioneiro que foram publicados posteriormente em De mar a mar e outros esboços, cartas de viagens. [34]

Começando suas viagens pela América do Norte em San Francisco, Kipling foi para o norte para Portland, Oregon, depois Seattle, Washington, até Victoria e Vancouver, British Columbia, através de Medicine Hat, Alberta, de volta aos EUA para o Parque Nacional de Yellowstone, até Salt Lake City, depois para o leste para Omaha, Nebraska e depois para Chicago, Illinois, e depois para Beaver, Pensilvânia, às margens do rio Ohio, para visitar a família Hill. De lá, ele foi para Chautauqua com o professor Hill e, mais tarde, para as Cataratas do Niágara, Toronto, Washington, D.C., Nova York e Boston. [34]

No decorrer dessa jornada, ele conheceu Mark Twain em Elmira, Nova York, e ficou profundamente impressionado. Kipling chegou sem avisar à casa de Twain e mais tarde escreveu que, ao tocar a campainha: "Ocorreu-me pela primeira vez que Mark Twain poderia ter outros compromissos além do entretenimento de lunáticos fugitivos da Índia, por mais que eles estivessem tão cheios de admiração." [35]

Do jeito que estava, Twain deu as boas-vindas a Kipling de bom grado e teve uma conversa de duas horas com ele sobre as tendências da literatura anglo-americana e sobre o que Twain escreveria na sequência de Tom Sawyer, com Twain garantindo a Kipling que uma sequência estava por vir, embora ele não tivesse decidido sobre o final: ou Sawyer seria eleito para o Congresso ou seria enforcado. [35] Twain também passou adiante o conselho literário de que um autor deve "obter seus fatos primeiro e então você pode distorcê-los o quanto quiser". [35] Twain, que gostava bastante de Kipling, escreveu mais tarde sobre seu encontro: "Entre nós, cobrimos todo o conhecimento, ele cobre tudo o que pode ser conhecido e eu cuido do resto." [35] Kipling então cruzou o Atlântico para Liverpool em outubro de 1889. Ele logo fez sua estréia no mundo literário de Londres, com grande aclamação. [3]

Londres Editar

Em Londres, Kipling teve várias histórias aceitas em revistas. Ele encontrou um lugar para morar pelos próximos dois anos na Villiers Street, perto de Charing Cross (em um prédio posteriormente denominado Kipling House):

Nesse ínterim, eu havia encontrado para mim um alojamento na Villiers Street, Strand, que há 46 anos era primitiva e apaixonada em seus hábitos e população. Meus aposentos eram pequenos, não muito limpos ou bem conservados, mas da minha mesa eu podia olhar pela janela através da claraboia da entrada do Music-Hall de Gatti, do outro lado da rua, quase no palco. Os trens Charing Cross rugiam em meus sonhos de um lado, o estrondo do Strand do outro, enquanto, diante de minhas janelas, o padre Tâmisa sob a torre Shot andava para cima e para baixo com seu tráfego. [36]

Nos dois anos seguintes, ele publicou um romance, A luz que falhou, teve um colapso nervoso e conheceu um escritor e editor americano, Wolcott Balestier, com quem colaborou em um romance, The Naulahka (um título que ele escreveu erroneamente, veja abaixo). [16] Em 1891, conforme aconselhado por seus médicos, Kipling fez outra viagem marítima, para a África do Sul, Austrália, Nova Zelândia e, mais uma vez, Índia. [16] Ele interrompeu seus planos de passar o Natal com sua família na Índia quando soube da morte repentina de Balestier devido à febre tifóide e decidiu retornar a Londres imediatamente. Antes de seu retorno, ele usou o telegrama para propor e ser aceito pela irmã de Wolcott, Caroline Starr Balestier (1862-1939), chamada de "Carrie", a quem conheceu um ano antes, e com quem aparentemente havia estado tendo um romance intermitente. [16] Enquanto isso, no final de 1891, uma coleção de seus contos sobre os britânicos na Índia, Desvantagem da vida, foi publicado em Londres. [37]

Em 18 de janeiro de 1892, Carrie Balestier (de 29 anos) e Rudyard Kipling (de 26 anos) casaram-se em Londres, no "meio de uma epidemia de gripe, quando os coveiros ficaram sem cavalos negros e os mortos tiveram que se contentar com os marrons . " [25] O casamento foi realizado na All Souls Church, Langham Place. Henry James deu a noiva.

Estados Unidos Editar

Kipling e sua esposa estabeleceram uma lua de mel que os levou primeiro aos Estados Unidos (incluindo uma parada na propriedade da família Balestier perto de Brattleboro, Vermont) e depois ao Japão. [16] Ao chegar em Yokohama, eles descobriram que seu banco, The New Oriental Banking Corporation, havia falido. Levando em conta essa perda, eles voltaram aos Estados Unidos, de volta a Vermont - Carrie, nessa época, estava grávida de seu primeiro filho - e alugaram uma pequena cabana em uma fazenda perto de Brattleboro por US $ 10 por mês. [25] De acordo com Kipling, "Nós o fornecemos com uma simplicidade que antecedeu o sistema de locação-compra. Compramos, de segunda ou terceira mão, um enorme fogão a ar quente que instalamos no porão. Cortamos buracos generosos em nosso piso estreito por causa de seus cachimbos de lata de 20 cm (por que não éramos queimados em nossas camas todas as semanas do inverno, eu nunca consigo entender) e estávamos extraordinária e egocêntricos satisfeitos. " [25]

Nesta casa, que eles chamam Bliss Cottage, sua primeira filha, Josephine, nasceu "em um metro de neve na noite de 29 de dezembro de 1892. Sendo o aniversário de sua mãe o 31 e o meu 30 do mesmo mês, nós a parabenizamos por seu senso de aptidão de coisas. "[25]

Foi também nesta cabana que os primeiros amanheceres de The Jungle Books veio a Kipling: "A oficina no Bliss Cottage tinha 2,10 m por 2,40 m, e de dezembro a abril, a neve estava nivelada com o peitoril da janela. Acontece que eu tinha escrito um conto sobre o trabalho florestal indiano que incluía um menino que tinha sido criada por lobos. Na quietude e suspense do inverno de 92, alguma lembrança dos Leões maçônicos da revista da minha infância e uma frase na revista Haggard's Nada a lírio, combinado com o eco deste conto. Depois de bloquear a ideia principal em minha cabeça, a caneta assumiu o controle e eu a observei começar a escrever histórias sobre Mowgli e animais, que mais tarde se transformaram em dois Livros da selva." [25]

Com a chegada de Josephine, Bliss Cottage parecia estar congestionado, então o casal acabou comprando um terreno - 10 acres (4,0 ha) em uma encosta rochosa com vista para o rio Connecticut - do irmão de Carrie, Beatty Balestier, e construiu sua própria casa. Kipling nomeou esse Naulakha, em homenagem a Wolcott e sua colaboração, e desta vez o nome foi escrito corretamente. [16] Desde seus primeiros anos em Lahore (1882-87), Kipling se apaixonou pela arquitetura Mughal, [38] especialmente o pavilhão Naulakha situado no Forte de Lahore, que acabou inspirando o título de seu romance, bem como a casa. [39] A casa ainda está de pé na Kipling Road, três milhas (5 km) ao norte de Brattleboro em Dummerston, Vermont: uma grande e isolada casa verde-escura, com telhado de telha e laterais, que Kipling chamou de seu "navio", e o que lhe trouxe "luz do sol e uma mente tranquila". [16] Sua reclusão em Vermont, combinada com sua saudável "vida sã e limpa", tornou Kipling criativo e prolífico.

Em apenas quatro anos ele produziu, junto com o Livros da selva, um livro de contos (O trabalho do dia), um romance (Capitães corajosos), e uma profusão de poesia, incluindo o volume Os sete mares. A coleção de Baladas de quartel foi publicado em março de 1892, primeiro publicado individualmente em sua maior parte em 1890, e continha seus poemas "Mandalay" e "Gunga Din". Ele gostou especialmente de escrever o Livros da selva e também se correspondendo com muitas crianças que escreveram para ele sobre eles. [16]

Vida na Nova Inglaterra Editar

A vida da escrita em Naulakha foi ocasionalmente interrompido por visitantes, incluindo seu pai, que o visitou logo após sua aposentadoria em 1893, [16] e o escritor britânico Arthur Conan Doyle, que trouxe seus tacos de golfe, permaneceu por dois dias e deu a Kipling uma longa aula de golfe. [40] [41] Kipling parecia levar ao golfe, ocasionalmente praticando com o ministro da Congregação local e até jogando com bolas pintadas de vermelho quando o chão estava coberto de neve. [14] [41] No entanto, o golfe de inverno "não foi totalmente um sucesso porque não havia limites para o impulso de a bola derrapar 3 km descendo a longa encosta até o rio Connecticut". [14]

Kipling amava o ar livre, [16] e uma das maravilhas em Vermont era o virar das folhas a cada outono. Ele descreveu este momento em uma carta: "Um pequeno bordo começou, flamejando vermelho-sangue de repente onde ele se levantou contra o verde escuro de um cinturão de pinheiros. Na manhã seguinte houve um sinal de resposta do pântano onde crescem os sumagres. Três dias depois, as encostas das colinas o mais rápido que a vista alcançava estavam em chamas e as estradas pavimentadas com carmesim e ouro. Em seguida, soprou um vento úmido e arruinou todos os uniformes daquele exuberante exército e dos carvalhos que haviam resistido eles próprios em reserva, afivelados em suas couraças opacas e bronzeadas e aguentaram rigidamente até a última folha soprada, até que nada restasse além de sombras a lápis de ramos nus, e se pudesse ver o coração mais privado da floresta. " [42]

