Linha do Tempo da Cerâmica de Figura Negra

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Biografia de David Drake - um oleiro americano escravizado

David Drake (1800-1874) foi um influente artista de cerâmica afro-americano, escravizado desde o nascimento pelas famílias de fabricantes de cerâmica de Edgefield, na Carolina do Sul. Também conhecido como Dave the Potter, Dave Pottery, Dave the Slave ou Dave of the Hive, ele é conhecido por ter tido vários escravos diferentes durante sua vida, incluindo Harvey Drake, Reuben Drake, Jasper Gibbs e Lewis Miles. Todos esses homens eram de alguma forma parentes do empresário de cerâmica e dos irmãos escravizadores, o reverendo John Landrum e o Dr. Abner Landrum.

Principais vantagens: Dave, o oleiro

  • Conhecido por: Vasos de cerâmica assinados extraordinariamente grandes
  • Também conhecido como: David Drake, Dave the Slave, Dave of the Hive, Dave Pottery
  • Nascer: cerca de 1800
  • Pais: desconhecido
  • Faleceu: 1874
  • Educação: Ensinado a ler e escrever potes torneados por Abner Landrum e / ou Harvey Drake
  • Trabalhos publicados: Pelo menos 100 potes assinados, sem dúvida muitos mais
  • Cônjuge: Lydia (?)
  • Crianças: dois (?)
  • Citação notável: "Eu me pergunto onde está toda a minha relação / amizade com todos - e todas as nações"

Perfis em perseverança

Todo mês da História Negra, tendemos a celebrar o mesmo elenco de figuras históricas. Eles são os líderes dos direitos civis e abolicionistas cujos rostos vemos estampados em calendários e selos postais. Eles ressurgem todo mês de fevereiro, quando a nação comemora os afro-americanos que transformaram a América.

Eles merecem todos os seus elogios. Mas este mês estamos nos concentrando em 28 figuras negras seminais - uma para cada dia de fevereiro - que não costumam fazer os livros de história.

Cada um transformou a América de uma maneira profunda. Muitos não se enquadram na definição convencional de herói. Alguns eram mal-humorados, oprimidos por demônios pessoais e incompreendidos por seus contemporâneos.

Um era um místico, outro era um espião que se passava por escravo e outro era um poeta brilhante, mas problemático, apelidado de “Padrinho do Rap”. Poucos eram nomes conhecidos. Todos eles foram pioneiros.

É hora de esses heróis americanos receberem o que merecem.

6 de fevereiro

Gerald Wilson

Um compositor de jazz que redefiniu a música big band

Elegante, swinging, exuberante - é difícil encontrar uma palavra para descrever a música exuberante de Gerald Wilson, um dos bandleaders mais importantes da história do jazz. Wilson nunca chamou a atenção de arranjadores de big band como Duke Ellington, mas também foi um grande inovador na música jazz.

Um homem esguio e entusiasta conhecido por sua bondade pessoal, Wilson praticamente dançava quando dirigia sua orquestra. Amante de muitos estilos musicais, ele incorporou de tudo, desde blues, Basie e Bartok em seus arranjos.

Embora muitas gravações de big band pareçam datadas de hoje, a música de Wilson ainda soa moderna. Um crítico observou que a influência de Wilson era tão ampla que "mesmo que você nunca tivesse ouvido falar dele, você o ouvia com frequência".

Nascido em Shelby, Mississippi, Wilson aprendeu piano com sua mãe. Ele começou como trompetista, mudou-se para Los Angeles e acabou se tornando um compositor-arranjador, trabalhando com todos, de Ellington e Count Basie a Ray Charles e Ella Fitzgerald.

Em um ponto, quando sua carreira estava prosperando, Wilson se afastou do sucesso comercial para estudar mestres clássicos como Stravinsky e Bartok.

Wilson é mais conhecido por suas gravações no selo Pacific Jazz, que redefiniu a música de big band. Um crítico disse que a música Pacific Jazz de Wilson era cheia de "nuances deslumbrantes e uma elegância que não foi igualada desde aquela época".

Seus arranjos foram arquivados pela Biblioteca do Congresso e, em 1990, o National Endowment for the Arts o homenageou com o Prêmio Jazz Masters. Quando ele morreu aos 96 anos, um músico disse que a energia de Wilson sempre o fazia parecer a pessoa mais jovem na sala.

—John Blake, CNN Foto: Tom Copi / Michael Ochs Archives / Getty Images

Amelia Boynton Robinson

Sua surra ajudou a galvanizar o movimento pelos direitos civis

Ela ficou deitada inconsciente na estrada, espancada e gaseada por soldados estaduais do Alabama. Um oficial branco com um cassetete estava sobre ela.

A mulher era Amelia Boynton Robinson, e uma foto famosa daquele momento chocante ajudou a galvanizar o movimento pelos direitos civis. Foi tirada durante a marcha do “Domingo Sangrento” na Ponte Edmund Pettus em Selma, Alabama, em 7 de março de 1965.

Esse ataque de oficiais brancos contra manifestantes negros pacíficos horrorizou a nação e levou à aprovação da Lei de Direitos de Voto. Também revelou a dureza de Robinson, apelidada de "a matriarca do movimento pelo direito ao voto".

“Eu não estava procurando notoriedade”, disse Robinson mais tarde. “Mas se fosse necessário, eu não me importava com quantas lambidas eu pegaria. Isso me deixou ainda mais determinado a lutar por nossa causa. ”

Robinson vinha lutando pelo direito de voto dos negros muito antes de Selma. Já na década de 1930, ela estava registrando eleitores negros no Alabama - um empreendimento corajoso que poderia ter custado a vida de Robinson no sul de Jim Crow. Em 1964, ela se tornou a primeira mulher afro-americana a concorrer ao Congresso no Alabama.

O presidente Obama a homenageou meio século depois, quando agarrou sua mão - ela estava frágil e em uma cadeira de rodas - quando eles cruzaram a ponte Selma em março de 2015 para comemorar o 50º aniversário do Domingo Sangrento. Robinson morreu cinco meses depois, aos 104 anos.

“Ela era tão forte, tão esperançosa e tão indomável de espírito - como quintessencialmente americana - como tenho certeza que ela estava naquele dia, 50 anos atrás”, disse Obama em sua morte. “Honrar o legado de um herói americano como Amelia Boynton requer apenas que sigamos seu exemplo - que todos nós lutemos para proteger o direito de voto de todos.”

—Faith Karimi, CNN Foto: Jacquelyn Martin / Associated Press

James Armistead Lafayette

Ele espionou o exército britânico como um agente duplo

A vida de James Armistead daria um ótimo filme.

Sob Lafayette, o general francês que ajudou os colonos americanos a lutar por sua liberdade, ele se infiltrou no exército britânico como espião perto do fim da Guerra Revolucionária.

Certa vez, ele relatou a Benedict Arnold, o colono traidor que traiu suas tropas para lutar pelos britânicos. E ele forneceu informações cruciais que ajudaram a derrotar os britânicos e acabar com a guerra.

Armistead era um escravo na Virgínia em 1781 quando obteve permissão de seu proprietário, que ajudou a abastecer o Exército Continental, para se juntar ao esforço de guerra. Lafayette o despachou como um espião, fingindo ser um escravo fugitivo, e ele se juntou às forças britânicas na Virgínia, que valorizaram seu conhecimento do terreno local.

Depois de ganhar sua confiança, Armistead mudou-se para frente e para trás entre os dois campos dos exércitos, fornecendo informações falsas aos britânicos enquanto secretamente documentava suas estratégias e as transmitia a Lafayette.

