Soup Can Paintings de Andy Warhol: o que significam e por que se tornaram uma sensação

Soup Can Paintings de Andy Warhol: o que significam e por que se tornaram uma sensação


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Em 9 de julho de 1962, um artista pouco conhecido chamado Andy Warhol abriu uma pequena exposição na Ferus Gallery em Los Angeles. Seu assunto de coçar a cabeça: Sopa Campbell. Cada uma de suas 32 pinturas retratou um sabor diferente na programação, de tomate a pote de pimenta e creme de aipo.

Para Warhol, com menos de 34 anos, foi sua primeira exposição individual de pintura. Naquela época, ele havia passado quase uma década como um dos principais artistas comerciais, trabalhando com clientes de publicidade de ponta, como Tiffany & Co. e Dior. Mas ele estava determinado a se tornar um artista “de verdade”, reconhecido tanto por museus quanto pela crítica. Sua arma secreta? O emergente estilo de arte “Pop”.

O que significam as pinturas de lata de sopa?

O pop virou a arte tradicional de cabeça para baixo. Em vez de retratos, paisagens, cenas de batalha ou outros assuntos considerados por especialistas como “arte”, artistas como Warhol obtiveram imagens de publicidade, histórias em quadrinhos e outras partes da cultura popular - o “pop” da pop art. Eles usaram o humor e a ironia para comentar como a produção em massa e o consumismo passaram a dominar grande parte da vida e da cultura americanas. Artistas abstratos dos anos 1950, como Jackson Pollock, podem ter se glorificado como gênios individualistas e criativos, mas os artistas pop dos anos 1960 adotaram a abordagem oposta. Eles tentaram suavizar ou eliminar todos os traços de seus próprios processos de criação de arte - como pinceladas - de modo que seu trabalho parecesse quase mecânico, como o tema produzido em massa que retratava.

Quase. Para fazer as pinturas da "lata de sopa Campbell", Warhol projetou a imagem de uma lata de sopa em sua tela em branco, traçou o contorno e os detalhes e, em seguida, preencheu cuidadosamente usando pincéis e tintas antiquados. Para manter a consistência, ele usou um carimbo manual para fazer o padrão da flor-de-lis em torno da borda inferior de cada etiqueta, mas nem sempre acertou. Pequenos detalhes - minúsculos salpicos de vermelho na pintura da sopa de tomate, o carimbo da flor de lis aplicado de forma desigual em outras - traíram as origens artesanais das pinturas. Ao usar técnicas de belas-artes para representar um objeto manufaturado do dia-a-dia, Warhol captou uma contradição essencial na pop art. Embora devessem parecer que foram feitos mecanicamente, cada pintura era um pouco diferente - e não apenas no sabor do rótulo.

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Mas há uma coisa que todas as 32 pinturas têm em comum. Em vez de detalhar o medalhão intrincado no centro de cada etiqueta de lata - representando a "medalha de ouro de excelência" que a sopa Campbell ganhou na Exposição de Paris de 1900 - Warhol substituiu um círculo de ouro simples. “É simplesmente porque outras tintas não grudam bem em cima do ouro? Porque acertar nas medalhas daria muito trabalho e talvez nunca parecesse bem, afinal? " ponderou o biógrafo de Warhol, Blake Gopnik. “Ele apenas gostou do soco gráfico do círculo de ouro?”

Golpe gráfico - e um ar de nostalgia - podem ser dois motivos pelos quais Warhol escolheu a linha de produtos Campbell como seu ícone pop. O design da etiqueta clássica mudou pouco desde sua estreia na virada do século 20, incluindo o script caseiro e cursivo "Campbell's", que, de acordo com um arquivista da empresa, era muito semelhante à assinatura do próprio fundador Joseph Campbell. E o próprio Warhol crescera com a sopa Campbell. “Eu costumava beber”, disse ele. “Eu costumava comer o mesmo almoço todos os dias por 20 anos.”

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Como as pinturas de lata de sopa foram recebidas pela primeira vez?

Quando o programa de Warhol estreou em 1962, Pop estava apenas começando. As pessoas não tinham ideia do que fazer com a arte que era tão diferente de tudo que a arte deveria ser.

Por um lado, Irving Blum, um dos proprietários da Ferus Gallery, optou por exibir as pinturas em prateleiras estreitas ao longo da galeria, não muito diferente de um corredor de supermercado. “As latas ficam nas prateleiras”, ele disse mais tarde sobre sua instalação. "Por que não?"

O show não causou o impacto que Blum e Warhol esperavam. Na verdade, a pouca resposta que veio do público ou dos críticos de arte pode ser dura. “Este jovem‘ artista ’é um tolo teimoso ou um charlatão teimoso”, escreveu um crítico. Um desenho animado no Los Angeles Times satirizaram as pinturas e seus supostos espectadores. “Francamente, a nata de aspargos não faz nada por mim”, diz um amante da arte a outro, parado na galeria. “Mas a terrível intensidade do macarrão de frango me dá uma verdadeira sensação zen.” Um negociante de arte na mesma rua da Ferus Gallery foi ainda mais mordaz. Ele arrumou latas reais de sopa Campbell em sua janela, junto com uma placa que dizia: “Não se deixe enganar. Obtenha o original. Nosso preço baixo - dois por 33 centavos. ”

Apesar de tudo, Blum conseguiu vender cinco pinturas - a maioria para amigos, incluindo o ator Dennis Hopper. Mas antes mesmo de o show terminar, ele deu uma meia-volta abrupta. Percebendo que as pinturas funcionavam melhor como um conjunto completo, Blum comprou de volta as que havia vendido. Ele concordou em pagar a Warhol US $ 1.000 por todas as 32 pinturas, pagas em 10 meses. Warhol ficou emocionado - ele sempre pensou em "Latas de sopa Campbell" como um conjunto. Tanto para o artista quanto para o negociante, a decisão foi um movimento “astuto” que valeria a pena no futuro.

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Por que as pinturas se tornaram uma sensação tão grande?

Assim que o público e os críticos superaram o choque, eles gostaram das latas de sopa de Warhol. Por um lado, eles tornavam a arte divertida. Seria muito difícil entender uma pintura quando a original provavelmente estava na prateleira da cozinha? Os críticos começaram a ver o humor irônico e astuto nos "retratos" de Scotch Broth e Chicken Gumbo de Warhol. E a decisão de Blum de manter as pinturas juntas aumentou seu impacto.