Em fevereiro de 1896, nasceu Elsie Kipling, a segunda filha do casal. Nessa época, de acordo com vários biógrafos, seu relacionamento conjugal não era mais alegre e espontâneo. [43] Embora eles sempre tenham permanecido leais um ao outro, eles pareciam agora ter caído em papéis definidos. [16] Em uma carta a um amigo que ficou noivo nessa época, Kipling de 30 anos deu este conselho sombrio: o casamento ensinava principalmente "as virtudes mais duras - como humildade, moderação, ordem e premeditação". [44] Mais tarde no mesmo ano, ele lecionou temporariamente na Bishop's College School em Quebec, Canadá. [45]

Os Kipling amavam a vida em Vermont e poderiam ter vivido lá, não fossem dois incidentes - um de política global e outro de discórdia familiar. No início da década de 1890, o Reino Unido e a Venezuela estavam em uma disputa de fronteira envolvendo a Guiana Inglesa. Os Estados Unidos haviam feito várias ofertas para arbitrar, mas em 1895, o novo Secretário de Estado americano Richard Olney aumentou a aposta ao defender o "direito" americano de arbitrar com base na soberania do continente (ver a interpretação de Olney como uma extensão de a Doutrina Monroe). [16] Isso gerou polêmica na Grã-Bretanha, e a situação se transformou em uma grande crise anglo-americana, com rumores de guerra em ambos os lados.

Embora a crise tenha se atenuado para uma maior cooperação Estados Unidos-Reino Unido, Kipling ficou perplexo com o que considerou ser um sentimento antibritânico persistente nos EUA, especialmente na imprensa. [16] Ele escreveu em uma carta que parecia ser "mirado por uma garrafa em uma mesa de jantar amigável". [44] Em janeiro de 1896, ele decidiu [14] encerrar a "vida boa e saudável" de sua família nos EUA e buscar fortuna em outro lugar.

Uma disputa familiar foi a gota d'água.Por algum tempo, as relações entre Carrie e seu irmão Beatty Balestier foram tensas, devido à bebida e à insolvência. Em maio de 1896, um Beatty embriagado encontrou Kipling na rua e o ameaçou com ferimentos físicos. [16] O incidente levou à eventual prisão de Beatty, mas na audiência subsequente e na publicidade resultante, a privacidade de Kipling foi destruída e ele se sentiu miserável e exausto. Em julho de 1896, uma semana antes de a audiência ser retomada, os Kiplings empacotaram seus pertences, deixaram os Estados Unidos e voltaram para a Inglaterra. [14]

Devon Edit

Em setembro de 1896, os Kiplings estavam em Torquay, Devon, na costa sudoeste da Inglaterra, em uma casa na encosta de uma colina com vista para o Canal da Mancha. Embora Kipling não se importasse muito com sua nova casa, cujo projeto, segundo ele, deixava os ocupantes desanimados e tristes, ele conseguiu se manter produtivo e socialmente ativo. [16]

Kipling era agora um homem famoso e, nos dois ou três anos anteriores, vinha fazendo cada vez mais pronunciamentos políticos em seus escritos. Os Kiplings deram as boas-vindas a seu primeiro filho, John, em agosto de 1897. Kipling começou a trabalhar em dois poemas, "Recessional" (1897) e "The White Man's Burden" (1899), que criaram polêmica quando publicados. Considerados por alguns como hinos para a construção de impérios iluminados e comprometidos com o dever (capturando o clima da era vitoriana), os poemas foram vistos por outros como propaganda do imperialismo descarado e suas atitudes raciais concomitantes; outros, ainda, viram ironia nos poemas e avisos dos perigos do império. [16]

Assuma o fardo do Homem Branco -
Envie o melhor de sua raça -
Vá, prenda seus filhos ao exílio
Para atender às necessidades de seus cativos
Para esperar, com arreios pesados,
Em folk agitado e selvagem -
Seus povos taciturnos recém-capturados,
Meio demônio meio criança.
O fardo do homem branco [46]

Havia também um pressentimento nos poemas, uma sensação de que tudo ainda poderia dar em nada. [47]

Chamadas, nossas marinhas derretem
Na duna e no promontório afunda o fogo:
Lo, toda a nossa pompa de ontem
É um com Nínive e Tiro!
Juiz das Nações, poupe-nos ainda.
Para que não esqueçamos - para que não esqueçamos!
Recessional [48]

Um escritor prolífico durante seu tempo em Torquay, ele também escreveu Stalky & amp Co., uma coleção de histórias escolares (nascidas de sua experiência no United Services College em Westward Ho!), cujos protagonistas juvenis exibem uma visão cínica e sabe-tudo sobre patriotismo e autoridade. De acordo com sua família, Kipling gostava de ler histórias em voz alta de Stalky & amp Co. para eles e muitas vezes caía na gargalhada por causa de suas próprias piadas. [16]

Visitas à África do Sul Editar

No início de 1898, os Kiplings viajaram para a África do Sul para as férias de inverno, dando início a uma tradição anual que (exceto no ano seguinte) duraria até 1908. Eles ficariam em "The Woolsack", uma casa na propriedade de Cecil Rhodes em Groote Schuur (agora uma residência estudantil da Universidade da Cidade do Cabo), a uma curta distância da mansão de Rodes. [49]

Com sua nova reputação como Poeta do Império, Kipling foi calorosamente recebido por alguns dos políticos influentes da Colônia do Cabo, incluindo Rhodes, Sir Alfred Milner e Leander Starr Jameson. Kipling cultivou sua amizade e passou a admirar os homens e sua política. O período de 1898 a 1910 foi crucial na história da África do Sul e incluiu a Segunda Guerra dos Bôeres (1899 a 1902), o tratado de paz que se seguiu e a formação da União da África do Sul em 1910. De volta à Inglaterra, Kipling escreveu poesia em apoio à causa britânica na Guerra dos Bôeres e em sua próxima visita à África do Sul no início de 1900, tornou-se correspondente da O amigo jornal em Bloemfontein, que havia sido confiscado por Lord Roberts para as tropas britânicas. [50]

Embora sua temporada jornalística durasse apenas duas semanas, foi o primeiro trabalho de Kipling em uma equipe de jornal desde que ele saiu O pioneiro em Allahabad, mais de dez anos antes. [16] Em O amigo, ele fez amizades duradouras com Perceval Landon, H. A. Gwynne e outros. [51] Ele também escreveu artigos publicados expressando de forma mais ampla suas opiniões sobre o conflito. [52] Kipling escreveu uma inscrição para o Honored Dead Memorial (memorial do cerco) em Kimberley.

Sussex Edit

Em 1897, Kipling mudou-se de Torquay para Rottingdean, perto de Brighton, East Sussex - primeiro para North End House e depois para Elms. [53] Em 1902, Kipling comprou a Bateman's, uma casa construída em 1634 e localizada na zona rural de Burwash.

A casa de Bateman foi a casa de Kipling de 1902 até sua morte em 1936. [54] A casa e seus edifícios circundantes, o moinho e 33 acres (13 ha), foram comprados por £ 9.300. Não tinha banheiro, água encanada no andar de cima e eletricidade, mas Kipling adorou: "Vejam-nos, legítimos proprietários de uma casa de pedra cinzenta de líquen - 1634 DC sobre a porta - com vigas, painéis, com escada de carvalho velha, e tudo intocado e não desperdiçado. É um lugar bom e pacífico. Nós o amamos desde a primeira vez que o vimos "(de uma carta de novembro de 1902). [55] [56]

No reino da não-ficção, ele se envolveu no debate sobre a resposta britânica ao aumento do poder naval alemão conhecido como Plano Tirpitz, para construir uma frota para desafiar a Marinha Real, publicando uma série de artigos em 1898 coletados como Uma Frota em Ser. Em uma visita aos Estados Unidos em 1899, Kipling e sua filha Josephine desenvolveram pneumonia, da qual ela acabou morrendo.