Sua inteligência mais importante detalhou os planos do general britânico Charles Cornwallis de mover milhares de soldados de Portsmouth para Yorktown. Armado com esse conhecimento, Lafayette alertou George Washington, e eles montaram um bloqueio em torno de Yorktown que levou à rendição de Cornwallis.

Os legisladores da Virgínia, após lobby de Lafayette, concederam a Armistead sua liberdade em 1787. Seu proprietário, William Armistead, recebeu £ 250.

Armistead se casou, constituiu família e passou o resto de sua vida como um homem livre em sua própria fazenda na Virgínia. Ele acrescentou Lafayette ao seu nome como forma de agradecimento ao general francês. * Algumas fontes listam seu ano de nascimento como 1760 e seu ano de morte como 1832.

—Faith Karimi, CNN Foto: Corbis via Getty Images

Major Taylor

Um ciclista destemido que bateu recordes mundiais

O ciclismo é visto principalmente como um esporte branco. Mas um dos homens mais rápidos a correr sobre duas rodas foi Marshall Walter “Major” Taylor, um americano que dominou o ciclismo de velocidade no final de 1800 e no início de 1900.

Um piloto extremamente talentoso, Taylor venceu a primeira corrida amadora em que participou, aos 14 anos. Ele se tornou profissional quatro anos depois e continuou ganhando corridas, a maioria delas sprints em pistas ovais no Madison Square Garden e em outras arenas no leste dos Estados Unidos.

Logo Taylor estava competindo em corridas pela Europa e Austrália, se tornando o segundo atleta negro a ganhar um campeonato mundial em qualquer esporte.

Ele fez tudo isso enquanto lutava contra o preconceito racial acirrado - muitas vezes de ciclistas brancos que se recusavam a competir contra ele ou tentavam prejudicá-lo durante as corridas. Um rival, depois de perder para Taylor em Boston, o atacou e o sufocou até deixá-lo inconsciente.

“Na maioria das minhas corridas, não lutei apenas pela vitória, mas também pela minha própria vida e integridade física”, escreveu Taylor em sua autobiografia.

Mas isso não o impediu de estabelecer recordes mundiais, atraindo grandes multidões e se tornando, talvez, a primeira celebridade atleta negra.

—Brandon Griggs, CNN Foto: Biblioteca do Congresso / Getty Images

Dorothy Height

Ela passou a vida lutando contra o sexismo e o racismo

Dorothy Height costumava ser a única mulher na sala. Ela fez do trabalho de sua vida mudar isso, lutando contra o sexismo e o racismo para se tornar, como o presidente Obama a chamou, a "madrinha" do movimento pelos direitos civis.

A altura sentiu a picada do racismo desde cedo. Ela foi aceita no Barnard College de Nova York em 1929, mas descobriu que não havia uma vaga para ela porque a escola já havia preenchido sua cota de dois alunos negros por ano.

Em vez disso, ela se matriculou na NYU e obteve um mestrado em psicologia educacional. Isso a levou a uma carreira como assistente social em Nova York e Washington, onde ajudou a liderar a YWCA e o United Christian Youth Movement.

Em 1958, Height se tornou presidente do Conselho Nacional da Mulher Negra, cargo que ocupou por mais de 40 anos. Nesse papel, ela lutou incansavelmente pela dessegregação, moradia acessível, reforma da justiça criminal e outras causas.

Na década de 1960, Height se tornou um dos principais conselheiros do Dr. Martin Luther King Jr. Os historiadores dizem que, como organizadora da Marcha em Washington, ela foi a única mulher ativista na plataforma dos palestrantes durante o discurso "I Have a Dream" de King.

Os historiadores dizem que suas contribuições para o movimento pelos direitos civis foram negligenciadas na época por causa de seu sexo. Mas na época de sua morte em 2010, Height havia tomado seu lugar entre as figuras mais altas do movimento.

“Ela foi realmente uma pioneira e deve ser lembrada como uma daquelas almas corajosas que nunca desistiram”, disse certa vez o Dep. John Lewis. “Ela era uma feminista e uma importante porta-voz dos direitos das mulheres muito antes de haver um movimento de mulheres.”

—Nicole Chavez, CNN Photo: Bettmann Archive / Getty Images

Garrett Morgan

Suas invenções tornaram o mundo mais seguro

Filho de dois ex-escravos, Garrett Morgan teve pouco mais do que educação primária.

Mas isso não impediu o homem de Ohio de se tornar um inventor com um raro dom para projetar máquinas que salvaram a vida das pessoas - incluindo uma versão inicial do semáforo.

Quando adolescente, Morgan conseguiu um emprego consertando máquinas de costura, o que o levou à sua primeira invenção - uma máquina de costura renovada - e seu primeiro empreendimento: seu próprio negócio de consertos.

Logo ele estava inventando outros produtos, incluindo um alisador de cabelo para afro-americanos. Em 1916, ele patenteou um “capuz de segurança”, um dispositivo de respiração pessoal que protegia mineiros e bombeiros da fumaça e gases nocivos. Tornou-se o precursor das máscaras de gás usadas pelos soldados durante a Primeira Guerra Mundial.

Para evitar a resistência racista ao seu produto, Morgan contratou um ator branco para se passar por inventor enquanto usava o capuz durante as apresentações a compradores em potencial.

Mais tarde, depois de testemunhar um acidente de carro e bugue, Morgan foi inspirado a criar um semáforo que tinha três sinais: “pare”, “vá” e “pare em todas as direções”, para permitir que os pedestres atravessassem a rua com segurança.

Ele também tinha uma luz de aviso - agora a luz amarela de hoje - para avisar os motoristas que eles teriam que parar em breve. Seu semáforo foi patenteado em 1923 e Morgan vendeu seu projeto por US $ 40.000 para a General Electric.

Seu legado pode ser visto hoje em cruzamentos por todo o país e pelo mundo.


O JULGAMENTO DE PARIS foi um concurso entre as três mais belas deusas de Olimpo & # 8211Afrodite, Hera e Atenas & # 8211 pelo prêmio de uma maçã dourada endereçada & # 8220Para a Mais Bela & # 8221. Ele escolheu Afrodite, influenciado por sua promessa de conceder a ele Helene, a mulher mais bonita, como esposa.

Materiais e métodos de pintura Nas paredes, os métodos de pintura eram têmpera e fresco em madeira e mármore, têmpera e encáustica & # 8211 uma técnica em que as cores eram misturadas com cera, aplicadas à superfície e depois "queimadas em & # 8217 com um vermelho - haste quente.


A figura negra na arte do século 18

O medalhão de Wedgwood era a imagem mais famosa de um negro em toda a arte do século XVIII. Josiah Wedgwood, o renomado ceramista britânico, era um homem de consciência, profundamente interessado nas consequências da Guerra da Independência Americana e da Revolução Francesa.

Sua amizade com Thomas Clarkson - ativista abolicionista e o primeiro historiador do movimento abolicionista britânico - despertou seu interesse pela escravidão. Wedgwood copiou o desenho original da Sociedade para Efetivar a Abolição do Comércio de Escravos como um camafeu em preto e branco. A inscrição 'Não sou um homem e um irmão? 'tornou-se a frase de efeito dos abolicionistas britânicos e americanos. Medalhões foram enviados em 1788 para Benjamin Franklin, então presidente da Sociedade Abolicionista da Pensilvânia.