A mostra na Ferus Gallery marcou uma virada na carreira de Warhol. Depois das "latas de sopa Campbell", Warhol mudou da pintura para a serigrafia, um processo que produziu resultados de aparência mais mecânica e permitiu que ele criasse várias versões de uma única obra. Sua reputação continuou a crescer. Em 1964, o preço pedido por uma única pintura de lata de sopa que não estava no cenário de Blum havia disparado para US $ 1.500, e as socialites de Nova York estavam usando vestidos de papel em uma lata de sopa impressa - feita sob medida pelo próprio Warhol - para inaugurações de galeria.

Não demorou muito para que a própria Campbell's Soups se juntasse à diversão. No final dos anos 1960, a empresa aderiu à moda então popular dos vestidos de papel, lançando o Vestido Souper, um pequeno número chique coberto com rótulos de sopa ao estilo Warhol. Cada vestido tinha três faixas douradas na parte inferior, para que o usuário pudesse cortar seu vestido no comprimento ideal sem cortar o padrão da lata de sopa. O preço: US $ 1 e dois rótulos de sopa Campbell’s.

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Hoje, as latas de sopa Warhol continuam sendo um ícone da cultura pop, aparecendo em tudo, de pratos e canecas a gravatas, camisetas, pranchas de surf e decks de skate. Uma das imagens mais impressionantes envolveu o próprio Warhol - a capa de maio de 1969 de Escudeiro a revista o mostrou se afogando em uma lata de sopa de tomate Campbell.

No final, as latas de sopa de Warhol foram reconhecidas como arte digna de um museu, por nada menos que o Museu de Arte Moderna. Em 1996, o museu comprou as 32 pinturas de Irving Blum por mais de US $ 15 milhões - um retorno de cair o queixo sobre seu investimento de US $ 1.000 em 1962. Até o vestido Souper foi declarado um clássico. Em 1995 - um ano antes de as pinturas irem para o MoMA - ela passou a fazer parte da coleção do Metropolitan Museum of Art.


Andy Warhol criou uma série de pinturas conhecidas como suas & # 39Piss Paintings & # 39

"Andy Warhol's Oxidação pinturas, talvez mais do que qualquer outra série de sua obra, incorporam um paradoxo impressionante: eles são ao mesmo tempo esteticamente ricos e alegremente transgressivos ", lê-se na descrição de As oxidações no site da casa de leilões de luxo Christie's. De acordo com o site, uma das pinturas, que apresenta um fundo acobreado interrompido por manchas verdes, foi vendida por cerca de US $ 1,9 milhão em 2008.

"Sua superfície oferece um deleite sensual em sua iridescência acobreada, e sua composição é animada por elegantes salpicos que irradiam para fora com energia visceral", continua a descrição do trabalho do Christie. "No entanto, o método de Warhol para alcançar essa rica abstração pictórica era notoriamente vil, o produto de Warhol e sua empresa urinando na tela revestida de cobre."

Em seu livro de 1989 The Andy Warhol Diaries, Warhol explicou que seu assistente, Ronny Cutrone, era o candidato ideal para contribuir com o fluido corporal. “Ele toma muita vitamina B, então a tela fica com uma cor muito bonita quando ele urina”, escreveu o artista.

O próprio Cutrone lembrou - conforme citado em Andy Warhol: The Late Work (via Christie's) - que o processo artístico para As oxidações "tornou-se quase uma espécie de performance." Ele acrescentou: "O estúdio se tornaria um banheiro, um mictório gigante".


Estilo da arte pop de Andy Warhol (c.1959-73)

NOTA:
Andy Warhol é agora considerado um dos maiores artistas pós-modernistas do século XX. Junto com Francis Bacon, suas obras estão entre as 10 pinturas mais caras do mundo, e sua contribuição para a arte americana não pode ser subestimada. Como a artista famosa do Arte pop movimento, ele - junto com o pintor Roy Lichtenstein, o escultor Claes Oldenburg e outros - redefiniu a arte contemporânea dos anos 1960 e 70. Seu serigrafia o retrato revitalizou o gênero da arte do retrato, tornando-o um dos retratistas mais inovadores do século XX.

Liz Taylor (1962) Retrato em serigrafia.
Um de uma série de
retratos de imagem por Andy Warhol de
a estrela de cinema. Essas obras classificam
entre as maiores pinturas de retratos
do século 20.

Green Car Crash (1963).
Uma das fotos do desastre de Warhol,
baseado em fotos policiais de acidente
vítimas da cena. Agora um dos
Top 20 pinturas mais caras.

PINTURA CONTEMPORÂNEA
Para outras fotos como essas
produzido por Andy Warhol, veja:
As maiores pinturas do século XX.

PINTORES MODERNOS
Para mais artistas como
Andy Warhol, veja:
Artistas modernos.

O entusiasmo de Andy Warhol pois a estética da televisão, as colunas dos jornais da sociedade e as revistas de fãs iam completamente contra o modelo europeu do lutador artista de vanguarda que os expressionistas abstratos seguiram. Warhol exigia riqueza e fama e considerava qualquer pessoa que as possuísse fascinante. Além disso, sua & quot paleta de batom e peróxido & quot é, como Adam Gopnik apontou (New Yorker, 10 de abril de 1989), & cota um sentido de cor totalmente original que faz todas as paletas americanas anteriores parecerem europeias. & Quot A negação de Warhol de qualquer a originalidade definia sua identidade artística, e o novo visual de suas pinturas - explorando as mais recentes técnicas de arte comercial - a validava.

Parte da habilidade única de Warhol residia em seu reconhecimento de que uma pessoa pode ser comunicada por meio da mídia de forma muito mais eficaz do que um objeto de arte, e ele tentou definir sua existência inteiramente no plano raso de imagens reproduzíveis. Em seu catálogo de exposição de 1968 para o Moderna Museet em Estocolmo, ele escreveu: & quotSe você quiser saber tudo sobre Andy Warhol, basta olhar para a superfície de minhas pinturas e aí estou. Não há nada mais. & Quot Do início dos anos 1960 até sua morte em 1987, Warhol habilmente fez uso do estilo e da mídia e, ao fazê-lo, expôs os valores superficiais da sociedade contemporânea com uma franqueza que era subversiva e muito à frente de seu tempo . Ele mostrou que toda fama é igual e basicamente sem sentido em um mundo de imagens em constante mudança, sua própria imagem pública pode ter sido irresistivelmente glamorosa, mas sua superficialidade também deixou um vazio emocional perturbador.