Após a morte de sua filha, Kipling se concentrou em coletar material para o que se tornou Just So Stories for Little Children, publicado em 1902, um ano após Kim. [57] O estudioso literário americano David Scott argumentou que Kim refuta a afirmação de Edward Said sobre Kipling como um promotor do orientalismo como Kipling - que estava profundamente interessado no budismo - ao apresentar o budismo tibetano sob uma luz bastante simpática e aspectos do romance pareciam refletir uma compreensão budista do universo. [58] [59] Kipling foi ofendido pelo imperador alemão Guilherme II Fala Hun (Hunnenrede) em 1900, exortando as tropas alemãs enviadas à China para esmagar a Rebelião Boxer para que se comportassem como "Hunos" e não fizessem prisioneiros. [60]

Em um poema de 1902, Os remadores, Kipling atacou o cáiser como uma ameaça à Grã-Bretanha e fez o primeiro uso do termo "Hun" como um insulto anti-alemão, usando as próprias palavras de Wilhelm e as ações das tropas alemãs na China para retratar os alemães como essencialmente bárbaros. [60] Em entrevista ao jornal francês Le Figaro, o francófilo Kipling chamou a Alemanha de ameaça e convocou uma aliança anglo-francesa para detê-la. [60] Em outra carta ao mesmo tempo, Kipling descreveu o "unfrei povos da Europa Central "como vivendo na" Idade Média com metralhadoras. "[60]

Edição de ficção especulativa

Kipling escreveu uma série de contos de ficção especulativa, incluindo "O Exército de um Sonho", em que buscava mostrar um exército mais eficiente e responsável do que a burocracia hereditária da Inglaterra da época, e duas histórias de ficção científica: "Com o Night Mail "(1905) e" As Easy As ABC " (1912). Ambos foram ambientados no século 21 no universo Aerial Board of Control de Kipling. Eles leram como ficção científica moderna, [61] e introduziram a técnica literária conhecida como exposição indireta, que mais tarde se tornaria uma das marcas registradas do escritor de ficção científica Robert Heinlein. Esta técnica é aquela que Kipling aprendeu na Índia e usou para resolver o problema de seus leitores ingleses não entenderem muito sobre a sociedade indiana, ao escrever O livro da Selva. [62]

Prêmio Nobel e além Editar

Em 1907, foi agraciado com o Prêmio Nobel de Literatura, tendo sido indicado naquele ano por Charles Oman, professor da Universidade de Oxford. [63] A citação do prêmio disse que foi "em consideração ao poder de observação, originalidade da imaginação, virilidade das idéias e notável talento para narração que caracterizam as criações deste autor mundialmente famoso." O prêmio Nobel foi estabelecido em 1901 e Kipling foi o primeiro a receber o idioma inglês. Na cerimônia de premiação em Estocolmo em 10 de dezembro de 1907, o Secretário Permanente da Academia Sueca, Carl David af Wirsén, elogiou Kipling e três séculos de literatura inglesa:

A Academia Sueca, ao conceder o Prêmio Nobel de Literatura este ano a Rudyard Kipling, deseja prestar uma homenagem à literatura da Inglaterra, tão rica em múltiplas glórias, e ao maior gênio no reino da narrativa que aquele país possui produzidos em nossos tempos. [64]

Para "finalizar o livro" essa conquista veio a publicação de duas coleções conectadas de poesia e história: Puck of Pook's Hill (1906), e Recompensas e fadas (1910). Este último continha o poema "If—." Em uma pesquisa de opinião da BBC em 1995, foi eleito o poema favorito do Reino Unido. [65] Esta exortação ao autocontrole e estoicismo é sem dúvida o poema mais famoso de Kipling. [65]

Tamanha era a popularidade de Kipling que seu amigo Max Aitken o convidou a intervir nas eleições canadenses de 1911 em nome dos conservadores. [66] Em 1911, a principal questão no Canadá era um tratado de reciprocidade com os Estados Unidos assinado pelo primeiro-ministro liberal Sir Wilfrid Laurier e vigorosamente combatido pelos conservadores sob o comando de Sir Robert Borden. Em 7 de setembro de 1911, o Montreal Daily Star O jornal publicou um apelo de primeira página contra o acordo de Kipling, que escreveu: "É a sua própria alma que o Canadá arrisca hoje. Uma vez que essa alma seja penhorada por qualquer consideração, o Canadá deve inevitavelmente se conformar às normas comerciais, legais, financeiras, sociais, e os padrões éticos que serão impostos a ela pelo simples peso admitido dos Estados Unidos. " [66] Na época, o Montreal Daily Star foi o jornal mais lido do Canadá. Na semana seguinte, o apelo de Kipling foi reimpresso em todos os jornais ingleses do Canadá e é creditado por ajudar a virar a opinião pública canadense contra o governo liberal. [66]

Kipling simpatizou com a postura anti-Home Rule dos sindicalistas irlandeses, que se opunham à autonomia irlandesa. Ele era amigo de Edward Carson, o líder do sindicalismo do Ulster, nascido em Dublin, que criou os voluntários do Ulster para prevenir o governo autônomo na Irlanda. Kipling escreveu em uma carta a um amigo que a Irlanda não era uma nação e que antes dos ingleses chegarem em 1169, os irlandeses eram uma gangue de ladrões de gado que viviam na selva e matavam uns aos outros enquanto "escreviam poemas tristes" sobre tudo isso. Em sua opinião, foi apenas o domínio britânico que permitiu o avanço da Irlanda. [67] Uma visita à Irlanda em 1911 confirmou os preconceitos de Kipling. Ele escreveu que o campo irlandês era bonito, mas estragado pelo que ele chamava de casas feias de fazendeiros irlandeses, com Kipling acrescentando que Deus havia transformado os irlandeses em poetas, tendo "os privado do amor à linha ou do conhecimento das cores". [68] Em contraste, Kipling não tinha nada além de elogios para o "povo decente" da minoria protestante e Unionista do Ulster, livre da ameaça de "violência constante da turba". [68]

Kipling escreveu o poema "Ulster"em 1912, refletindo sua política Unionista. Kipling freqüentemente se referia aos Unionistas Irlandeses como" nosso partido ". [69] O ministro HH Asquith que mergulharia a Irlanda na Idade Média e permitiria que a maioria católica irlandesa oprimisse a minoria protestante. [70] O estudioso David Gilmour escreveu que a falta de compreensão de Kipling da Irlanda pode ser vista em seu ataque a John Redmond - o anglófilo líder do Partido Parlamentar Irlandês que queria o autogoverno porque acreditava que era a melhor maneira de manter o Reino Unido unido - como um traidor que trabalhava para separar o Reino Unido. [71] Ulster foi lido pela primeira vez em um comício Unionista em Belfast, onde o maior Union Jack já feito foi revelado. [71] Kipling admitiu que pretendia dar um "duro golpe" contra o projeto de Home Rule do governo de Asquith: "Rebelião, rapina, ódio, opressão, erro e ganância, Estão perdidos para governar nosso destino, pelo ato e ação da Inglaterra." [68] Ulster gerou muita polêmica com o parlamentar conservador Sir Mark Sykes - que como sindicalista se opôs ao projeto de lei do governo interno - condenando Ulster no The Morning Post como um "apelo direto à ignorância e uma tentativa deliberada de fomentar o ódio religioso". [71]

Kipling era um adversário ferrenho do bolchevismo, posição que compartilhava com seu amigo Henry Rider Haggard. Os dois se uniram na chegada de Kipling a Londres em 1889, em grande parte devido às opiniões que compartilhavam, e permaneceram amigos por toda a vida.

Edição da Maçonaria

De acordo com a revista inglesa Maçônico Ilustrado, Kipling tornou-se maçom por volta de 1885, antes da idade mínima usual de 21 anos, [72] sendo iniciado na Loja Esperança e Perseverança nº 782 em Lahore. Ele mais tarde escreveu para Os tempos, "Fui Secretário por alguns anos da Loja. Que incluía Irmãos de pelo menos quatro credos. Fui inscrito [como Aprendiz] por um membro de Brahmo Somaj, um hindu, aprovado [no grau de Companheiro] por um Maometano, e criado [ao grau de mestre maçom] por um inglês. Nosso Tyler era um judeu indiano. " Kipling recebeu não apenas os três graus de Maçonaria, mas também os graus colaterais de Mark Master Mason e Royal Ark Mariner. [73]

Kipling amou tanto sua experiência maçônica que lembrou seus ideais em seu poema "The Mother Lodge" [72] e usou a fraternidade e seus símbolos como dispositivos vitais de enredo em sua novela O homem que seria rei. [74]

No início da Primeira Guerra Mundial, como muitos outros escritores, Kipling escreveu panfletos e poemas apoiando entusiasticamente os objetivos de guerra do Reino Unido de restaurar a Bélgica, depois de ter sido ocupada pela Alemanha, juntamente com declarações generalizadas de que a Grã-Bretanha estava se levantando pela causa de Boa. Em setembro de 1914, Kipling foi convidado pelo governo a escrever propaganda, oferta que ele aceitou. [75] Os panfletos e histórias de Kipling eram populares entre o povo britânico durante a guerra, e seus principais temas eram glorificar os militares britânicos como a lugar para homens heróicos estarem, enquanto cita atrocidades alemãs contra civis belgas e as histórias de mulheres brutalizadas por uma guerra horrível desencadeada pela Alemanha, mas sobrevivendo e triunfando apesar de seu sofrimento. [75]

Kipling ficou furioso com as notícias do Estupro da Bélgica junto com o naufrágio do RMS Lusitania em 1915, que considerou um ato profundamente desumano, o que o levou a ver a guerra como uma cruzada da civilização contra a barbárie. [76] Em um discurso de 1915, Kipling declarou: "Não houve crime, nem crueldade, nem abominação que a mente dos homens possa conceber que o alemão não tenha perpetrado, não esteja perpetrando e não perpetrará se ele tiver permissão para continue. Hoje, existem apenas duas divisões no mundo: seres humanos e alemães. " [76]

Ao lado de sua antipatia apaixonada pela Alemanha, Kipling criticava profundamente como a guerra estava sendo travada pelo Exército Britânico, reclamando já em outubro de 1914 de que a Alemanha já deveria ter sido derrotada e que algo deve estar errado com o Exército Britânico. [77] Kipling, que ficou chocado com as pesadas perdas sofridas pela Força Expedicionária Britânica no outono de 1914, culpou toda a geração pré-guerra de políticos britânicos que, segundo ele, não aprenderam as lições da Guerra dos Bôeres . Assim, milhares de soldados britânicos estavam agora pagando com a vida por seu fracasso nos campos da França e da Bélgica. [77]

Kipling desprezava os homens que se esquivavam do dever na Primeira Guerra Mundial. Em "O Novo Exército em Treinamento" [78] (1915), Kipling concluiu dizendo:

Isso podemos perceber, mesmo estando tão perto disso, o velho instinto seguro nos salva do triunfo e da exultação. Mas qual será a posição nos próximos anos do jovem que deliberadamente decidiu se livrar desta irmandade abrangente? O que dizer de sua família e, acima de tudo, de seus descendentes, quando os livros foram fechados e o último equilíbrio atingido de sacrifício e tristeza em cada aldeia, vila, paróquia, subúrbio, cidade, condado, distrito, província e Domínio em todo o Império?