A imagem foi amplamente reproduzida em objetos domésticos como louças e também se popularizou em acessórios de moda. De acordo com Clarkson, os cavalheiros tinham a imagem 'incrustada em ouro na tampa de suas caixas de rapé. Das senhoras, várias as usavam em pulseiras, e outras mandavam prendê-las de maneira ornamental como grampos para o cabelo. Por fim, o gosto por usá-los tornou-se geral e, assim, a moda, que geralmente se limita a coisas sem valor, foi vista pela primeira vez no honroso cargo de promover a causa da justiça, da humanidade e da liberdade. '

Embora a figura negra ajoelhada seja dócil e suplicante (não refletindo nada das frequentes rebeliões ferozes dos escravos nas plantações do Novo Mundo), a imagem, no entanto, ajudou a galvanizar o apoio à causa abolicionista. Benjamin Franklin declarou que a eficácia do medalhão era 'igual à do melhor panfleto escrito, em obter favor para o povo oprimido'.


Conteúdo

O interesse pela arte grega ficou para trás em relação ao renascimento da bolsa de estudos clássica durante a Renascença e reviveu no círculo acadêmico em torno de Nicolas Poussin em Roma na década de 1630. Embora coleções modestas de vasos recuperados de tumbas antigas na Itália tenham sido feitas nos séculos 15 e 16, eles foram considerados etruscos. É possível que Lorenzo de Medici comprou vários vasos áticos diretamente da Grécia [3], no entanto, a conexão entre eles e os exemplos escavados na Itália central só foi feita muito mais tarde. Winckelmann's Geschichte der Kunst des Alterthums de 1764 pela primeira vez refutou a origem etrusca do que agora sabemos ser a cerâmica grega [4], mas as duas coleções de Sir William Hamilton, uma perdida no mar e a outra agora no Museu Britânico, ainda foram publicadas como "vasos etruscos" que levaria até 1837 com Stackelberg's Gräber der Hellenen para encerrar definitivamente a controvérsia. [5]

Muito do estudo inicial dos vasos gregos tomou a forma de produção de álbuns das imagens que eles representam, no entanto, nem os fólios de D'Hancarville nem de Tischbein registram as formas ou tentam fornecer uma data e, portanto, não são confiáveis ​​como registro arqueológico. Sérias tentativas de estudo acadêmico progrediram constantemente ao longo do século 19, começando com a fundação do Instituto di Corrispondenza em Roma em 1828 (mais tarde o Instituto Arqueológico Alemão), seguido pelo estudo pioneiro de Eduard Gerhard Auserlesene Griechische Vasenbilder (1840 a 1858), a criação da revista Archaeologische Zeitung em 1843 e o Ecole d'Athens 1846. Foi Gerhard quem primeiro delineou a cronologia que agora usamos, a saber: Orientalização (Geométrica, Arcaica), Figura Negra, Figura Vermelha, Policromática (Helenística).

Finalmente, foi o catálogo de Otto Jahn de 1854 Vasensammlung do Pinakothek, Munique, que estabeleceu o padrão para a descrição científica da cerâmica grega, registrando as formas e inscrições com uma meticulosidade nunca antes vista. O estudo de Jahn foi o livro-texto padrão sobre a história e cronologia da cerâmica grega por muitos anos, mas, em comum com Gerhard, ele datou a introdução da técnica das figuras vermelhas em um século mais tarde do que era de fato o caso. Este erro foi corrigido quando o Aρχαιολογικη 'Εταιρεια empreendeu a escavação da Acrópole em 1885 e descobriu os chamados "destroços persas" de potes de figuras vermelhas destruídos por invasores persas em 480 AC. Com uma cronologia mais bem estabelecida, foi possível para Adolf Furtwängler e seus alunos nas décadas de 1880 e 90 datar os estratos de suas escavações arqueológicas pela natureza da cerâmica encontrada nelas, um método de seriação que Flinders Petrie mais tarde aplicaria aos não pintados Cerâmica egípcia.

Enquanto o século 19 foi um período de descoberta da Grécia e de estabelecimento dos primeiros princípios, o século 20 foi de consolidação e indústria intelectual. Os esforços para registrar e publicar a totalidade das coleções públicas de vasos começaram com a criação do Corpus vasorum antiquorum de Edmond Pottier e do arquivo Beazley de John Beazley.

Beazley e outros que o seguiram também estudaram fragmentos de cerâmica grega em coleções institucionais e atribuíram muitas peças pintadas a artistas individuais. Os estudiosos chamam esses fragmentos disjecta membra (Latim para "partes dispersas") e em vários casos foram capazes de identificar fragmentos agora em diferentes coleções que pertencem ao mesmo vaso. [6]

Os nomes que usamos para formas de vasos gregos são muitas vezes uma questão de convenção e não de fato histórico, alguns ilustram seu próprio uso ou são rotulados com seus nomes originais, outros são o resultado de tentativas dos primeiros arqueólogos de reconciliar o objeto físico com um objeto conhecido nome da literatura grega - nem sempre com sucesso. Para entender a relação entre forma e função, a cerâmica grega pode ser dividida em quatro grandes categorias, fornecidas aqui com tipos comuns: [2] [7] [8]

  • recipientes de armazenamento e transporte, incluindo a ânfora, pithos, pelike, hydria, pyxis,
  • recipientes de mistura, principalmente para simpósios ou festas com bebidas masculinas, incluindo o krater e dinos,
  • jarras e xícaras, vários tipos de kylix também chamados apenas de xícaras, kantharos, phiale, skyphos, oinochoe e loutrophoros,
  • vasos para óleos, perfumes e cosméticos, incluindo os grandes lekythos e os pequenos aryballos e alabastron.

Além dessas funções utilitárias, certas formas de vasos eram especialmente associadas a rituais, outras ao atletismo e ao ginásio. [9] Nem todos os seus usos são conhecidos, mas onde há incerteza, os estudiosos fazem boas suposições aproximadas de qual uso uma peça teria servido. Alguns têm uma função puramente ritual, por exemplo

Algumas embarcações foram projetadas como lápides. Crateras marcavam os lugares dos machos e as ânforas marcavam os das fêmeas. [10] Isso os ajudou a sobreviver e é por isso que alguns retratam procissões fúnebres. [11] Lekythoi moído branco continha o óleo usado como oferendas funerárias e parece ter sido feito exclusivamente com esse objeto em mente. Muitos exemplares têm uma segunda xícara escondida dentro deles para dar a impressão de estarem cheios de óleo, como tal, eles não teriam servido para nenhum outro ganho útil.

Havia um mercado internacional para a cerâmica grega desde o século 8 aC, que Atenas e Corinto dominaram até o final do século 4 aC. [12] Uma ideia da extensão desse comércio pode ser obtida traçando os mapas de localização desses vasos fora da Grécia, embora isso não pudesse explicar os presentes ou a imigração. Apenas a existência de um mercado de segunda mão poderia explicar o número de panatênicos encontrados em tumbas etruscas. As mercadorias do sul da Itália passaram a dominar o comércio de exportação no Mediterrâneo Ocidental, à medida que Atenas perdia importância política durante o período helenístico.

O processo de fazer uma panela e queimar é bastante simples. A primeira coisa que um oleiro precisa é de argila. A argila com alto teor de ferro da Ática deu aos potes uma cor laranja. [13]

Edição de manufatura

Edição de Levigação

Quando a argila é retirada do solo pela primeira vez, ela está cheia de pedras, conchas e outros itens inúteis que precisam ser removidos. Para isso, o oleiro mistura a argila com água e deixa todas as impurezas afundarem. Isso é chamado de levigação ou elutriação. Esse processo pode ser feito várias vezes. Quanto mais vezes isso for feito, mais lisa se tornará a argila.