Nota: Outros artistas pop incluídos: Alex Katz (n.1927), Ray Johnson (1927-95), Tom Wesselmann (n.1931), James Rosenquist (n.1933), Jim Dine (n.1935) e Ed Ruscha ( b.1937).

Warhol nasceu perto de Pittsburgh em 1928 em uma família de imigrantes eslovacos da classe trabalhadora católica bizantina. Depois de se formar em design gráfico na Carnegie Tech em 1949, ele se mudou para um apartamento na cidade de Nova York com seu colega Philip Pearlstein (n.1924) e rapidamente obteve sucesso como artista comercial. Os desenhos de sapatos feitos por Warhol no New York Times para Miller and Co trouxeram-lhe elogios particulares e, em uma década, ele se tornou um dos artistas comerciais mais bem pagos da cidade, ganhando US $ 65.000 por ano. Warhol continuou sua carreira em artes gráficas até dezembro de 1962, mas desde o início ele tinha aspirações pessoais de se tornar um artista plástico de sucesso.

Estilisticamente, as tentativas de Warhol na arte na década de 1950 estavam intimamente relacionadas ao seu trabalho comercial em publicidade, e vários dos métodos e técnicas de sua prática de design comercial anteciparam aspectos de sua arte posterior. Por exemplo, ele organizou "festas coloridas" para produzir seus anúncios e delegou várias tarefas à sua mãe, táticas que ele repetiria mais tarde em seu uso extensivo de assistentes para fabricar suas obras de arte. Da mesma forma, sua técnica de desenhar - ou traçar imagens de revistas - no papel e depois transferi-las com tinta úmida para um fundo preparado foi repetido posteriormente em sua adoção da serigrafia.

Características da arte pop inicial de Warhol

Embora várias das práticas artísticas de Warhol da década de 1950 tenham persistido em seus trabalhos posteriores, dificilmente se pode dizer que levaram inevitavelmente à franqueza chocante com que ele repentinamente começou a adotar um estilo de arte comercial em sua pintura no final de 1959. Nem foi há qualquer precedente para sua apropriação radical do assunto diretamente da mídia para suas grandes pinturas de imagens de quadrinhos e anúncios de jornal (por exemplo, Campbells Soup Can, 1962). De acordo com Barry Blinderman (Modern Myths: An Interview with Andy Warhol, 1981), durante o início dos anos 60 Warhol usou um projetor para transcrever e ampliar suas fontes com precisão mecânica, e em suas declarações à imprensa fez questão de descartar qualquer originalidade em seu trabalhar. No entanto, ele abandonou os quadrinhos como tema a partir do momento em que encontrou as pinturas de quadrinhos de Roy Lichtenstein na Galeria Leo Castelli em 1961, revelando um forte instinto para a necessidade de criar um estilo original.

Tendo decidido o assunto - anúncios baratos, quadrinhos e manchetes de jornais tablóides baratos - Warhol brincou com vários estilos entre 1960 e 1962. Em algumas composições, ele transcreveu suas fontes de uma maneira solta, completa com gotas de tinta para dar-lhes o tipo de caráter expressivo encontrado na pintura de gestos. Ao mesmo tempo, ele criou outras imagens com bordas duras e precisas, um estilo frio e mecânico que ele acabou adotando, chamando-as de suas pinturas "sem comentários".

Warhol gostava das imagens entorpecentes e não seletivas produzidas em massa promovidas pela propaganda na mídia. Sua arte exprimia e exaltava a & quotação & quot da cultura de massa que os chamados intelectuais envolvidos no expressionismo abstrato abominavam. Em seu livro The Philosophy of Any Warhol (1975), ele disse que o que gostava na América era que seus consumidores mais ricos compram muitas das mesmas coisas que os mais pobres. & quotO presidente bebe Coca, Elvis bebe Coca - toda e qualquer pessoa bebe Coca. E nenhuma quantia de dinheiro pode comprar uma Coca melhor para alguém, porque todas as Cocas são iguais.

Mesmo assim, sua escolha de assuntos não foi aleatória ou arbitrária. Como Kynaston McShine revela em sua publicação Andy Warhol: A Retrospective (1989, MOMA, New York), muitas de suas primeiras imagens - & quotWigs & quot, & quotWhere Is Your Rupture? & Quot, & quotBefore and After & quot - sobre produtos que prometem melhorias corporais na postura, cabelo, e músculos maiores, refletem as inseguranças físicas de Warhol. Mesmo Superman e Popeye, que ele pintou em 1960-61, são personagens que passam por transformações físicas instantâneas. A interpretação de McShine é corroborada pelas tentativas de Warhol de melhorar sua aparência na década de 1950, usando uma peruca prateada e fazendo uma cirurgia plástica para remodelar o nariz em 1957.

Warhol não teve uma exposição de suas pinturas pop em Nova York até que Eleanor Ward as promoveu na Stable Gallery no outono de 1962, embora ele tenha pendurado algumas delas (por exemplo, Publicidade, Pequeno Rei, Superman, Antes e Depois, e Saturdays Popeye) como pano de fundo para os manequins da moda em uma exibição de loja de departamentos que ele organizou para Bonwit Teller em abril de 1961. Foi Irving Blum, da Ferus Gallery (Los Angeles), que lhe deu sua primeira exposição em uma galeria, no outono de 1962: uma instalação de trinta e duas latas de sopa Campbell, medindo 20 x 16 polegadas cada. Warhol, sempre atualizado com as últimas tendências, pode tê-los pintado como uma resposta às Painted Bronze Ale Cans (1960) de Jasper Johns, mas eles superaram a escultura de Johns na neutralidade branda de seu estado de produção em massa. As imagens são tão irresistivelmente o que são que não são latas de sopa, mas imagens, divorciando o & quotsignificador & quot do & quotsignificado & quot mais absolutamente do que quase qualquer pintura criada até então. Embora alguns dos desenhos de Warhol de latas de sopa ainda mantenham uma qualidade delicada e gestual até 1962, as trinta e duas latas não têm nenhum traço de gesto expressivo ou individualidade.