Em 1914, Kipling foi um dos 53 principais autores britânicos - um número que incluía H. G. Wells, Arthur Conan Doyle e Thomas Hardy - que assinaram seus nomes na "Declaração dos Autores". Este manifesto declarava que a invasão alemã da Bélgica havia sido um crime brutal e que a Grã-Bretanha "não poderia sem desonra ter se recusado a participar da guerra atual". [79]


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O primeiro conjunto de colecções remonta ao início do século XIX, na sequência de um leilão público em que a família Torlonia adquire a colecção do escultor Bartolomeo Cavaceppi (1717-1799), o mais célebre restaurador de estatuária antiga do século XVIII. A coleção apresentava uma ampla gama de mármores antigos, terracota, estatuetas de bronze, modelos e moldes, que passaram a constituir a decoração nobre das principais residências familiares: a villa na Via Nomentana, o Palazzo Bolognetti e depois Torlonia na Piazza Venezia e depois em (1820) Palazzo Giraud, na moderna Via della Conciliazione. Com a compra de Cavaceppi, a Família Torlonia não só se torna dona de uma grande coleção de obras-primas antigas (estátuas, bustos, relevos e sarcófagos), mas também entre os últimos testemunhos de algumas das coleções romanas mais antigas da Cinquecento e Seicento, depois se dispersando gradativamente (como o de Pio da Carpi, Caetani e Cesarini, etc.).

Com base neste conjunto inicial, a Coleção Torlonia estava destinada a crescer ainda mais no século seguinte: em 1816 cerca de 270 obras foram adquiridas, incluindo as últimas esculturas da galeria pertencentes ao Marquês Vincenzo Giustiniani: a coleção de esculturas antigas de maior prestígio do século 17. A herança Torlonia veio assim adquirir oHestia Giustiniani, mas também o assim chamado Eutidemo de Bactriae, acima de tudo, uma série extraordinária de bustos e retratos imperiais.Ao mesmo tempo, na segunda metade do século 19, os achados arqueológicos das numerosas propriedades suburbanas da família avançam e se intensificam, muitas vezes coincidindo com antigas residências da época imperial (as escavações de Roma Vecchia na Via Latina, a Villa de Maxentius, a Villa dos Quintilii, a Villa di Porto, para citar apenas algumas das mais famosas). Em 1866, na Via Salaria, o príncipe Alessandro Torlonia (1800-1886) adquiriu a antiga villa do cardeal Alessandro Albani, que possuía uma notável coleção de esculturas gregas e romanas da mais alta qualidade, conforme celebradas nos escritos de Johann Joachim Winckelmann.

No final do século 19, a coleção apresentava um número agora extraordinário de mármores antigos, & ldquoan imenso tesouro de erudição e arte, acumulado em silêncio & rdquo como P. E. Visconti o definiria no início de seu Catalogo (1876), muito maior do que o que poderia ser considerado necessário para as necessidades de mobiliário das numerosas residências. Isso marcou o início do projeto, implementado pelo Príncipe Alessandro, para fundar um Museu de Escultura Antiga, reaproveitar um antigo celeiro da Via della Lungara, em cujas salas as obras são encomendadas e catalogadas para serem expostas à admiração de pequenos grupos de visitantes. Cerca de 517 esculturas no momento de sua constituição (c. 1875) e que haviam crescido para 620 obras, poucos anos depois, quando reproduzidas por C.L. Visconti em um dos primeiros exemplos de um catálogo fotográfico de uma coleção de arte antiga (I Monumenti del Museo Torlonia riprodotti con la fototipia, Roma, 1884-85), observando que, nesse ínterim, o número de obras cresceu ainda mais.

Bem conservado e bem guardado, chegando intacta aos dias atuais, ao longo de seu processo de formação, a Torlonia tornou-se um acervo de coleções, a síntese e summa daquele complexo fenômeno histórico-cultural conhecido como a redescoberta do antigo, e que desde o início do período renascentista estabeleceria as bases em Roma para a & lsquociência & rsquo das antiguidades, desde a coleção de arte antiga até a formação de coleções de museus modernos e estudos arqueológicos.


PIERRE HUIG

O cachorro chamado homem

Pierre Huig. Uncone, 2011-2012
Imagem cedida pela autora, Mariam Goodman Gallery, New York Esther Schipper, Berlin. Especialmente para dOCUMENTA (13). © Pierre Huyghe

Pierre Huig criou ilhas de outra realidade dentro do bem cuidado parque barroco em German Kassel, no centro, há uma estátua de mulher & # 8217s com uma colmeia em vez de uma cabeça, e dois cães vagam em volta dela na lama e no lixo de construção. Um deles, chamado Man, é um albino com a pata dianteira rosa brilhante.


Arte chinesa (c.1700 a.C. - 2.000 dC) Características e História


Estátua de Guan Yin esculpida em madeira
Dinastia Liao (norte da China)
Província de Shanxi, China, (907-1125).

Isolada por montanhas, desertos e oceanos de outros centros da evolução humana, a China desenvolveu sua própria civilização independente, mas altamente avançada, que apresentava uma combinação surpreendente de tecnologia progressiva, arte antiga e consciência cultural. A cerâmica mais antiga do mundo, por exemplo, é a Cerâmica da Caverna Xianrendong, da província de Jiangxi, e a Cerâmica da Caverna Yuchanyan, de Hunan. Este influente desenvolvimento da cerâmica espalhou-se pela Sibéria - veja a cerâmica da Bacia do Rio Amur (14.300 aC) - e no Japão, na forma da cerâmica Jomon (14.500 aC). Estranhamente, no entanto, poucas evidências surgiram até agora de qualquer tradição significativa de arte rupestre no continente chinês.

O centro original da cultura chinesa estava ao longo do grande rio Amarelo, que cruza a planície do norte da China, onde assentamentos estáveis ​​datam de pelo menos 4000 aC. Para obter detalhes, consulte: Arte Neolítica na China (7500-2000 aC). Descobertas arqueológicas - notadamente nos túmulos de indivíduos prósperos - indicam que a partir de cerca de 2500 aC os chineses cultivaram bichos-da-seda, tinham ferramentas lindamente acabadas e produziram uma ampla gama de artefatos culturais. Posteriormente, durante o período 2500-100 AC, os artistas chineses dominaram várias formas de arte visual, incluindo: Cerâmica chinesa (que começou na China por volta de 10.000 AC e inclui porcelana chinesa) escultura em jade e outros tipos de bronzes de arte em metal e joalharia (principalmente vasos cerimoniais) escultura budista e escultura secular de terracota (exemplificado pelo Exército Chinês de Terracota) Pintura e caligrafia chinesas, bem como artesanato, como artigos de laca. Além da arte, a China tinha sua própria história de invenções científicas e tecnológicas, muitas das quais se espalharam pelo Oriente para a Europa. Além disso, por volta de 1800 aC, a cultura avançada da China também desenvolveu um sistema de escrita que ainda é a base da escrita chinesa moderna. Veja também: Linha do tempo da arte pré-histórica (2.500.000-500 aC). Para as artes do subcontinente indiano, consulte: Índia, Pintura e Escultura.

As dinastias chinesas: uma cronologia simples

A China é datada por suas dinastias, uma palavra que foi cunhada por historiadores ocidentais a partir da raiz grega para "poder, força ou dominação". Ondas sucessivas de invasores saíram da massa de terra da Ásia Central, das Estepes e do Rio Turcu, conquistada , governou e por sua vez foram assimilados pelos chineses. Os diferentes tipos de arte na China desenvolveram-se de acordo com o interesse e patrocínio de cada dinastia, bem como os caprichos dos governantes regionais. As relações comerciais com seus vizinhos do Leste Asiático também foram um estímulo importante no desenvolvimento das artes visuais chinesas, notadamente a cerâmica e a laca.

- Dinastia Xia (2100-1700 AC)
- Dinastia Shang (1700-1050)
- Dinastia Zhou (1050-221) [inc. Período dos Reinos Combatentes 475-221]
- Imperador Qin e Dinastia de 3 anos (221-206)
- Dinastia Han (206 AC - 220 DC)
- Período das Seis Dinastias (220-589)
- Dinastia Sui (589-618)
- Dinastia Tang (618-906)
- Período das Cinco Dinastias (907-60) [governantes militares detinham o poder]
- Dinastia Song (960-1279)
- Dinastia Yuan (1271-1368)
- Dinastia Ming (1368-1644)
- Dinastia Qing (1644-1911)

Para um guia de dinastia por dinastia, veja abaixo: História da Arte Chinesa.