Edição de roda

O barro é então amassado pelo oleiro e colocado na roda. Uma vez que a argila está na roda, o oleiro pode moldá-la em qualquer uma das muitas formas mostradas abaixo, ou em qualquer outra coisa que desejar. A cerâmica feita com rodas remonta a cerca de 2500 aC, onde antes era empregado o método de bobina para construir as paredes do pote. A maioria dos vasos gregos eram feitos de rodas, embora, como acontece com as peças feitas com molde de Rhyton (as chamadas peças de "plástico"), também sejam encontradas e elementos decorativos feitos à mão ou por molde tenham sido adicionados aos potes lançados. As peças mais complexas eram feitas em partes depois montadas em couro duro por meio de união com uma sapatilha, onde o oleiro voltava à roda para a sua conformação ou torneamento final. Às vezes, um jovem ajudava a girar o volante. [15] [16]

Barro Editar

Após a confecção do pote, o oleiro pinta-o com uma pasta de argila de grão ultrafino, a tinta foi aplicada nas áreas que se pretendia escurecer após a cozedura, de acordo com os dois estilos diferentes, ou seja, a figura negra e a figura vermelha. [17] Para a decoração, os pintores de vasos usavam pincéis de diferentes espessuras, ferramentas de ponta para incisões e provavelmente ferramentas de um só fio para as linhas de relevo [18]

Uma série de estudos analíticos mostrou que o impressionante brilho negro com brilho metálico, tão característico da cerâmica grega, emergiu da fração coloidal de uma argila ilítica com baixíssimo teor de óxido de cálcio. Essa barbotina era rica em óxidos e hidróxidos de ferro, diferenciando-se daquela utilizada para o corpo do vaso quanto ao teor de cálcio, à composição mineral exata e ao tamanho das partículas. A suspensão de argila fina usada para a tinta foi produzida usando vários aditivos defloculantes para argila (potassa, ureia, resíduos de vinho, cinzas de osso, cinzas de algas marinhas etc.) ou recolhendo-a in situ de leitos de argila ilíticos após períodos de chuva. Estudos recentes mostraram que alguns oligoelementos no esmalte preto (ou seja, Zn em particular) podem ser característicos das camadas de argila usadas na antiguidade. Em geral, diferentes equipes de estudiosos sugerem abordagens diferentes sobre a produção da barbotina de argila usada na antiguidade. [19] [20] [21]

Edição de queima

A cerâmica grega, ao contrário da cerâmica de hoje, só foi queimada uma vez, com um processo muito sofisticado. [22] O efeito da cor preta foi obtido por meio da alteração da quantidade de oxigênio presente durante o disparo. Isso foi feito em um processo conhecido como queima trifásica envolvendo alternância de condições oxidantes-redutoras. Primeiro, o forno foi aquecido a cerca de 920-950 ° C, com todas as aberturas abertas trazendo oxigênio para a câmara de queima e transformando o pote e a lâmina em um marrom-avermelhado (condições oxidantes) devido à formação de hematita (Fe2O3) na pintura e no corpo de argila. Em seguida, a abertura foi fechada e a madeira verde introduzida, criando monóxido de carbono que transforma a hematita vermelha em magnetita preta (Fe3O4) nesta fase, a temperatura diminui devido à combustão incompleta. Em uma fase final de reoxidação (a cerca de 800-850 ° C), o forno foi aberto e o oxigênio reintroduzido, fazendo com que a argila reservada não deslizada voltasse ao vermelho alaranjado enquanto a área escorregada no vaso que havia sido sinterizada / vitrificada na fase anterior , não pode mais ser oxidado e permanecer preto.

Embora a descrição de uma única queima com três estágios possa parecer econômica e eficiente, alguns estudiosos afirmam que é igualmente possível que cada uma dessas etapas estivesse confinada a queimas separadas [23] nas quais a cerâmica é submetida a múltiplas queimas, de diferentes ambientes . De qualquer forma, a reprodução fiel do processo envolvendo extenso trabalho experimental que levou à criação de uma moderna unidade de produção em Atenas desde 2000, [24] mostrou que os vasos antigos podem ter sido submetidos a múltiplas queimas de três estágios após a repintura. ou como tentativa de corrigir falhas de cor [19]. A técnica mais conhecida como "técnica de redução do ferro" foi decodificada com a contribuição de estudiosos, ceramistas e cientistas de meados do século 18 até o final do século 20, ou seja, Comte de Caylus (1752), Durand-Greville (1891), Binns e Fraser (1925), Schumann (1942), Winter (1959), Bimson (1956), Noble (1960, 1965), Hofmann (1962), Oberlies ( 1968), Pavicevic (1974), Aloupi (1993). Estudos mais recentes de Walton et al. (2009), Walton et al. (2014), Lühl et al. (2014) e Chaviara & amp Aloupi-Siotis (2016), utilizando técnicas analíticas avançadas fornecem informações detalhadas sobre o processo e as matérias-primas utilizadas. [25]

Editar pintura de vaso

O aspecto mais familiar da cerâmica grega antiga são vasos pintados de ótima qualidade. Não era a cerâmica do dia-a-dia usada pela maioria das pessoas, mas era barata o suficiente para ser acessível a uma ampla faixa da população.

Poucos exemplos de pintura da Grécia Antiga sobreviveram, então os estudiosos modernos precisam traçar o desenvolvimento da arte da Grécia Antiga, em parte, através da pintura em vasos da Grécia Antiga, que sobrevive em grandes quantidades e é também, com a literatura da Grécia Antiga, o melhor guia que temos para o costume vida e mente dos gregos antigos.

Edição da Idade da Pedra

A cerâmica grega remonta à Idade da Pedra, como as encontradas em Sesklo e Dimini.

Edição da Idade do Bronze

A pintura mais elaborada em cerâmica grega remonta à cerâmica minóica e micênica da Idade do Bronze, alguns exemplos posteriores das quais mostram a ambiciosa pintura figurativa que se tornaria altamente desenvolvida e típica.

Idade do Ferro Editar

Depois de muitos séculos dominados por estilos de decoração geométrica, tornando-se cada vez mais complexos, os elementos figurativos voltaram a vigorar no século VIII. Do final do século 7 a cerca de 300 aC, estilos em evolução de pintura guiada por figuras estavam no auge de produção e qualidade e eram amplamente exportados.

Durante a Idade das Trevas grega, abrangendo os séculos 11 a 8 aC, o estilo inicial predominante era o da arte protogeométrica, utilizando predominantemente padrões decorativos circulares e ondulados. Isso foi sucedido na Grécia continental, no Egeu, na Anatólia e na Itália pelo estilo de cerâmica conhecido como arte geométrica, que empregava linhas bem definidas de formas geométricas. [26]

O período da Grécia Arcaica, começando no século 8 aC e durando até o final do século 5 aC, viu o nascimento do período orientalizante, liderado em grande parte pela antiga Corinto, onde as figuras de palito anteriores da cerâmica geométrica se concretizam em meio a motivos que substituiu os padrões geométricos. [12]

A decoração clássica em cerâmica é dominada principalmente pela pintura em vasos do sótão. A produção ática foi a primeira a ser retomada após a Idade das Trevas grega e influenciou o resto da Grécia, especialmente a Beócia, Corinto, as Cíclades (em particular Naxos) e as colônias jônicas no leste do Egeu. [27] A produção de vasos era em grande parte prerrogativa de Atenas - é bem comprovado que em Corinto, Beócia, Argos, Creta e Cíclades, os pintores e oleiros estavam satisfeitos em seguir o estilo ático. No final do período Arcaico, os estilos de cerâmica de figuras negras, cerâmicas de figuras vermelhas e a técnica de fundo branco se tornaram totalmente estabelecidos e continuariam em uso durante a era da Grécia Clássica, do início do século V ao final do século IV aC. Corinto foi eclipsado pelas tendências atenienses, uma vez que Atenas foi a progenitora dos estilos de figura vermelha e fundo branco. [12]