Silkscreens: eliminando o toque do artista

Warhol pintou as latas e as manchetes dos jornais de 1961 e 1962 à mão, mas no final de 1962 descobriu como transferir uma imagem fotograficamente para uma serigrafia e imediatamente mudou para essa técnica, eliminando todos os vestígios do toque do artista e produzindo uma imagem mais destacada mecanicamente foto. Além disso, ele passou a depender cada vez mais de assistentes para criar suas pinturas. Em junho de 1963, ele contratou Gerard Malanga para trabalhar em tempo integral nas pinturas em serigrafia e, gradualmente, outros assistentes se juntaram à folha de pagamento. Eles operavam como a equipe de um escritório de design gráfico. Quando Warhol começou a trabalhar em sua Marilyn Monroes, por exemplo, Malanga e Billy Name realizaram a maior parte do trabalho, como cortar coisas e organizar as telas, enquanto ele caminhava pelas fileiras fazendo perguntas como & quotQue cor você acha que seria legal? & Quot Warhol fez questão deliberada de seu não envolvimento, acreditando que outra pessoa deveria ser capaz de fazer todas as suas pinturas para ele. Ele alegou que a razão pela qual ele usou assistentes e trabalhou da maneira que ele fez foi porque ele queria ser uma máquina e criar uma aparência totalmente "neutra", desprovida de qualquer toque humano. No entanto, a verdade é que ele poderia facilmente ter terceirizado o trabalho se realmente quisesse um visual autenticamente comercial. Do jeito que estava, ele preferia incluir erros humanos ocasionais, como o desalinhamento das telas, a tinta desigual e as manchas intermitentes.

Marilyn Monroes Lips (1962, Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington DC) tem a aparência de uma tiragem imperfeita, onde a linha preta e a tela colorida não se encaixam perfeitamente e a qualidade da tinta varia muito. A repetição banal criada por processos comerciais de mercado de massa parece entrar em conflito com uma presença individual (embora passiva) tanto nesta pintura quanto em Gold Marilyn Monroe (1962, Museum of Modern Art, NY). A repetição dá às imagens uma aparência anônima e impassível, enquanto características específicas de cada unidade imperfeitamente fabricada conseguem se afirmar, criando uma dissonância incômoda entre a fachada mecânica e o sentido do indivíduo enterrado nela. Assim, tanto o observador quanto o artista são reduzidos a nada mais do que voyeurs passivos, experimentando a vida como uma linha de montagem de imagens produzidas em massa.

Estrelas de cinema e fotos de desastres: um vazio assustador

O número crescente de retratos de Marilyn Monroe, Liz Taylor e outras estrelas de cinema teve muito a ver com o entusiasmo de Warhol pelo glamour e brilho de Hollywood. Em Andy Warhol (1968), seu catálogo de exposições para o Moderna Museet em Estocolmo, ele afirmou: & quotAmo Hollywood. É lindo. Todo mundo é de plástico. Eu quero ser de plástico. ”Ele era o fã final, o consumidor final. No entanto, seu "Marilyn Monroes" também tem um lado sombrio. Eles foram feitos após o suicídio da atriz em agosto de 1962. Além disso, a repetição mecânica de seu retrato a faz parecer transparentemente superficial, negando-lhe qualquer senso de individualidade sob a imagem superficial. Constitui uma despersonalização assustadora de um ser humano e talvez reflita a imagem que o próprio artista tem de si mesmo. Ainda em 1975, por exemplo, ele escreveu: & quotAinda estou obcecado pela ideia de olhar no espelho e não ver ninguém, nada. & Quot.

Durante a cobertura da TV de uma tragédia nacional como o suicídio de Marilyn Monroe ou o assassinato e funeral de John F. Kennedy (todos os quais Warhol pintou obsessivamente), os mesmos videoclipes são reproduzidos continuamente por dias a fio. "Marilyns" de Warhol e outros retratos de múltiplas imagens têm a mesma repetição anestesiante.

Em 1963, Warhol começou a trabalhar em uma série de desastres - por exemplo, Saturday Disaster (1964, Rose Art Museum, Brandeis University - que desenvolveu ainda mais a qualidade mórbida dos & quotMaryns & quot ;. , a cadeira elétrica e a bomba atômica. Ele reproduziu as imagens em uma variedade de cores e padrões decorativos. Essas imagens são perturbadoras não só por sua horripilante clareza, mas também porque o distanciamento de Warhol sugere uma despersonalização horrível: um vazio emocional refletindo o alienação da vida nos anos sessenta.

Em 1962 e 1963 Warhol criou vários retratos do artista neo-Dada Robert Rauschenberg, a quem reverenciou por ter saído da pobreza para a fama. Em certo sentido, o exemplo de Rauschenberg exemplifica a célebre afirmação de Warhol de que 'no futuro todos serão mundialmente famosos por quinze minutos'. Warhol sentiu-se muito atraído pela noção de celebridade como uma espécie de produto de consumo que qualquer pessoa pode possuir.

No final de 1963, o estúdio Warhol foi transferido para uma antiga fábrica na rua Quarenta e sete Leste. "The Factory", como veio a ser conhecida, evoluiu gradativamente para um lugar repleto de personalidades da moda chiques e outras "pessoas bonitas", drag queens, junto com membros da música underground, muitos deles ocupados com drogas e / ou comportamento bizarro. Warhol, ao que parecia, precisava ser cercado tanto por estranhezas quanto por artistas, por decadência e libertinagem, assim como por belas-artes. De qualquer forma, Warhol ainda produzia em 1964. De fato, olhando para trás, muitos críticos de arte ainda estão convencidos de que a importante obra de Warhol data de 1960 a 1964.

Em 1965, a fama crescente de Warhol estava atraindo outras celebridades de Nova York, que queriam ver e ser vistas no The Factory. Ao mesmo tempo, a mídia perseguia Warhol, enquanto visitantes e parasitas disputavam sua atenção. Durante o outono de 1965, na abertura da exposição de Warhol no Instituto de Arte Contemporânea da Filadélfia, quatro mil pessoas se acomodaram em duas pequenas salas e a equipe teve que remover as pinturas das paredes por segurança. Foi uma exposição de arte sem arte!

“Eu me perguntei o que teria feito todas aquelas pessoas gritarem”, Warhol lembrou mais tarde, no livro Popism (1980, Warhol & amp Hackett). “Foi incrível pensar nisso acontecendo em uma inauguração de arte. Mas então, não estávamos apenas na exposição de arte - éramos a exposição de arte. & Quot

Em 1966, a multidão da Factory começou a se reunir à noite em um restaurante na Union Square conhecido como Max's Kansas City. Era popular entre artistas e escritores e seus quartos nos fundos abrigavam um circo de exibicionismo, drogas e sexualidade. Entre os visitantes famosos estavam Truman Capote, Bobby Kennedy, junto com figuras influentes do estabelecimento da cidade, bem como seu metrô. Mas Warhol continuou sendo o catalisador: a presença que inspirava ou provocava passivamente as pessoas a viverem suas fantasias, enquanto ele assistia ou tirava fotos.