Características da Arte Chinesa

Aspecto metafísico, taoísta
Desde a era da arte pré-histórica, a sociedade chinesa - ela própria quase totalmente agrícola ou rural até o século 20 - sempre deu grande importância à compreensão do padrão da natureza e à convivência com ele. A natureza foi percebida como a manifestação visível da criatividade de Deus, usando a interação do yin (feminino) e yang forças vitais (masculinas). O principal objetivo da arte chinesa - inicialmente centrada na propiciação e no sacrifício - logo se voltou para a expressão da compreensão humana dessas forças vitais, em uma variedade de formas de arte, incluindo pintura (notadamente paisagens, bambu, pássaros e flores), cerâmica , escultura em relevo e semelhantes. Os chineses também acreditavam que a energia e o ritmo gerados por um artista ressoavam intimamente com a fonte final dessa energia. Achavam que a arte - principalmente a caligrafia e a pintura - tinha a capacidade de refrescar o artista ou retardá-lo espiritualmente, de acordo com a harmonia de sua prática e o caráter de cada um. Veja também: Arte Tradicional Chinesa: Características.

Moral, Aspecto Confucionista
A arte chinesa também tinha funções sociais e moralistas. As primeiras pinturas murais, por exemplo, retratavam imperadores benevolentes, ministros sábios, generais leais, bem como seus opostos malignos, como um exemplo e uma advertência aos observadores. A arte do retrato tinha uma função moral semelhante, que visava destacar não os traços faciais ou figurativos do sujeito, mas seu caráter e status na sociedade.

Inspirador, mas não essencialmente religioso
Pintores da corte eram freqüentemente contratados para retratar eventos auspiciosos e memoráveis, mas a pintura religiosa elevada é desconhecida na arte chinesa. Até o budismo, que estimulou a produção de inúmeras obras-primas, foi, na verdade, uma importação estrangeira. O principal é que os temas usados ​​na arte tradicional chinesa eram quase sempre nobres ou inspiradores. Assim, temas excessivamente realistas, como guerra, morte, violência, martírio ou mesmo o nu, foram evitados. Além disso, a tradição artística chinesa não separa a forma do conteúdo: não é suficiente, por exemplo, que a forma seja requintada se o assunto não for edificante.

Essência Interna, Não Aparência Externa
Ao contrário dos artistas ocidentais, os pintores chineses não estavam interessados ​​em reproduzir a natureza ou em criar uma representação real de (digamos) uma paisagem. Em vez disso, eles se concentraram em expressar a essência interna do assunto. Lembre-se de que rochas e riachos eram vistos como coisas "vivas", manifestações visíveis das forças invisíveis do cosmos. Portanto, era papel do artista capturar as características espirituais, e não as materiais do objeto em questão.

Simbolismo na Arte Visual Chinesa
A arte chinesa está repleta de simbolismo, no sentido de que os artistas normalmente procuram representar algum aspecto de uma totalidade da qual têm consciência intuitiva. Além disso, a arte chinesa está repleta de símbolos específicos: bambu representa um espírito que pode ser dobrado pelas circunstâncias, mas não quebrado jade representa pureza a Dragão muitas vezes simboliza o imperador, o guindaste, longa vida a par de patos, fidelidade no casamento. Os símbolos das plantas incluem: o orquídea, outro símbolo de pureza e lealdade e o Pinheiro, que simboliza a resistência. Alguns críticos de arte, entretanto, preferem descrever a arte chinesa como essencialmente expressionista, em vez de simbólica.

O impacto do artista amador
Durante o período dos Reinos Combatentes e a Dinastia Han, o crescimento de uma classe de comerciantes e proprietários de terras levou a um aumento do número de amantes da arte e patronos com tempo disponível. Isso levou ao surgimento no século III dC de uma classe de elite de artistas amadores acadêmicos, envolvidos nas artes da poesia, caligrafia, pintura e uma variedade de artesanato. Esses amadores tendiam a desprezar o artista profissional de classe baixa, empregado pela corte imperial e outras autoridades regionais ou cívicas. Além disso, essa divisão de artistas mais tarde teve uma influência significativa no caráter da arte chinesa. A partir da dinastia Song (960 & # 1501279), os cavalheiros-artistas tornaram-se intimamente associados a formas cada vez mais refinadas de pintura e caligrafia a tinta e aguada, e suas obras tornaram-se um importante meio de troca em uma economia social onde dar presentes era um passo vital na construção de uma rede pessoal. Assim como a habilidade de escrever cartas ou poesia, a habilidade de se destacar em caligrafia e pintura ajudou a estabelecer o status de alguém em uma sociedade de indivíduos eruditos.

História da Arte Chinesa

Para obter uma lista de datas relativas às artes e cultura na China (mais as da Coréia e do Japão), consulte: Linha do tempo da arte chinesa (18.000 aC - presente). Veja também: Arte mais antiga da Idade da Pedra: 100 melhores obras de arte.

Arte da Idade do Bronze durante a Dinastia Shang (1600-1050 AC)

A dinastia Shang foi considerada mítica até a descoberta no noroeste da China, em 1898, de um tesouro de omoplatas de bois com inscrições. (Mas veja também: Cultura da Dinastia Xia c.2100-1600.) Na mesma região, perto de Anyang, quantidades de vasos de bronze foram desenterrados com inscrições na escrita chinesa antiga. Quando decifrados e comparados, eles permitiram que os estudiosos juntassem a história da sociedade Shang com nomes e datas de reis. Era uma federação indefinida de cidades-estado cujas armas de bronze lhes permitiam dominar o vale do Hoang-ho (Rio Amarelo) e seu afluente, o Wei. Em muitos aspectos, os Shang se assemelhavam aos príncipes micênicos celebrados por Homero. Seus vasos e vasos de bronze - a principal realização da arte da Dinastia Shang - foram feitos pelo método de fundição direta, bem como pelo cire-perdue (cera perdida) processo. Eles eram usados ​​por reis e seus lacaios para cerimônias rituais e sacrificais. As inscrições que eles carregam dão o nome do proprietário e do fabricante com o propósito da cerimônia. Os vasos foram enterrados com seus donos e adquiriram pátina verde, azul ou vermelha de acordo com a natureza do solo. Eles se enquadram em três categorias principais: recipientes para cozinhar ou contendo comida ritual, recipientes para aquecer ou derramar vinho de painço e recipientes para lavagem ritual. Eram objetos utilitários e funcionais, mas isso não os impedia de serem excelentes obras de arte. Seu propósito ritual e conotações mágicas explicam a natureza simbólica da decoração inicial. Utilizaram-se principalmente motivos do mundo animal - o dragão e a cigarra (vida e fertilidade) ou o fabuloso tao-tieh - que lembra um cruzamento de boi com tigre.

Nota: A partir de 1986, os arqueólogos fizeram uma série de descobertas sensacionais no Sanxingdui sítio arqueológico localizado perto do município de Nanxing, condado de Guanghan, província de Sichuan. Essas descobertas incluíram vários exemplos monumentais de esculturas de bronze da era da Dinastia Shang (1700-1050), que foram datadas com carbono por volta de 1200-1000 aC. Eles revelam um avançado Cultura sanxingdui que, ao contrário de todos os estudos históricos anteriores, parece ter evoluído independentemente de outras culturas do Rio Amarelo. Ver: Bronzes Sanxingdui (1200-1000 aC).

Outra conquista da Dinastia Shang foi a invenção da caligrafia, que ocorreu por volta de 1700 aC. Além disso, a pintura em aquarela, que começou, dizem, por volta de 4000 aC, também estava na moda. Para formas de arte comparativas do período, consulte: Arte da Mesopotâmia (c.4500-539 aC) e a arte egípcia posterior (3100 aC - 395 dC).

Arte da Idade do Ferro da Dinastia Zhou (1050-221 AC)

O estado de Shang passou a ser dominado pelos montanheses de Zhou do oeste que capturaram a capital, Anyang, em 1027 AEC. A arte da dinastia Zhou emprestou muito da cultura Shang e produziu o mesmo tipo de vasos, mas com algumas diferenças. A evolução estilística foi gradual e uma mudança marcante apareceu apenas depois que o Zhou se mudou para o leste para uma nova capital, Luoyang, em 722 AC. A escultura em alto relevo dos motivos Shang deu lugar a baixo relevo e registros. O ornamento tornou-se cada vez mais geométrico até ser reduzido a padrões de asas e espirais e ganchos e volutas. Com as ferramentas da Idade do Ferro, tornou-se possível introduzir incrustações de ouro e prata. Este foi o período dos Estados Combatentes (cerca de 475-221 AEC), quando o estado de Zhou se desintegrou em territórios feudais em conflito. Confúcio, que morreu no início desse período, foi um moralista de espírito elevado e conselheiro malsucedido, por um tempo, de um dos governantes de Zhou. Ele era um professor viajante e lecionava sobre ética política, não violência e piedade filial. Sua doutrina foi coletada, muito mais tarde, no Analectos que se tornou o evangelho da classe todo-poderosa de funcionários públicos eruditos, permanecendo assim até os tempos modernos, e que marcou profundamente o código de boas maneiras chinês.

Entre as 'Cem Escolas de Filosofia que se dirigiram às classes dominantes chinesas durante o período dos Reinos Combatentes, a mais notável talvez tenha sido a dos taoístas (taoístas). Dao (Tao) significa O Caminho ou Princípio Universal. O taoísmo é uma atitude para com a vida, não um sistema. Implica estar em harmonia com a natureza e evita todos os dogmas e códigos morais restritivos. Seus teóricos mais famosos foram Laozi (Lao-tzu), um autor enigmático que se expressa em ditos paradoxais, e Zhuangzi (Chuang-tzu) (cerca de 350-275 aC), que escreveu em parábolas impregnadas de uma sutil ironia e mostrando um profundo insight sobre motivações do homem. Para algumas pessoas, eles parecem combinar o melhor do cristianismo, o zen-budismo e o ioga. O taoísmo estava destinado a ter uma influência profunda na pintura chinesa.