Estilos protogeométricos Editar

Os vasos do período protogeométrico (c. 1050–900 aC) representam o retorno da produção artesanal após o colapso da cultura do palácio micênico e a subsequente idade das trevas grega. É uma das poucas formas de expressão artística além da joalheria neste período, uma vez que a escultura, a arquitetura monumental e a pintura mural dessa época são desconhecidas para nós. Por volta de 1050 aC, a vida na península grega parecia ter se tornado suficientemente estabelecida para permitir uma melhoria significativa na produção de louça de barro. O estilo é confinado à representação de círculos, triângulos, linhas onduladas e arcos, mas colocado com consideração evidente e destreza notável, provavelmente auxiliado por compasso e pincéis múltiplos. [28] O sítio de Lefkandi é uma das nossas fontes mais importantes de cerâmica deste período, onde um depósito de bens túmulos foi encontrado, evidenciando um estilo protogeométrico distinto de Eubeia que durou até o início do século VIII. [29]

Estilo geométrico Editar

A arte geométrica floresceu nos séculos IX e VIII aC. Caracterizou-se por novos motivos, rompendo com a representação dos períodos minóico e micênico: meandros, triângulos e outras decorações geométricas (daí o nome do estilo) distintos das figuras predominantemente circulares do estilo anterior. No entanto, nossa cronologia para essa nova forma de arte vem de mercadorias exportadas encontradas em contextos datáveis ​​no exterior.

Com o estilo geométrico inicial (aproximadamente 900-850 AC), encontram-se apenas motivos abstratos, no que é chamado de estilo "Dipylon Preto", que é caracterizado pelo uso extensivo de verniz preto, com o Geométrico Médio (aprox. 850-770 AC ), surge a decoração figurativa: inicialmente são bandas idênticas de animais como cavalos, veados, cabras, gansos, etc. que se alternam com as bandas geométricas. Paralelamente, a decoração torna-se complicada e cada vez mais ornamentada, o pintor reluta em deixar espaços vazios e preenche-os com meandros ou suásticas. Essa fase é chamada de horror vacui (medo do vazio) e não cessará até o final do período geométrico.

Em meados do século começam a aparecer figuras humanas, cujas representações mais conhecidas são as dos vasos encontrados em Dipylon, um dos cemitérios de Atenas. Os fragmentos destes grandes vasos funerários mostram principalmente procissões de carros ou guerreiros ou das cenas funerárias: πρόθεσις / prótese (exposição e lamentação dos mortos) ou ἐκφορά / ekphora (transporte do caixão ao cemitério). Os corpos são representados de forma geométrica, exceto as panturrilhas, que são bastante protuberantes. No caso dos soldados, um escudo em forma de diabolo, denominado “escudo dipylon” devido ao seu desenho característico, cobre a parte central do corpo. As pernas e os pescoços dos cavalos, as rodas dos carros são representados um ao lado do outro sem perspectiva. A mão deste pintor, assim chamada na ausência de assinatura, é o Mestre Dipylon, podendo ser identificada em várias peças, nomeadamente ânforas monumentais. [31]

No final do período aparecem representações da mitologia, provavelmente no momento em que Homero codifica as tradições do ciclo troiano no Ilíada e a Odisséia. Aqui, porém, a interpretação constitui um risco para o observador moderno: um confronto entre dois guerreiros pode ser um duelo homérico ou um simples combate - um barco falido pode representar o naufrágio de Odisseu ou de qualquer marinheiro infeliz.

Por último, são as escolas locais que surgem na Grécia. A produção de vasos era em grande parte prerrogativa de Atenas - é bem atestado que, como no período proto-geométrico, em Corinto, Beócia, Argos, Creta e Cíclades, os pintores e oleiros se contentavam em seguir o estilo ático. Por volta do século VIII aC, eles criaram seus próprios estilos, Argos se especializando em cenas figurativas, Creta permanecendo ligada a uma abstração mais estrita. [32]

Estilo de Orientação Editar

O estilo orientalizante foi o produto da fermentação cultural no Mar Egeu e no Mediterrâneo Oriental dos séculos VIII e VII aC. Fostered by trade links with the city-states of Asia Minor, the artifacts of the East influenced a highly stylized yet recognizable representational art. Ivories, pottery and metalwork from the Neo-Hittite principalities of northern Syria and Phoenicia found their way to Greece, as did goods from Anatolian Urartu and Phrygia, yet there was little contact with the cultural centers of Egypt or Assyria. The new idiom developed initially in Corinth (as Proto-Corinthian) and later in Athens between 725 BC and 625 BC (as Proto-Attic). [33]

It was characterized by an expanded vocabulary of motifs: sphinx, griffin, lions, etc., as well as a repertory of non-mythological animals arranged in friezes across the belly of the vase. In these friezes, painters also began to apply lotuses or palmettes. Depictions of humans were relatively rare. Those that have been found are figures in silhouette with some incised detail, perhaps the origin of the incised silhouette figures of the black-figure period. There is sufficient detail on these figures to allow scholars to discern a number of different artists' hands. Geometrical features remained in the style called proto-Corinthian that embraced these Orientalizing experiments, yet which coexisted with a conservative sub-geometric style.

The ceramics of Corinth were exported all over Greece, and their technique arrived in Athens, prompting the development of a less markedly Eastern idiom there. During this time described as Proto-Attic, the orientalizing motifs appear but the features remain not very realistic. The painters show a preference for the typical scenes of the Geometrical Period, like processions of chariots. However, they adopt the principle of line drawing to replace the silhouette. In the middle of the 7th century BC, there appears the black and white style: black figures on a white zone, accompanied by polychromy to render the color of the flesh or clothing. Clay used in Athens was much more orange than that of Corinth, and so did not lend itself as easily to the representation of flesh. Attic Orientalising Painters include the Analatos Painter, the Mesogeia Painter and the Polyphemos Painter.

Crete, and especially the islands of the Cyclades, are characterized by their attraction to the vases known as “plastic”, i.e. those whose paunch or collar is moulded in the shape of head of an animal or a man. At Aegina, the most popular form of the plastic vase is the head of the griffin. The Melanesian amphoras, manufactured at Paros, exhibit little knowledge of Corinthian developments. They present a marked taste for the epic composition and a horror vacui, which is expressed in an abundance of swastikas and meanders.

Finally one can identify the last major style of the period, that of Wild Goat Style, allotted traditionally to Rhodes because of an important discovery within the necropolis of Kameiros. In fact, it is widespread over all of Asia Minor, with centers of production at Miletos and Chios. Two forms prevail oenochoes, which copied bronze models, and dishes, with or without feet. The decoration is organized in superimposed registers in which stylized animals, in particular of feral goats (from whence the name) pursue each other in friezes. Many decorative motifs (floral triangles, swastikas, etc.) fill the empty spaces.

Black-figure technique Edit

Black-figure is the most commonly imagined when one thinks about Greek pottery. It was a popular style in ancient Greece for many years. The black-figure period coincides approximately with the era designated by Winckelmann as the middle to late Archaic, from c. 620 to 480 BC. The technique of incising silhouetted figures with enlivening detail which we now call the black-figure method was a Corinthian invention of the 7th century [34] and spread from there to other city states and regions including Sparta, [35] Boeotia, [36] Euboea, [37] the east Greek islands [38] and Athens.

The Corinthian fabric, extensively studied by Humfry Payne [39] and Darrell Amyx, [40] can be traced though the parallel treatment of animal and human figures. The animal motifs have greater prominence on the vase and show the greatest experimentation in the early phase of Corinthian black-figure. As Corinthian artists gained confidence in their rendering of the human figure the animal frieze declined in size relative to the human scene during the middle to late phase. By the mid-6th century BC, the quality of Corinthian ware had fallen away significantly to the extent that some Corinthian potters would disguise their pots with a red slip in imitation of superior Athenian ware.