Uma das galerias de arte pós-modernista mais prestigiadas de Nova York era propriedade de Leo Castelli. Warhol sempre quis ter um show solo lá (Roy Lichtenstein tinha feito um lá em 1962), e Castelli finalmente deu-lhe um em 1964. Seu primeiro show, foi do & quotFlowers & quot, no qual Warhol se afastou ainda mais do naturalismo em sua paleta - não que suas obras anteriores fossem, em qualquer sentido forte, naturalista, mas ele tendia a usar uma escala de valores que correspondia à natureza ou uma escala mais artificial com pelo menos uma semelhança residual. A partir de 1964, ele começou a incorporar cores totalmente não naturalistas em sua paleta: por exemplo, pintando & quotCampbell's Soup Cans & quot turquesa e rosa em vez de vermelho e branco e criando & quotSelf Portraits & quot em vários tons com um rosto azul e cabelo amarelo.

Em 1966, tendo se tornado a principal celebridade da arte de Nova York dos anos 60, com uma exposição na galeria mais badalada, Warhol estava ficando entediado com a pintura e praticamente parou, preferindo se concentrar na promoção de uma performance psicodélica e multimídia chamada & quotThe Exploding Plastic Inevitable , & quot com a banda de rock Velvet Underground. Ele também se voltou cada vez mais para o cinema, filmando The Chelsea Girls (1966), o primeiro filme underground financeiramente bem-sucedido, embora extremamente chato. Isso foi seguido por uma série de filmes terríveis que falharam totalmente em justificar seu faturamento artístico. Isso não foi surpresa, já que seus primeiros filmes eram intransigentemente warholescos em sua passividade. Tudo o que ele fez foi simplesmente apontar a câmera para alguém e deixá-la rodar, não havia trilha sonora, como em seu filme sem ação de 6 horas intitulado Sleep (1963). Em Eat (1963), a câmera foca continuamente por 45 minutos no artista pop Robert Indiana enquanto ele devora um cogumelo. Em Empire (1964), a câmera focaliza rigidamente por 8 horas no topo do Empire State Building.

Em 1967, The Factory mudou-se para o número 33 da Union Square West e a cena ficou cada vez mais estranha até junho de 1968, quando Warhol foi baleado e gravemente ferido por uma groupie Valerie Solanas, que teve uma pequena participação em um de seus filmes. A atmosfera de carnaval terminou abruptamente. Warhol foi declarado morto na mesa de operação, mas felizmente reviveu. Depois de passar 8 semanas no hospital, ele voltou para a fábrica um homem assustado. Apesar do medo de perder a criatividade sem o estímulo do caos carnavalesco ao seu redor, o acesso ao estúdio foi mais restrito. The Factory concentrava-se na produção em massa de arte que vendesse: isto é, souvenirs comerciais da vanguarda que Warhol chamou de & quotBusiness Art.

Na verdade, as obras de arte de Warhol eram produzidas usando métodos de linha de montagem desde 1963 - em meados dos anos 60, a fábrica fabricava até 80 pinturas em serigrafia por dia e, em determinado momento, um filme por semana. De qualquer forma, em meados de 1969, as belas-artes de Warhol haviam praticamente secado. Como Brigid Polk, uma das assistentes de estúdio de Warhol, foi citada como tendo dito: “Eu tenho feito tudo isso há um ano e meio. Andy não faz mais arte. Ele está entediado com isso. ”Em grande parte, era verdade. Warhol havia voltado sua atenção para outras empresas, como a Interview, sua revista de fofocas da alta sociedade.

Durante o início dos anos 1970, Warhol reacendeu seu interesse pela pintura com uma série de retratos da sociedade e fotos do líder comunista chinês Mao Zedong - por exemplo. Mao (1973, Art Institute of Chicago). A essa altura, Warhol havia se tornado uma celebridade-artista internacionalmente conhecida - o artista mais falado depois de Picasso e um convidado regular em ocasiões sociais e eventos culturais de primeira linha. À medida que o jogo final do Vietnã começou a se desenrolar, junto com as revelações políticas e criminais de Watergate, tanto os muito ricos quanto o movimento de protesto da contracultura se preocuparam com os símbolos. As pinturas de Warhol do presidente Mao divertiam colecionadores de arte ricos e, ao mesmo tempo, confirmavam a ascensão do capitalismo ocidental ao transformar o campeão icônico da revolução mundial em um produto de consumo para os ricos.

Mais pinturas de retratos apareceram. Na verdade, os retratos em serigrafia da sociedade de Warhol dos anos setenta revitalizaram o gênero da arte do retrato. Muitos foram impressos em solos preparados de pinceladas texturais em um formato padrão de dois painéis de 40 x 40 polegadas, e muitos dos temas assumiram a aparência de objetos de plástico adimensionais.

Nos anos setenta e oitenta, Warhol assumiu mais comissões de publicidade e design. Ele mesmo se tornou um produto de consumo, quando foi apresentado no catálogo de Natal de 1986 da Neiman-Marcus: anunciava uma sessão de retratos com Warhol a um custo de $ 35.000. A associação cada vez mais intensa de Warhol com status e dinheiro explorou a superficialidade e o materialismo da cultura de consumo americana nos anos 70 e 80, quando os indivíduos em toda parte começaram a se sentir mais alienados com a irrealidade da vida. Como o próprio artista admitiu: "Não sei onde termina o artificial e começa o real". Triste confissão do sumo sacerdote da pop art, que fez carreira revelando a "verdade" sobre a sociedade moderna.

Pinturas e desenhos de arte pop de Andy Warhol podem ser vistos em muitas das melhores galerias de arte contemporânea do mundo e nos melhores museus de arte ao redor do mundo.

& # 149 Para biografias de outros artistas modernos, consulte: Pintores famosos.
& # 149 Para mais detalhes sobre pintura, consulte: Página inicial.


Campbell & # 39s é uma das empresas mais sustentáveis ​​do mundo

Se você está tentando fazer escolhas mais responsáveis ​​no que diz respeito aos hábitos de compra de sua família, pode ter certeza de sua escolha de comprar os produtos Campbell - basta ler a mídia e a empresa de pesquisa Corporate Knights.