Imperador Qin e Dinastia de 3 anos (221-206 AC)

A confusão política terminou com a ditadura (221-206 aC) do imperador Qin Shihuang, que veio do estado de Qin (anteriormente Ch'in, daí o nome China). Ele esmagou o feudalismo e substituiu os senhores da guerra por funcionários públicos ou comissários. Seus conselheiros pertenciam às escolas legalistas que faziam valer a autoridade do Estado. As tradições deveriam ser esquecidas e todos os livros destruídos, especialmente os escritos de Confucius. A arte da dinastia Qin não era importante em comparação com suas atividades políticas e administrativas. Qin Shihuang deu à China uma administração unificada e um sistema de estradas, ele construiu canais e estendeu as fronteiras da China. Ele também encomendou a enorme série de figuras de terracota, conhecida como O Exército de Terracota (c.246-208 aC). As 8.000 estátuas levaram cerca de 38 anos para serem feitas e envolveram cerca de 700.000 mestres artesãos e outros trabalhadores.

Após a morte de Qin Shihuang e um período de guerra civil, um poderoso bandido, Liu Pang, subiu ao trono e inaugurou a longa dinastia Han, que reabilitou Confúcio, mas manteve as reformas administrativas de Qin Shihuang e governou a China com a ajuda de um administração centralizada.

Arte da Dinastia Han (206 aC - 220 dC)

Durante a era da arte da Dinastia Han, uma nova perspectiva naturalista prevaleceu na arte figurativa. Isso é particularmente evidente em bronzes e nas figuras de cerâmica chamadas ming-chi que as pessoas enterraram com eles em seus túmulos. Os chineses acreditavam na vida após a morte e gostavam de se cercar de representações de paisagens familiares, principalmente daquelas coisas que lhes davam prazer na terra, como cães e cavalos, dançarinos e concubinas. Essas figuras nos permitem saber exatamente como os súditos da dinastia Han se vestiam, o que comiam, que ferramentas usavam, que jogos faziam, os animais domésticos que criavam e a aparência das casas em que viviam. Muitas das figuras foram revestidas com um esmalte de chumbo, outras foram pintadas. Todos são interessantes e sua elegância estilizada costuma ser de beleza impressionante. Os vasos de bronze eram feitos em quantidade, assim como as esculturas de bronze de homens e cavalos, e elas mostram o mesmo naturalismo estilizado das figuras de cerâmica. Esta foi também uma grande época para os artigos de laca, esculturas de jade e tecidos de seda chineses.

Pintura e impressão Han

A amoreira já era cultivada há algum tempo na China e a seda tornou-se um monopólio chinês. Era o principal artigo de exportação para a Pérsia e o Oriente Próximo por meio das rotas de caravanas pela Ásia central, conhecidas como & quotSilk Road & quot. A pintura e o desenho Han, seja na seda, na laca ou na pedra e no azulejo, mostram uma mão mais viva e grande leveza de toque. No final do reinado (século I dC), uma técnica para fazer papel foi descoberta. Isso contribuiu significativamente para as artes, proporcionando um meio barato e difundido tanto para a pintura quanto para a escrita. Também levou à arte chinesa de dobrar papel, ou zhezhi e também à arte japonesa de Origami. Quando a impressão em bloco foi inventada, os chineses possuíam os meios de divulgar as leis e a literatura por todo o Império. As línguas eram muitas e variadas, mas a escrita ideográfica era a mesma em todo o país. Isso facilitou a tarefa dos administradores e proporcionou ao povo chinês uma cultura unificada.Em sua forma caligráfica, a escrita tornou-se uma arte por direito próprio, a forma de arte que mais ocupava a estima do intelectual chinês. Tornou-se um modo de vida, preservação de poucos, entre os quais pintores, poetas e estudiosos, cuja arte se baseava na caligrafia.

Após o fim da dinastia Han em 220 dC, a China conheceria quase quatro séculos de fragmentação, durante o período das seis dinastias (220-589). Este estado de caos foi agravado por invasões do norte e centro da Ásia. Os famintos cavaleiros das estepes eram atraídos irresistivelmente por uma sociedade agrícola com grandes cidades. Eles adotaram a cultura chinesa superior, tornaram-se assimilados e sedentários - processo que se repetiu várias vezes. Entre os invasores do século 6 estava um povo da Ásia Central chamado Tuoba, que fundou a dinastia Wei e governou a metade norte da China de 386 a 534. Sua contribuição artística mais memorável para as artes do período das Seis Dinastias (220-589) foi a adoção oficial de budismo, uma religião nascida na Índia, que já se infiltrava na China há algum tempo. (Nota: Chegou durante o primeiro século EC, embora não fosse amplamente praticado até cerca de 300 EC.) Seu fundador, o vivo Buda, habitava na fronteira do Nepal pouco antes de Confúcio. O budismo se espalhou através de Gandhara ao longo da Rota da Seda para o leste. Por fim, chegou à fronteira da China, onde os vastos santuários de Dunhuang e Yungang revelaram pinturas de parede e faixas e uma infinidade de estátuas esculpidas em fileiras cerradas nas paredes do penhasco e da caverna. Sendo de origem não chinesa, os Wei adotaram o budismo como forma de se afirmar. Sempre foi considerada pela elite confucionista uma doutrina bizarra e supersticiosa. Arte budista chinesa - incluindo pintura, escultura e arquitetura prosperou durante toda a Dinastia Jin Oriental (317-420), as Dinastias do Sul e do Norte (420-581), a Dinastia Sui (589-618) e a maior parte da Dinastia Tang ( 618-906).

Sem a escultura budista chinesa haveria muito poucas esculturas chinesas em pedra. As escolas Mahayana e Amitabha de Budismo que prevaleciam na China exigiam a representação de Buda em sua forma passada, presente e futura, e da Bodhisattvas (aspirantes a Budas) e assistentes. Após a expansão do monaquismo budista, estes se proliferaram por todo o país, tanto em pedra quanto em bronze. A escultura de Wei, particularmente nas cavernas Lung Men, tem uma beleza transcendente: figuras idealizadas e alongadas, com cabeças oblongas e sorrisos enigmáticos, sentadas de pernas cruzadas, em longas túnicas caindo em dobras rítmicas, a própria imagem da bem-aventurança mística. A postura, os gestos e os símbolos eram estereótipos derivados de origens indianas. Os chineses pareciam encontrar no budismo uma resposta para o problema do sofrimento humano, a resposta do amor, da oração e da esperança do Nirvana.

Arte da Dinastia Tang (618-906)

A China foi reunificada em 589 dC por um poderoso general, que fundou a Dinastia Sui (589-618). Um regime político e militar, a arte da dinastia Sui foi quase inteiramente inspirada por Buda e foi seguida pela dinastia Tang (618-906), cujo maior líder, o imperador Taizong (T'ai-tsung), estendeu o império nas profundezas da Ásia central e da Coreia e permitiu que todas as religiões e raças florescessem em uma atmosfera de tolerância e curiosidade intelectual. A capital, Changan, tornou-se um grande centro cosmopolita, assim como Guangzhou (Cantão) e outros portos do sul. Muçulmanos, cristãos (nestorianos) e maniqueus viviam e adoravam lado a lado com budistas, taoístas e confucionistas. Taizong foi sucedido por seu filho e por uma concubina capaz, mas feroz, a Imperatriz Wu, que era a favor do Budismo e até caiu no feitiço de um monge parecido com Rasputin. Seu sucessor, o imperador confucionista, Xuanzong (Hsuan-tsung), presidiu a mais brilhante corte e fundou a Academia de Letras. Ele amava música, pintura e poesia, assim como cavalos. A sociedade Tang transbordava de vitalidade e otimismo. O dinamismo Tang é sentido em todas as artes. A escultura em pedra, influenciada pelo estilo gupta da Índia, exibe formas redondas e volumosas, combinando a carnosidade indiana com o ritmo linear chinês.

Os afrescos Tang de Dunhuang mostram uma linha de pincel dinâmica e a mesma plenitude de forma em cores berrantes. As pinturas em tumbas seculares são ainda mais vivas, pois retratam homens poderosos e mulheres opulentas em vestes amplas e atitudes teatrais, exibindo uma grande alegria de viver. Poucas pinturas em seda ou papel sobreviveram - o suficiente para testemunhar o mesmo amor por cores vivas e um interesse pela pintura de paisagem que iria dar frutos nas dinastias sucessivas. Foi nessa época que a arte da poesia, intimamente ligada à pintura e à caligrafia, produziu suas primeiras obras-primas, incluindo as de Bai Juyi (Po-chu-i), Ling-po e do pintor Wang-wei.

Quanto à ourivesaria e trabalhos em metal precioso, especialmente a prata, revela a influência da arte persa antiga: vários artistas iranianos, fugindo dos conquistadores árabes, estabeleceram-se na China, mas como todas as outras influências estrangeiras, o persa foi absorvido e tornou-se inconfundivelmente chinês , em espírito e informar. Alguns dos melhores exemplos da arte decorativa Tang podem ser vistos no tesouro Shoso-in no complexo do templo Todai-ji em Nara, Japão. Pois os japoneses já estavam procurando inspiração na China.