At Athens researchers have found the earliest known examples of vase painters signing their work, the first being a dinos by Sophilos (illus. below, BM c. 580), this perhaps indicative of their increasing ambition as artists in producing the monumental work demanded as grave markers, as for example with Kleitias's François Vase. Many scholars consider the finest work in the style to belong Exekias and the Amasis Painter, who are noted for their feeling for composition and narrative.

Circa 520 BC the red-figure technique was developed and was gradually introduced in the form of the bilingual vase by the Andokides Painter, Oltos and Psiax. [41] Red-figure quickly eclipsed black-figure, yet in the unique form of the Panathanaic Amphora, black-figure continued to be utilised well into the 4th century BC.

Red-figure technique Edit

The innovation of the red-figure technique was an Athenian invention of the late 6th century. It was quite the opposite of black-figure which had a red background. The ability to render detail by direct painting rather than incision offered new expressive possibilities to artists such as three-quarter profiles, greater anatomical detail and the representation of perspective.

The first generation of red-figure painters worked in both red- and black-figure as well as other methods including Six's technique and white-ground the latter was developed at the same time as red-figure. However, within twenty years, experimentation had given way to specialization as seen in the vases of the Pioneer Group, whose figural work was exclusively in red-figure, though they retained the use of black-figure for some early floral ornamentation. The shared values and goals of The Pioneers such as Euphronios and Euthymides signal that they were something approaching a self-conscious movement, though they left behind no testament other than their own work. John Boardman said of the research on their work that "the reconstruction of their careers, common purpose, even rivalries, can be taken as an archaeological triumph" [42]

The next generation of late Archaic vase painters (c. 500 to 480 BC) brought an increasing naturalism to the style as seen in the gradual change of the profile eye. This phase also sees the specialization of painters into pot and cup painters, with the Berlin and Kleophrades Painters notable in the former category and Douris and Onesimos in the latter.

By the early to high classical era of red-figure painting (c. 480–425 BC), a number of distinct schools had evolved. The Mannerists associated with the workshop of Myson and exemplified by the Pan Painter hold to the archaic features of stiff drapery and awkward poses and combine that with exaggerated gestures. By contrast, the school of the Berlin Painter in the form of the Achilles Painter and his peers (who may have been the Berlin Painter's pupils) favoured a naturalistic pose usually of a single figure against a solid black background or of restrained white-ground lekythoi. Polygnotos and the Kleophon Painter can be included in the school of the Niobid Painter, as their work indicates something of the influence of the Parthenon sculptures both in theme (e.g., Polygnotos's centauromachy, Brussels, Musées Royaux A. & Hist., A 134) and in feeling for composition.

Toward the end of the century, the "Rich" style of Attic sculpture as seen in the Nike Balustrade is reflected in contemporary vase painting with an ever-greater attention to incidental detail, such as hair and jewellery. The Meidias Painter is usually most closely identified with this style.

Vase production in Athens stopped around 330–320 BC possibly due to Alexander the Great's control of the city, and had been in slow decline over the 4th century along with the political fortunes of Athens itself. However, vase production continued in the 4th and 3rd centuries in the Greek colonies of southern Italy where five regional styles may be distinguished. These are the Apulian, Lucanian, Sicilian, Campanian and Paestan. Red-figure work flourished there with the distinctive addition of polychromatic painting and in the case of the Black Sea colony of Panticapeum the gilded work of the Kerch Style. Several noteworthy artists' work comes down to us including the Darius Painter and the Underworld Painter, both active in the late 4th century, whose crowded polychromatic scenes often essay a complexity of emotion not attempted by earlier painters. Their work represents a late mannerist phase to the achievement of Greek vase painting.

White ground technique Edit

The white-ground technique was developed at the end of the 6th century BC. Unlike the better-known black-figure and red-figure techniques, its coloration was not achieved through the application and firing of slips but through the use of paints and gilding on a surface of white clay. It allowed for a higher level of polychromy than the other techniques, although the vases end up less visually striking. The technique gained great importance during the 5th and 4th centuries, especially in the form of small lekythoi that became typical grave offerings. Important representatives include its inventor, the Achilles Painter, as well as Psiax, the Pistoxenos Painter, and the Thanatos Painter.

Relief and plastic vases Edit

Relief and plastic vases became particularly popular in the 4th century BC and continued being manufactured in the Hellenistic period. They were inspired by the so-called "rich style" developed mainly in Attica after 420 BC. The main features were the multi-figured compositions with use of added colours (pink/reddish, blue, green, gold)and an emphasis on female mythological figures. Theatre and performing constituted yet one more source of inspiration.

Delphi Archaeological Museum has some particularly good examples of this style, including a vase with Aphrodite and Eros. The base is round, cylindrical, and its handle vertical, with bands, covered with black colour. The female figure (Aphrodite) is depicted seated, wearing an himation. Next to her stands a male figure, naked and winged. Both figures wear wreaths made of leaves and their hair preserve traces of golden paint. The features of their faces are stylized. The vase has a white ground and maintains in several parts the traces of bluish, greenish and reddish paint. It dates to the 4th century BC.

In the same room is kept a small lekythos with a plastic decoration, depicting a winged dancer. The figure wears a Persian head cover and an oriental dress, indicating that already in that period oriental dancers, possibly slaves, had become quite fashionable. The figure is also covered with a white colour. The total height of the vase is 18 centimeters and it dates to the 4th century BC.

Hellenistic period Edit

The Hellenistic period, ushered in by the conquests of Alexander the Great, saw the virtual disappearance of black and red-figure pottery yet also the emergence of new styles such as West Slope Ware in the east, the Centuripe Ware in Sicily, and the Gnathia vases to the west. [43] Outside of mainland Greece other regional Greek traditions developed, such as those in Magna Graecia with the various styles in South Italy, including Apulian, Lucanian, Paestan, Campanian, and Sicilian. [12]

Inscriptions on Greek pottery are of two kinds the incised (the earliest of which are contemporary with the beginnings of the Greek alphabet in the 8th century BC), and the painted, which only begin to appear a century later. Both forms are relatively common on painted vases until the Hellenistic period when the practice of inscribing pots seems to die out. They are by far most frequently found on Attic pottery.

A number of sub-classes of inscription can be distinguished. Potters and painters occasionally signed their works with epoiesen e egraphsen respectively. Trademarks are found from the start of the 6th century on Corinthian pieces these may have belonged to an exporting merchant rather than the pottery workfield and this remains a matter of conjecture.) Patrons' names are also sometimes recorded, as are the names of characters and objects depicted. At times we may find a snatch of dialogue to accompany a scene, as in ‘Dysniketos's horse has won’, announces a herald on a Panathenaic amphora (BM, B 144). More puzzling, however, are the kalos and kalee inscriptions, which might have formed part of courtship ritual in Athenian high society, yet are found on a wide variety of vases not necessarily associated with a social setting. Finally there are abecedaria and nonsense inscriptions, though these are largely confined to black-figure pots. [44]

Greek terracotta figurines were another important type of pottery, initially mostly religious, but increasingly representing purely decorative subjects. The so-called Tanagra figurines, in fact made elsewhere as well, are one of the most important types. Earlier figurines were usually votive offerings at temples.

Several clay vases owed their inspiration to metalwork forms in bronze, silver and sometimes gold. These were increasingly used by the elite when dining, but were not placed in graves, where they would have been robbed, and were often treated as a store of value to be traded as bullion when needed. Very few metal vessels have survived as at some point they were melted down and the metal reused.