Em 2019, eles nomearam a sopa Campbell's para sua lista anual das 100 corporações mais sustentáveis ​​do mundo. Isso é impressionante, e mais impressionante é que eles foram uma das 22 únicas empresas americanas a fazerem parte da lista, e foram apenas uma das duas empresas de alimentos com sede nos Estados Unidos. (O outro era McCormick.)

Também está longe de ser o único prêmio deles. Depois de serem reconhecidos pela Revista de Responsabilidade Corporativa pelo oitavo ano consecutivo, Forbes conversou com Dave Stangis, vice-presidente de responsabilidade corporativa e diretor de sustentabilidade da Campbell. De acordo com ele, havia muita coisa acontecendo em 2018 - eles estavam trabalhando para mudar mais sua empresa para energias renováveis, aumentando a quantidade de reciclagem que eles fazem, e eles estavam fazendo tudo de acordo com uma meta que haviam estabelecido 2010 - reduzir sua pegada ambiental pela metade, até 2020. Ao abordar as metas impressionantes da Campbell, Stangis disse o seguinte: "[.] Encontre seus princípios e decida o que você defende. É muito mais produtivo defender o que você faz em vez de argumentar por coisas que você é contra. "


Por que Andy Warhol & # 039s Campbell & # 039s Soup são famosos?

As the name suggests, Andy Warhol&rsquos Campbell's Soup is not a soup variety, but an art piece. It is a collection of 32 different 20x16 inches canvases, each of which is a painting of a can of Campbells soup in different colors. At first sight, you will not feel anything special about them, and all of them look very much the same. But when you take a close look at their names, each represents a different soup variety available at that time. They were created in 1962 by Andy Warhol, who was a successful painter, author, film director and painter. He showed this creation in the Ferus Gallery, Los Angeles, California, and marked the beginning of Pop Art in the West Coast. Read this oneHOWTO article to find out why is Andy Warhol's Campbell's Soup famous?


Why Did Andy Warhol Paint Soup Cans?

Known to be his most iconic work of all time, the ‘ 32 Campbell’s Soup Cans ’ from 1962 is still being enjoyed by museum visitors today, at the MoMA in New York. It was known that when reflecting back on his career, Warhol claimed that this piece was his favourite work , and that “I should have just done the Campbell’s Soups and kept on doing them… because everybody only does one painting anyway.”

Many stories say that Warhol’s choice to paint soup cans reflected on his own devotion to Campbell’s soup as a customer. Robert Indiana once said , “I knew Andy very well. The reason he painted soup cans is that he liked soup.”

Warhol was thought to have focused on them because they composed a daily dietary staple. Others said Campbell’s was a brand “close to his heart”.

Regardless of the reason why Warhol decided to focus on Campbell’s soup, this piece of art certainly brought him the attention and fame that lives on today.


Andy Warhol: A Lot More than Soup Cans

Bruce Chadwick lectures on history and film at Rutgers University in New Jersey. He also teaches writing at New Jersey City University. He holds his PhD from Rutgers and was a former editor for the New York Daily News. Mr. Chadwick can be reached at [email protected]

A month ago, I watched a television program that covered, briefly, the art of pop icon Andy Warhol, he of all the Campbell&rsquos Soup cans. The narrator said that Warhol had passed into history and that young people today probably had no idea who he was.

I was startled. Young people did not know who the thin man with the white hair was, the man who hung out with Liz Taylor, Liza Minelli, dress designer Halston and the Jaggers? The man who painted the famous Mao portrait? Truman Capote&rsquos buddy?

I&rsquom a professor, so the next day I asked my classes, 25 students in each, if they knew who Andy Warhol was. I didn&rsquot say artist or painter Andy Warhol, just Andy Warhol.

The hands shot into the air. About 95% of them knew who he was.

Andy Warhol will never pass from the scene. That is proven, conclusively, in the largest exhibit of his work in generations at the Whitney Museum, in New York, Andy Warhol &ndash From A to B and Back Again. It is a marvelous and exciting tribute to his work and is attracting huge crowds.

The crowds are not art aficionados from the 1960s, either, but young women with baby carriages, high school student groups, young couples and foreign tourists. Warhol was an international celebrity and a celebrity superstar in addition to being a memorable artist, and, these crowds indicate, always will be remembered.

&ldquoModern art history is full of trailblazers whose impact dims over time,&rdquo said Curator Scott Rothkopf. &ldquoBut Warhol is that extremely rare case of an artist whose legacy grows only more potent and lasting. His inescapable example continues to inspire, awe and even vex new generations of artists and audiences with each passing year.&rdquo

Another curator, Donna De Salvo, said the originally Avant Garde Warhol has become part of mainstream art. &ldquoWarhol produced images that are now so familiar that it&rsquos easy to forget how just how unsettling and even shocking they were when they debuted,&rdquo she said.

Warhol really became famous not so much because of his new age art, but because of his celebrity. He was friends with many of the biggest entertainment stars in the world, was a fixture at legendary New York nightclub Studio 54 in the 1980s, paled around with fashion designer Halston, drank wine with Liza Minelli and lunched with Liz Taylor. He was almost murdered in 1968 when an irate actress from his film studio, the Factory, shot him several times. The shooting made front page news all over the world. He was a central character in the movie Factory Girl, about Edie Sedgwick, one of his Factory actresses.

Everybody recognized him instantly since he wore those thick glasses and had that mop top of dyed white hair. That fame was why people paid so much attention to his often-bizarre work. Some said that the quiet boy from Pittsburgh, who fell in love with Shirley Temple as a kid created a unique persona of himself that worked well.

The Warhol exhibit, a real achievement in cultural history, occupies all of the fifth floor at the Whitney plus additional galleries on the first and third floors. The best way to start is on the first floor and the gallery of his oversized portraits. They are mounted in log rows across the walls of the room and they introduce you to Andy the celebrity and Andy the artist at the same time. The portraits also tell you a lot about show business and art history in the 1960s and &lsquo70s. There are lots of famous people on the walls here, like Liza Minelli, Dennis Hopper, soccer star Pele, socialite Jane Holzer and Halston, but lots of people you never heard of, too.

The third-floor houses wall after wall of his famous &ldquoCow Wallpaper,&rdquo adorned with hundreds of similar heads of a brown cow. It is eye-opening and hilarious.

Another room has a stack of his popular blue and white Brillo pad boxes and a wall full of S & H Green Stamps (remember them?)