Observação: para ver como as artes e o artesanato de estilo chinês se espalharam pelo Leste Asiático, consulte: Arte coreana (c.3.000 aC em diante).

Desenvolvimentos na pintura Tang

A pintura de paisagem chinesa foi revitalizada no início da Dinastia Tang, quando os artistas começaram a criar paisagens em um estilo monocromático esparso - não tanto para reproduzir a verdadeira realidade do cenário, mas para captar a atmosfera ou o clima do local. Treze séculos depois, pintores impressionistas como Claude Monet usariam um raciocínio semelhante para criar um tipo de paisagem totalmente diferente.

Além disso, o desenho da figura encenou um retorno. Usando cores vivas e detalhes elaborados, artistas como Zhou Fang retrataram o esplendor da vida da corte Tang em pinturas do imperador, suas damas de palácio e cavalos. Em contraste com o rico estilo colorido de Zhou Fang, o artista Tang Wu Daozi usou apenas tinta preta e pinceladas fluidas para produzir pinturas a tinta tão emocionantes que multidões se reuniram para vê-lo pintar. Daí em diante, assim se diz, as pinturas a tinta não eram mais consideradas meros desenhos a serem preenchidos com cor, em vez disso eram avaliadas como obras de arte acabadas.

Olaria e Porcelana Tang

Cerâmica contemporânea, e particularmente as figuras do túmulo (ming-chi) nos fornece uma visão vívida da sociedade Tang: os cavalos, dos quais os Tang gostavam tanto, os camelos, os músicos, os malabaristas, os mercadores itinerantes, muitos com características estrangeiras fortemente enfatizadas, as dançarinas, os dignitários e generais, os guardiões das tumbas e espíritos da terra, todas essas testemunhas do período são brilhantemente coloridos em esmaltes ricos, policromados e de fluxo livre - uma invenção chinesa recente feita com óxidos de cobre, ferro e cobalto, assim como os vasos e outros vasos em faiança ou faiança. Estes são redondos, belamente feitos e sempre soberbamente equilibrados.

A essa altura, os chineses haviam redescoberto e aperfeiçoado outra de suas invenções, a arte de fazer porcelana (uma louça dura e translúcida fundida em altas temperaturas com a ajuda de 'pedra chinesa' (petuntse) e feldspato). Esta arte estava perdida desde os dias da Dinastia Shang (1600-1050 AC). Porcelana branca da melhor qualidade foi feita durante a era da arte da Dinastia Tang e logo chegou ao Japão, Pérsia e Oriente Próximo. A China nunca abriu suas fronteiras tão amplamente ao comércio exterior e às ideias estrangeiras como durante o período Tang, quando a marinha mercante estava florescendo e quando os exércitos chineses penetraram no Turquestão ocidental. Ao longo da Rota da Seda, uma série de reinos-oásis de influência chinesa garantiu um tráfego bidirecional de objetos e ideias entre o Oriente e o Ocidente. A China vendeu sua porcelana, seus rolos de seda e roupas e, em troca, importou cobalto persa, técnicas metalúrgicas e idéias estilísticas. Tudo isso cessou em 751 EC, quando o exército chinês sofreu uma derrota esmagadora em Tallas, no Turquestão, pelas mãos dos invasores muçulmanos, que conquistaram a Pérsia e estavam invadindo a Ásia central. Um elo permaneceu com o mundo exterior: os portos do sul da China com suas grandes colônias de mercadores estrangeiros, mas estes foram eliminados por uma onda de nacionalismo no final da dinastia e a China inaugurou uma política de isolamento que ainda continuou.

Arte da Dinastia Song (960-1279)

Após um período de desordem conhecido como Período das Cinco Dinastias (907-60), um vigoroso general reuniu novamente a China fundando a dinastia Song. Apesar da constante ameaça de invasão, Kaifeng, a nova capital, tornou-se um dos mais requintados centros de civilização alguma vez conhecidos, principalmente durante o reinado do imperador-pintor Huizong que foi rodeado de artistas e adquiriu uma fabulosa colecção das suas obras. Ele dedicou muito tempo às artes às custas de seu exército, pois em um ataque relâmpago bárbaros de Donghu chamados de Jurchen capturaram a corte e destruíram Kaifeng e toda a coleção de arte. Todo o norte da China caiu nas mãos de Jurchen. Os sobreviventes de Song se estabeleceram em Hangchow, no rio Yangtze, no sul, onde continuaram em sua busca por cultura e beleza até que foram submersos para sempre sob o ataque mongol que já havia reduzido a Ásia e estava ameaçando a Europa. A ideologia dominante durante a era da Arte da Dinastia Song (960-1279) foi Neo-Confucionismo, uma mistura das idéias de Confúcio e as do taoísmo com algum ascetismo budista também. Isso foi acompanhado por um interesse renovado pelas tradições anteriores da China, pelos escritos dos autores clássicos e por um forte viés antiquário, levando à cópia dos bronzes Shang e Zhou. A persuasão do Budismo Amitabha estava em declínio e degenerando em superstição.

Mas uma nova perspectiva espiritual apareceu em cena com filosofia dhan (Zen japonês) em que o homem chega a um acordo consigo mesmo e com a natureza por meio de um lampejo momentâneo de intuição. Essa ideologia influenciaria a pintura, a caligrafia e a cerâmica. Muqi Fachang (Mu-ch'i) foi um de seus expoentes mais famosos. A escultura Song deu continuidade à tradição Tang, mas com maior elegância e um ritmo magistral de linhas fluidas, como pode ser visto nas representações do Bodhisattva Kuan-yin, o espírito de misericórdia que se tornou para os chineses o que a Madona havia se tornado para muitos europeus.

NOTA: Para uma comparação interessante com a escultura do sudeste asiático do período Song, veja as estátuas de Budas e Bodhisattvas no Templo Angkor Wat Khmer do século 12 (1115-45) no Camboja.

É no reino da pintura e da cerâmica que a civilização de Song atingiu seu ápice. Antes da queda de Kaifeng, havia duas escolas distintas de pintura: a dos artistas da corte, virtuosos que exibiam competência suprema, mas sem alma, seja em cor ou tinta, em seda ou papel, seus temas sendo flores e animais, brotos de bambu e paisagens e a dos amadores e individualistas. Esses funcionários, estudiosos e poetas pintaram como uma forma de expressão pessoal, intelectual e também espiritual, uma forma de o indivíduo se reconciliar consigo mesmo por meio da comunhão com a natureza, na representação da essência de uma paisagem, um galho de bambu ou uma libélula. A experiência foi tão pessoal que existiam cem estilos, cem maneiras de delinear uma folha, uma pedra, uma nuvem, assim como há cem maneiras de representar um personagem, pois o traço do pincel na seda ou no papel não permitir hesitação ou correção procede diretamente da mente e isso não pode ser feito espontaneamente sem uma profunda contemplação prévia. Os chineses inventaram a arte da pintura de paisagem como gênero, mas ela nunca foi puramente descritiva, por mais próxima da realidade. Foi um exercício espiritual que atingiu o cerne das coisas.

Na verdade, depois da caligrafia, a paisagem é considerada a forma mais elevada de pintura chinesa. A pintura de paisagem chinesa clássica foi supostamente iniciada pelo famoso artista da Dinastia Jin, Gu Kaizhi (344-406). No entanto, o período (907-1127) é conhecido como a 'Grande era da paisagem chinesa'. No norte do país, artistas chineses como Fan Kuan, Guo Xi e Jing Hao produziram imagens de altas montanhas, usando fortes linhas pretas, tinta nítida e pinceladas pontilhadas para sugerir pedra bruta. No sul, Ju Ran, Dong Yuan e outros retrataram colinas e rios com pinceladas mais suaves. Esses dois tipos de temas e técnicas ao ar livre evoluíram para os principais estilos clássicos da pintura de paisagem chinesa. Várias novas técnicas de pintura surgiram. Os artistas começaram a retratar a profundidade através do uso de contornos borrados e tratamento impressionista de elementos no meio e na distância de sua pintura. Ao mesmo tempo, uma ênfase taoísta foi colocada nas qualidades emocionais / espirituais da imagem e na habilidade do artista em mostrar a harmonia entre o homem e a natureza.

Esses pintores e poetas também eram grandes amantes da arte da cerâmica, pois um belo vaso, como uma peça de jade, era ao mesmo tempo um poema e uma pintura. As cerâmicas foram projetadas para uso e contemplação. Sua qualidade residia no equilíbrio entre sua forma, reduzida ao essencial, e seu esmalte, por meio do qual apelavam para os sentidos visuais e táteis. A riqueza da habilidade por trás de sua reticência elegante era satisfatória para a mente confucionista. Havia fornos em toda a China trabalhando com diferentes argilas e esmaltes. Entre os mais famosos estavam os que produziam os artigos & quotcrackled & quot & quotkuan & quot e os raros & quotju & quot. Porcelanas como a louça Ting branca cremosa ou a louça Ch'ing-pai azul claro com sua decoração incisa são as que mais se aproximam da perfeição.