In recent decades many scholars have questioned the conventional relationship between the two materials, seeing much more production of painted vases than was formerly thought as made to be placed in graves, as a cheaper substitute for metalware in both Greece and Etruria. The painting itself may also copy that on metal vessels more closely than was thought. [45]

The Derveni Krater, from near Thessaloniki, is a large bronze volute krater from about 320 BC, weighing 40 kilograms, and finely decorated with a 32-centimetre-tall frieze of figures in relief representing Dionysus surrounded by Ariadne and her procession of satyrs and maenads.

The alabastron's name suggests alabaster, stone. [46] Glass was also used, mostly for fancy small perfume bottles, though some Hellenistic glass rivalled metalwork in quality and probably price.


Museu J. Paul Getty

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Attic Black-Figure Komast Cup

Painter of Copenhagen 103 (Greek) 9.7 × 26.1 cm (3 13/16 × 10 1/4 in.) 79.AE.128

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Vistas Alternativas

Detalhes do Objeto

Título:

Attic Black-Figure Komast Cup

Artista / Criador:
Cultura:
Lugar:

Athens, Greece (Place Created)

Médio:
Número do objeto:
Dimensões:

9.7 × 26.1 cm (3 13/16 × 10 1/4 in.)

Credit Line:
Título alternativo:

Wine Cup with Revelers (Display Title)

Departamento:
Classificação:
Tipo de objeto:
Descrição do Objeto

Six komasts or revelers dance around the sides of this Athenian black-figure cup. Participants in the singing and dancing after a symposium (male drinking party), komasts were a particularly fitting decoration for a cup used at such an occasion. Komasts have a distinctive vigorous dance. They stand on one leg, with one arm forward and one arm back, and they often hold drinking horns or cups while dancing. Although some dancers wore short padded tunics, most are shown naked, as these are.

Vase-painters portrayed komasts on several types of vessels in the early 500s B.C., but they appeared so frequently on a special form of cup with a deep, curved body, an offset lip, and a short spreading foot that scholars call it a komast cup. These cups were always decorated in a similar way. In addition to the dancers, they all have a floral design under the handles, a simple pattern--usually rosettes--on the lip, a zone of rays above the foot, and a black interior. Komast cups were popular and widely exported from about 580 to 560 B.C.

Proveniência
Proveniência

Malcolm Wiener (New York, New York), donated to the J. Paul Getty Museum, 1979.

Exposições
Exposições
Paintings on Vases in Ancient Greece (April 11 to September 15, 1980)
Greeks in the Boot: Greek Influence in Ancient Italy as Reflected in the Pottery of Various Regions (October 5, 2013 to May 17, 2014)
  • Robert V. Fullerton Art Museum, California State University, San Bernardino, October 5, 2013 to May 17, 2014
Bibliografia
Bibliografia

Brijder, H.A.G. Siana Cups I and Komast Cups. Amsterdam: 1983, p. 71

Kirsch, Eva. Greeks in the Boot: Greek Influences in the Italian Peninsula As Reflected in the Pottery of Various Regions, ca. 800-200 B.C., exh. gato. (San Bernardino: California State University San Bernardino, Robert and Frances Fullerton Museum of Art, 2014), Part One Catalog, entry 8, (full-page illustration).

Education Resources
Education Resources

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In this visual arts lesson students develop criteria for value and meaning of ceramic vessels and create a timeline to place objects in history.

Lesson plans exploring ceramic vessels. Students discuss function, historic context, and create their own clay vessels.

Lesson plans exploring ceramic vessels. Students discuss function, historic context, and create their own clay vessels.

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Rustin worked with A. Philip Randolph on the March on Washington Movement, in 1941, to press for an end to racial discrimination in employment. Rustin later organized Freedom Rides, and helped to organize the Southern Christian Leadership Conference to strengthen Martin Luther King Jr.'s leadership and teaching King about nonviolence he later served as an organizer for the March on Washington for Jobs and Freedom.[1] Rustin worked alongside Ella Baker, a co-director of the Crusade for Citizenship, in 1954 and before the Montgomery bus boycott, he helped organize a group, called "In Friendship", amongst Baker, George Lawrence, Stanley Levison of the American Jewish Congress, and some other labor leaders. "In Friendship" provided material and legal assistance to those being evicted from their tenant farms and households in Clarendon County, Yazoo, and other places.[2] Rustin became the head of the AFL–CIO's A. Philip Randolph Institute, which promoted the integration of formerly all-white unions, and promoted the unionization of African Americans. During the 1970s and 1980s, Rustin served on many humanitarian missions, such as aiding refugees from Communist Vietnam and Cambodia. At the time of his death in 1987, he was on a humanitarian mission in Haiti.

Rustin was a gay man, who had been arrested, early in his career, for engaging in public sex (in a parked car),[3] though he was posthumously pardoned. Due to criticism over his sexuality, he usually acted as an influential adviser behind the scenes to civil-rights leaders. In the 1980s, he became a public advocate on behalf of gay causes, speaking at events as an activist and supporter of human rights.[4]

Later in life, while still devoted to securing workers' rights, Rustin joined other union leaders in aligning with ideological neoconservatism, and (after his death) President Ronald Reagan praised him.[5][6][7] On November 20, 2013, President Barack Obama posthumously awarded Rustin the Presidenti


San Ildefonso Pueblo, Po-woh-ge-oweenge

Po-Woh-Geh-Owingeh is the Tewa name for San Ildefonso Pueblo. Isso significa Where the Water Cuts Through in the Tewa language. Beginning around the 1200s, residents of Mesa Verde began migrating south in search of better water sources. By the 1300s, people living in the Tsankawi area of what is now Bandelier National Monument began moving closer to the Rio Grande for more consistent supplies of water and settled where San Ildefonso is today.

San Ildefonso is the home of the potter Maria Martinez, whose elegantly polished Black-on-black pottery is valued by collectors worldwide. The pueblo is one of the best known of all New Mexico pueblo villages because of the highly skilled male painters-both of pottery and easel art-and the beautiful blackware pottery produced since the early 1900s.

It is generally accepted that the first pueblo painters emerged from San Ildefonso in the year 1900. At that time, San Ildefonso had a population of 138 Tewa-speaking Indians and one non-native resident: elementary school teacher Ester Hoyt, who arrived at San Ildefonso in 1900 and departed in 1907.

Hoyt provided her students with watercolor paints and paper and told them to paint pictures of pueblo ceremonial dances. At the time, the government's policies were intended to discourage students from embracing their Native culture. Why would a government teacher go against government policy? Perhaps she was looking for a way to understand her pupils through their lifeways and to win their confidence so she could comply with government policies. Alternately, she perhaps did not agree with government policy and chose to teach in her own manner. In this small classroom, a generation of talented artists came into existence. Her first-year class included Tonita Peña, Alfredo Montoya, Alfonso Roybal, Santana Roybal (later, Martinez), Abel Sanchez and Romando Vigil.

For more than 100 years, San Ildefonso has been the center of tradition and innovation.

The pueblo is located twenty-two miles northwest of Santa Fe, New Mexico. Its Feast Day is January 23rd honoring their patron saint: San Ildefonso.


Presidente Garfield assassinado. O presidente Garfield foi baleado em 2 de julho e morreu em 19 de setembro. O vice-presidente Chester A. Arthur (republicano) sucedeu Garfield como presidente.

Fundado o Instituto Tuskegee. Booker T. Washington se tornou o primeiro diretor do Tuskegee Institute em Tuskegee, Alabama, em 4 de julho. Tuskegee se tornou a principal instituição de treinamento vocacional para afro-americanos.

Segregação do transporte público. O Tennessee separou vagões ferroviários, seguido por Flórida (1887), Mississippi (1888), Texas (1889), Louisiana (1890), Alabama, Kentucky, Arkansas e Geórgia (1891), Carolina do Sul (1898), Carolina do Norte (1899) , Virginia (1900), Maryland (1904) e Oklahoma (1907).