There are his paintings of magazine covers and lots of newspaper front pagers (an eerie one about a 1962 Air France plane crash).

You learn a lot about his personal life. As an example, as a young man he became a fan of Truman Capote, who wrote Breakfast at Tiffany&rsquos and called him every single day.

There are drawings of celebrity&rsquos shoes to show how they represented their personalities. Christine Jorgensen was one of the first modern openly transgender women, so she has shoes that don&rsquot match each other.

Unknown to most, he loved to do paintings of paintings of comic strip characters. Two in the exhibit, of Superman and Dick Tracy, in blazing bright colors, were displayed in a New York City department store window.

What makes the exhibit so enjoyable at the Whitney Museum, recently opened on Gansevoort Street near the Hudson River, is the way the curators use its space. Unlike most museum exhibits, where everything is scrunched together, the curators used the large, high ceilinged rooms wisely, putting the 350 Warhol pieces, especially the very large ones (some are thirty feet wide) alone on the pristine white walls so they jump off the wall at you. You go around one corner and there is Elvis Presley as a gunslinger in four separate portraits firing one of his six-guns. Next to him is Marlon Brando in a leather jacket and on his motorcycle.

There are weird walls of photos such as most wanted criminals he drew from photos in a New York State Booklet, &ldquo13 Most Wanted Men.&rsquo There is a series of his copies of Leonardo da Vinci&rsquos Mona Lisa and then his copy of his copy.

He did inspirational photos and silkscreens. A woman named Ethel Sculls CHEC arrived at his studio one day for what she thought would be a traditional portrait. Instead, Warhol took her to Times Square and had her sit for dozens of photos in the cheapie photo booths there, where all the going-steady high school kids went. The result &ndash a sensational wall of photos of her in different giddy and seductive poses. Brilliant.

There are photos of Jackie Kennedy Onassis. One set is of her smiling on the morning before her husband&rsquos murder and then, in the next strip, is her, somber, at the President&rsquos funeral. There is a wall full of his famous photo of Marilyn Monroe. There is a world famous, mammoth, and I mean mammoth, portrait of China&rsquos Chairman Mao. One wall is filled with his fabled Campbell&rsquos soup can paintings and another with his Coca Cola works.

Sprinkled among all of these paintings are real life photos and videos of Warhol at work.

There is a large television set on the third floor in which you see a truly bizarre video of Warhol simply eating a cheeseburger for lunch (he&rsquos doing to get sick eating so fast!)

Warhol was also a well-known Avant Garde filmmaker and the museum is presenting dozens of his 16mm movies in a film festival in its third-floor theater. Some of these star the famous Ed Sedgwick, who appeared in many of his films and died tragically of a drug overdose.

Andy Warhol, who died at the age of 58 during a minor operation, led a simple middle-class existence until he arrived in New York. He was born in 1928 in Pittsburgh, was graduated from Carnegie-Mellon University there and then went to New York where he became well-known. He began his career as a commercial artist, earning money for drawings for magazine ads (dozens of them are in the show).

He became famous for his portraits of Campbell&rsquos Soup cans. He painted them because as a kid his family was so poor that he and his brothers had Campbells Soup for lunch every day. Warhol said he had Campbell&rsquos soup for lunch every day for 20 years. He also saw the soup can as a window into America. Ele estava certo.

The exhibit is a large open window on American history and culture in the 1960s and &lsquo70s and how the outlandish Warhol starred in it and, with his genius, changed it.


The fascinating story behind Andy Warhol's soup cans

On the show's opening night a rival dealer offered soup cans cheaper in his gallery, Warhol's own gallerist bought back the five he'd sold, including one from Dennis Hopper, then offered to buy entire set from Andy for just $3,000

To celebrate the day of Andy Warhol's birth (he was born this day in 1928) we thought it would be an opportune moment to look back at the story behind one of his most iconic works, 32 Campbell's Soup Cans from 1962. There's a fascinating story about the work in our Phaidon Focus iBook for Mac and iPad and it's also featured in our peerless Andy Warhol Catalogue Raisonné.

Reflecting on his career, Warhol claimed that the Campbell’s Soup Can was his favourite work and that, "I should have just done the Campbell’s Soups and kept on doing them . because everybody only does one painting anyway." Certainly, it is the signature image of the artist’s career and a key transitional work from his hand-painted to photo-transferred paintings. Created during the year that Pop Art emerged as the major new artistic movement, two of his soup can paintings were included in the landmark Sidney Janis Gallery exhibition, ‘The New Realists’.

In the spring of 1962, Warhol had been working on his new renditions of ads and comic strips when he saw Roy Lichtenstein’s comic-strip paintings at Leo Castelli Gallery. Soliciting suggestions for subjects to paint, he asked a friend, who suggested he choose something that everybody recognised like Campbell’s Soup. In a flash of inspiration he bought cans from the store and began to trace projections onto canvas, tightly painting within the outlines to resemble the appearance of the original offset lithograph labels. Instead of the dripping paint in his previous ads and comics, here Warhol sought the precision of mechanical reproduction. At this time he received a return studio visit from Irving Blum of Ferus Gallery, Los Angeles, who was expecting to see comic-strip paintings and was surprised by the new soup cans, immediately offering the artist a show that summer. Expanding his subject, he decided to paint one of each of the thirty-two varieties of Campbell’s soups. Blum exhibited the cans on shelves running the length of his gallery.

The exhibition caused a mild sensation in Los Angeles. The more daring members of the youthful art and film community were intrigued by their novelty. Most people, however, treated them with indifference or outright disdain. A nearby art dealer parodied the show by displaying a stack of soup cans, advertising that you could get them cheaper in his gallery. Blum had sold five of the paintings before he recognised that the group functioned best as a single work of art. He bought back the works already purchased, including one from Dennis Hopper, then offered to buy the set from Warhol in instalments for the modest sum of $3,000.

With his Campbell’s Soup Cans installation at Ferus Gallery, the artist realised the possibility of creating works in series, and the visual effect of serial imagery. He continued making variations on his Soup Cans, stencilling multiple cans within a single canvas and so amplifying the effect of products stacked in a grocery store, an idea that he would later develop in the box sculptures. He also realised that the serial repetition of an image drained it of its meaning, an interesting phenomenon most poignantly presented in his Disasters, in which the constant exposure to their graphic displays of violence numbs the senses. And, perhaps the most significant outcome of this series was the artist’s push towards printing to achieve the mechanical appearance that he sought in his paintings.