Arte da Dinastia Yuan (1271-1368)

Os mongóis que invadiram a China durante a década de 1270 e proclamaram sua nova dinastia Yuan, rapidamente adotaram a cultura chinesa. Temos uma descrição da corte de Kublai Khan escrita pelo comerciante veneziano Marco Polo, o primeiro europeu a visitar a China (1275). A falta de patrocínio oficial durante a era da arte da Dinastia Yuan fez com que muitos pintores e calígrafos chineses se retirassem da vida pública para a reclusão, onde criaram um estilo de arte mais erudito e espiritual. O período Yuan foi especialmente notável por seus pintores, particularmente os "Quatro Grandes Mestres", que permaneceram distantes da corte mongol. Além das belas-artes (que também incluíam esculturas budistas), a era Yuan é conhecida por suas artes decorativas, principalmente por sua porcelana azul e branca sem vitrificação, junto com seus utensílios de laca e jades.

Arte da Dinastia Ming (1368-1644)

Os mongóis foram derrubados por uma insurreição popular liderada por um pastor e líder guerrilheiro que fundou a dinastia Ming, com capital em Nanjing (Nanquim), que posteriormente foi transferida para Pequim (Pequim). A corte Ming era tão glamorosa quanto a dos Tang, mas dominada pela corrupção e paralisada por conflitos internos. A pintura continuou como antes de se tornar excessivamente refinada no final da dinastia. Mais estilos de pintura surgiram, incluindo a Escola Wu e a Escola Zhe. Mas a arte da Dinastia Ming é particularmente famosa por sua porcelana azul e branca, onde o azul cobalto é aplicado na pasta sob um esmalte transparente. Os ceramistas posteriores começaram a usar esmaltes brilhantes em três ou cinco cores. (Nota: esmaltação - principalmente Cloisonn & eacute esmaltagem - tornou-se uma especialidade das dinastias Ming e Qing.) As peças foram decoradas com alegorias, símbolos taoístas e budistas e uma variedade de motivos de pássaros, flores e dragões. Grande parte da arquitetura chinesa que sobreviveu data desse período, mas carece da imaginação dos edifícios Song com seus beirais e suportes em balanço.

Arte sob a dinastia Manchus e Qing (1644-1911)

Em 1644, os manchus no norte tiraram proveito da agitação econômica e social na China. Eles eram uma raça militar com grande admiração pela cultura chinesa. Seus imperadores foram homens poderosos que administraram o país com mão forte até o final do século 19, mas a elite chinesa não se misturou com os manchus por muito tempo. Isso foi prejudicial para o progresso da civilização chinesa, no momento em que os europeus estavam se tornando importantes na Ásia.

Uma reação contra as regras tradicionais da pintura ocorreu durante a era da arte da Dinastia Qing, quando os pintores conhecidos como & quotIndividualistas & quot começaram a usar um estilo de pincelada mais solto e livre. Esse novo método foi incentivado nos anos 1700 e 1800, quando ricos patronos em centros comerciais como Yangzhou e Xangai começaram a contratar artistas para produzir novas pinturas ousadas.

Mas o Imperador Kangxi e o Imperador Qianlong sempre serão associados aos tipos de porcelana conhecidos como famille-verte e famille-rose, mais apreciada pelos europeus do que pelos chineses que preferiam os monocromos sutis. (Observação: Famille verte [chamado Kangxi wucai, ou Susancai] usa verde e vermelho ferro com outros esmaltes coloridos. Família rosa [chamado Fencai ou Ruancai, que significa 'cores suaves', ou Yangcai, que significa 'cores estrangeiras'] usado principalmente rosa ou roxo e foi muito procurado durante os séculos 18 e 19). Entre a abdicação de Qianlong em 1795 e o 20 século, a China continuou a produzir objetos de qualidade, mas a inspiração falhou e as formas ficaram repletas de detalhes decorativos.

NOTA (1) Uma moda de decoração pseudo-chinesa, conhecida como Chinoiserie, se espalhou pela Europa durante o século 17 e 18.

NOTA (2) Veja também os dois grandes artistas Ukiyo-e do período Edo no Japão: Hokusai (1760-1849) e Hiroshige (1797-1858).

A pintura tradicional chinesa sofreu ainda mais pressão durante o final dos anos 1800 e início dos anos 1900, à medida que os artistas foram sendo cada vez mais influenciados pela arte ocidental, culminando com a introdução da pintura a óleo no continente chinês.

Arte chinesa do século 20

Após a aquisição comunista em 1949, muitas das tradições estabelecidas da arte chinesa foram rotuladas de reacionárias. Novas formas de arte moderna voltadas para a glorificação socialista - como o realismo socialista - surgiram na música, na literatura e nas artes visuais. Em 1966, a Revolução Cultural acelerou esse processo. Apesar desse modernismo político, as artes tradicionais chinesas não só continuam a moldar jovens artistas chineses e a inspirar outros artistas ao redor do mundo, mas também se combinaram com formas de arte mais experimentais do século XX para produzir um mercado vibrante para a arte contemporânea chinesa.

Arte Contemporânea na China

A arte contemporânea na China compreende trabalhos produzidos após a Revolução Cultural (1966-9). Apesar dos curtos períodos de liberdade artística, a incerteza sobre o que constitui um conteúdo e estilo "oficialmente aceitável" continua a prejudicar muitos artistas na China. Recentemente, prevaleceu um clima de maior tolerância por parte das autoridades chinesas, embora subsistam dúvidas.A arte chinesa moderna normalmente incorpora uma ampla gama de formas de arte, incluindo pintura, escultura, filme, vídeo, fotografia, instalação e performance, bem como versões revividas de cerâmicas tradicionais. O surgimento de novas áreas comerciais, como o 798 Art District em Dashanzi de Pequim, provou ser útil para muitos artistas. Em 2000, a China sediou o Festival da Bienal de Xangai e, em 2003, vários artistas chineses foram representados na Bienal de Veneza de 2003.

De acordo com Artprice No relatório, a receita total gerada por cem artistas chineses (que normalmente cresceram em uma China pós-Mao) em 2003-4 foi de apenas £ 860.000. No ano de julho de 2007 a junho de 2008, a mesma centena vendeu pinturas, esculturas e outras obras por uma enorme quantidade de 270 metros. Destes, três artistas ganharam cada um mais de £ 25 milhões. Não é de surpreender que várias obras de artistas asiáticos contemporâneos estejam agora representadas em galerias e museus em todo o mundo, e o eminente colecionador de arte britânico Charles Saatchi abriu sua nova galeria em Chelsea com uma exposição de artistas chineses contemporâneos.

Em 2006, uma pintura de 1993 de Zhang Xiaogang, retratando membros da família com rostos em branco, de meados da década de 1960, foi vendida por US $ 2,3 milhões. Outras transações recentes de arte incluíram: a compra da pintura de 1964 & quotAll the Mountains Blanketed in Red & quot por HKD $ 35 milhões e a compra da obra-prima de Xu Beihong de 1939 & quotPut Down Your Whip & quot por HKD $ 72 milhões.

Famosos artistas chineses contemporâneos

Entre o considerável número de pintores e escultores talentosos da República Popular da China, atente para o seguinte:

Zhang Xiaogang (n.1958)
Atualmente em quinto lugar na lista de 2008 dos maiores artistas contemporâneos do mundo, Zhang Xiaogang - um dos líderes do movimento do Realismo Cínico Chinês - é conhecido por suas pinturas surrealistas, influenciadas por Pablo Picasso e Salvador Dali, bem como sua série & quotBloodline & quot de pinturas, apresentando retratos monocromáticos formais de temas chineses.

Zeng Fanzhi (n.1964)
Atualmente número 6 na lista dos maiores artistas contemporâneos do mundo, Zeng Fanzhi é conhecido por suas obras figurativas executadas em uma combinação de expressionismo e realismo, bem como sua sequência de pinturas irônicas do Grande Homem, que inclui Mao, Karl Marx e Lenin entre outros.

Yue Minjun (n.1962)
Atualmente em sétimo lugar na lista dos melhores artistas contemporâneos do mundo, Yue Minjun é um dos principais membros da escola chinesa & quotCynical Realist & quot. Ele é conhecido por sua série bizarra e distinta de pintores doppelganger.

Wang Guangyi (n.1957)
Atualmente em nono lugar na lista dos maiores artistas contemporâneos do mundo, o artista & quotpolítico pop & quot Wang Guangyi mistura logotipos populares de consumo com o estilo e a estética dos pôsteres de propaganda agitprop comunista. A Galeria Saatchi descreve Wang Guangyi como um artista de mídia mista que adota a linguagem da Guerra Fria dos anos 1960 para explorar a polêmica contemporânea da globalização.

& # 149 Para mais informações sobre pinturas orientais e esculturas do Leste Asiático, consulte: Página inicial.


Cerâmica da Grécia Antiga

A cerâmica grega clássica foi talvez a forma de arte mais utilitária da era & # x2019. As pessoas ofereciam pequenas estatuetas de terracota como presentes aos deuses e deusas, enterravam-nas com os mortos e davam-nas aos filhos como brinquedos. Eles também usavam potes de barro, potes e vasos para quase tudo. Eles foram pintados com cenas religiosas ou mitológicas que, como as estátuas da era & # x2019, tornaram-se mais sofisticadas e realistas com o tempo.

Muito do nosso conhecimento da arte clássica grega vem de objetos feitos de pedra e argila que sobreviveram por milhares de anos. No entanto, podemos inferir que os temas que vemos nessas obras & # x2013 uma ênfase em padrão e ordem, perspectiva e proporção e o próprio homem & # x2013 também apareceram em criações menos duráveis, como pinturas e desenhos gregos antigos.


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