Lei dos Direitos Civis revogada. Em 15 de outubro, a Suprema Corte declarou a Lei dos Direitos Civis de 1875 inconstitucional. O Tribunal declarou que a Décima Quarta Emenda proíbe os estados, mas não os cidadãos, de discriminar.

Sojourner Truth morre. Sojourner Truth, um abolicionista corajoso e ardente e um orador brilhante, morreu em 26 de novembro.

Um golpe político e um motim racial. Em 3 de novembro, os conservadores brancos em Danville, Virgínia, tomaram o controle do governo local, racialmente integrado e eleito pelo povo, matando quatro afro-americanos no processo.

Linchamentos. Sabe-se que cinquenta e três negros americanos foram linchados em 1883.

Cleveland eleito presidente. Grover Cleveland (democrata) foi eleito presidente em 4 de novembro.

Linchamentos. Sabe-se que 51 negros americanos foram linchados em 1884.

Um bispo episcopal negro. Em 25 de junho, o afro-americano Samuel David Ferguson foi ordenado bispo da Igreja Episcopal.

Linchamentos. Sabe-se que setenta e quatro negros americanos foram linchados em 1885.

O Massacre de Carrollton. Em 17 de março, 20 negros americanos foram massacrados em Carrollton, Mississippi.

O trabalho organiza. A Federação Americana do Trabalho foi organizada em 8 de dezembro, sinalizando a ascensão do movimento sindical. Todos os principais sindicatos da época excluíam os americanos negros.

Linchamentos. Sabe-se que setenta e quatro negros americanos foram linchados em 1886.

Dois dos primeiros bancos afro-americanos. Dois dos primeiros bancos de propriedade de negros da América - o Banco de Poupança da Grande Fonte, Ordem Unida dos Reformadores, em Richmond, Virgínia, e o Capital Savings Bank de Washington, DC, abriram suas portas.

Harrison eleito presidente. Benjamin Harrison (republicano) foi eleito presidente em 6 de novembro.

Linchamentos. Sabe-se que 69 negros americanos foram linchados em 1888.

Censo de 1890.
População dos EUA: 62.947.714
População negra: 7.488.676 (11,9%)

A Liga Afro-americana. Em 25 de janeiro, sob a liderança de Timothy Thomas Fortune, a militante Liga Nacional Afro-Americana foi fundada em Chicago.

Os afro-americanos estão privados de direitos. O Plano Mississippi, aprovado em 1º de novembro, usou testes de alfabetização e "compreensão" para privar os cidadãos americanos negros. Estatutos semelhantes foram adotados pela Carolina do Sul (1895), Louisiana (1898), Carolina do Norte (1900), Alabama (1901), Virgínia (1901), Geórgia (1908) e Oklahoma (1910).

Um supremacista branco é eleito. O populista "Pitchfork Ben" Tillman foi eleito governador da Carolina do Sul. Ele chamou sua eleição de "um triunfo da supremacia branca".

Linchamentos. Oitenta e cinco negros americanos foram linchados em 1890.

Grover Cleveland eleito presidente. Grover Cleveland (democrata) foi eleito presidente em 8 de novembro.

Linchamentos. Cento e sessenta e um negros americanos são conhecidos por terem sido linchados em 1892.

A greve Pullman. A greve da Pullman Company causou uma crise de transporte nacional. Em 11 de maio, afro-americanos foram contratados pela empresa como fura-greves.

Linchamentos. Cento e trinta e quatro negros americanos são conhecidos por terem sido linchados em 1894.

Douglass morre. O líder afro-americano e estadista Frederick Douglass morreu em 20 de fevereiro.

Um motim racial. Brancos atacaram trabalhadores negros em Nova Orleans de 11 a 12 de março. Seis negros foram mortos.

O Compromisso de Atlanta. Booker T. Washington proferiu seu famoso discurso de "Compromisso de Atlanta" em 18 de setembro na Exposição dos Estados de Atlanta. Ele disse que o "problema do negro" seria resolvido por uma política de gradualismo e acomodação.

A Convenção Batista Nacional. Várias organizações batistas se combinaram para formar a Convenção Batista Nacional dos EUA. A igreja Batista é a maior denominação religiosa negra nos Estados Unidos.

Linchamentos. Cento e treze negros americanos foram linchados em 1895.

Plessy v. Ferguson. A Suprema Corte decidiu em 18 de maio em Plessy v. Ferguson que instalações "separadas, mas iguais" satisfaçam as garantias da Décima Quarta Emenda, dando assim sanção legal às leis de segregação de Jim Crow.

Mulheres negras se organizam. A Associação Nacional de Mulheres de Cor foi formada em 21 de julho. Mary Church Terrell foi eleita presidente.

McKinley eleito presidente. Em 3 de novembro, William McKinley (republicano) foi eleito presidente.

George Washington Carver. George Washington Carver foi nomeado diretor de pesquisa agrícola do Tuskegee Institute. Seu trabalho promoveu o cultivo de amendoim, batata-doce e soja.

Linchamentos. Sabe-se que setenta e oito negros americanos foram linchados em 1896.

American Negro Academy. A American Negro Academy foi criada em 5 de março para encorajar a participação afro-americana na arte, literatura e filosofia.

Linchamentos. Cento e vinte e três negros americanos foram linchados em 1897.

A Guerra Hispano-Americana. A Guerra Hispano-Americana começou em 21 de abril. Dezesseis regimentos de voluntários negros foram recrutados e quatro viram o combate. Cinco negros americanos ganharam medalhas de honra do Congresso.

O Conselho Nacional Afro-Americano. Fundado em 15 de setembro, o Conselho Nacional Afro-Americano elegeu o Bispo Alexander Walters seu primeiro presidente.

Um motim racial. Em 10 de novembro, em Wilmington, Carolina do Norte, oito negros americanos foram mortos durante distúrbios de brancos.

Companhias de seguros de propriedade de negros. Foram estabelecidas a North Carolina Mutual and Provident Insurance Company e a National Benefit Life Insurance Company de Washington, DC. Ambas as empresas eram de propriedade de negros.

Linchamentos. Cento e um negros americanos foram linchados em 1898.

Um protesto de linchamento. O Conselho Afro-Americano designou 4 de junho como o dia nacional de jejum para protestar contra linchamentos e massacres.

Linchamentos. Oitenta e cinco negros americanos foram linchados em 1899.

Censo de 1900.
População dos EUA: 75.994.575
População negra: 8.833.994 (11,6%)

Linchamentos. Cento e seis negros americanos foram linchados em 1900.

Uma Feira Mundial. A Exposição de Paris foi realizada, e o pavilhão dos Estados Unidos abrigou uma exposição sobre negros americanos. A "Exposition des Negres d'Amerique" ganhou vários prêmios de excelência. A coleção de trabalhos de Daniel A. P. Murray de e sobre americanos negros foi desenvolvida para esta exposição.

As seguintes obras foram fontes valiosas na compilação desta Linha do Tempo: Lerone Bennett's Antes do Mayflower (Chicago: Johnson Publishing Co., 1982), W. Augustus Low e Virgil A. Clift's Enciclopédia da América Negra (Nova York: Da Capo Press, 1984) e Harry A. Ploski e Warren Marr's The Negro Almanac (Nova York: Bellwether Co., 1976).


Assista o vídeo: Danmark og istiderne


Comentários:

  1. Kajika

    É a informação justa

  2. Tu

    É interessante. Você não vai me perguntar, onde posso encontrar mais informações sobre esta questão?

  3. Kelabar

    Eu aqui sou casual, mas fui especialmente registrado em um fórum para participar da discussão desta questão.



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