If that little passage has intrigued you you can order Andy Warhol here in print or here in iBook format for Mac and iPad and check out the other artists in the Focus series here.


Campbell's Soup Cans

Campbell's Soup Cans, which is sometimes referred to as 32 Campbell's Soup Cans, is a work of art produced in 1962 by Andy Warhol. It consists of thirty-two canvases, each measuring 20 inches (51 cm) in height × 16 inches (41 cm) in width and each consisting of a painting of a Campbell's Soup can—one of each of the canned soup varieties the company offered at the time. The individual paintings were produced by a printmaking method—the semi-mechanized screen printing process, using a non-painterly style. Campbell's Soup Cans' reliance on themes from popular culture helped to usher in pop art as a major art movement in the United States.

Warhol, a commercial illustrator who became a successful author, publisher, painter, and film director, showed the work on July 9, 1962, in his first one-man gallery exhibition as a fine artist in the Ferus Gallery of Los Angeles, California. The exhibition marked the West Coast debut of pop art. The combination of the semi-mechanized process, the non-painterly style, and the commercial subject initially caused offense, as the work's blatantly mundane commercialism represented a direct affront to the technique and philosophy of abstract expressionism. In the United States the abstract expressionism art movement was dominant during the post-war period, and it held not only to "fine art" values and aesthetics but also to a mystical inclination. This controversy led to a great deal of debate about the merits and ethics of such work. Warhol's motives as an artist were questioned, and they continue to be topical to this day. The large public commotion helped transform Warhol from being an accomplished 1950s commercial illustrator to a notable fine artist, and it helped distinguish him from other rising pop artists. Although commercial demand for his paintings was not immediate, Warhol's association with the subject led to his name becoming synonymous with the Campbell's Soup Can paintings.

Warhol subsequently produced a wide variety of art works depicting Campbell's Soup cans during three distinct phases of his career, and he produced other works using a variety of images from the world of commerce and mass media. Today, the Campbell's Soup cans theme is generally used in reference to the original set of paintings as well as the later Warhol drawings and paintings depicting Campbell's Soup cans. Because of the eventual popularity of the entire series of similarly themed works, Warhol's reputation grew to the point where he was not only the most-renowned American pop art artist, but also the highest-priced living American artist.

Warhol arrived in New York City in 1949, directly from the School of Fine Arts at Carnegie Institute of Technology. He quickly achieved success as a commercial illustrator, and his first published drawing appeared in the Summer 1949 issue of Glamour Magazine. In 1952, he had his first art gallery show at the Bodley Gallery with a display of Truman Capote-inspired works. By 1955, he was tracing photographs borrowed from the New York Public Library's photo collection with the hired assistance of Nathan Gluck, and reproducing them with a process he had developed earlier as a collegian at Carnegie Tech. His process, which foreshadowed his later work, involved pressing wet ink illustrations against adjoining paper. During the 1950s, he had regular showings of his drawings, and exhibited at the Museum of Modern Art (Recent Drawings, 1956).

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Enquanto estiver tocando no verão, não se esqueça de lembrar a importância do que temos para oferecer.

Casa dos livres por causa dos bravos.

"A bandeira americana não voa porque o vento a move. Ela voa do último suspiro de cada soldado que morreu protegendo-a."

Atualmente, na América, temos mais de 1,4 milhão de bravos homens e mulheres ativamente alistados nas forças armadas para proteger e servir nosso país.

Atualmente, há um aumento na taxa de 2,4 milhões de aposentados do exército dos EUA

Aproximadamente, houve mais de 3,4 milhões de mortes de soldados lutando em guerras.

Todos os anos, todos anseiam pelo fim de semana do Memorial Day, um fim de semana em que as praias ficam superlotadas, as pessoas acendem churrasqueiras para um churrasco ensolarado e divertido, simplesmente um aumento nas atividades de verão, como um "pré-jogo" antes do início do verão.

Muitos americanos se esqueceram da verdadeira definição de por que temos o privilégio de comemorar o Dia da Memória.

Em termos simples, o Memorial Day é um dia para fazer uma pausa, lembrar, refletir e honrar os caídos que morreram protegendo e servindo por tudo que somos livres para fazer hoje.

Obrigado por dar um passo à frente, quando a maioria teria dado um passo para trás.

Obrigado pelos tempos que faltaram com suas famílias, a fim de proteger a minha.

Obrigado por se envolver, sabendo que teria que confiar na fé e nas orações de outros para sua própria proteção.

Obrigado por ser tão altruísta e por colocar sua vida em risco para proteger os outros, embora não os conhecesse.

Obrigado por resistir e ser um voluntário para nos representar.

Obrigado pela sua dedicação e diligência.

Sem você, não teríamos a liberdade que nos é concedida agora.

Rezo para que você nunca receba essa bandeira dobrada. A bandeira está dobrada para representar as treze colônias originais dos Estados Unidos. Cada dobra carrega seu próprio significado. Segundo a descrição, algumas dobras simbolizam liberdade, vida ou homenageiam mães, pais e filhos de quem serve nas Forças Armadas.

Enquanto você viver, ore continuamente por aquelas famílias que receberam essa bandeira como alguém que acabou de perder a mãe, o marido, a filha, o filho, o pai, a esposa ou um amigo. Cada pessoa significa algo para alguém.

A maioria dos americanos nunca lutou em uma guerra. Eles nunca amarraram suas botas e entraram em combate. Eles não precisaram se preocupar em sobreviver até o dia seguinte, quando os tiros dispararam ao seu redor. A maioria dos americanos não sabe como é essa experiência.

No entanto, alguns americanos lutam por nosso país todos os dias. Precisamos agradecer e lembrar esses americanos porque eles lutam por nosso país enquanto o resto de nós fica seguro em casa e longe da zona de guerra.

Nunca dê como certo que você está aqui porque alguém lutou para que você estivesse aqui e nunca se esqueça das pessoas que morreram porque deram esse direito a você.

Então, enquanto você está comemorando este fim de semana, beba para aqueles que não estão conosco hoje e não se esqueça da verdadeira definição de por que celebramos o Dia da Memória todos os anos.

"... E se as palavras não podem pagar a dívida que devemos a esses homens, certamente com nossas ações devemos nos esforçar para manter a fé com eles e com a visão que os levou à batalha e ao sacrifício final."


Assista o vídeo: AGO Andy Warhol Exhibition2021. Art Gallery of Ontario. 4K Toronto Museum Virtual Walk