Figura Pintada com Lira

Figura Pintada com Lira


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.


Conteúdo

RETRATO

Retrato de Baldassare Castiglione
(1514-15) Louvre, Paris. Um de
as maiores pinturas de retratos de
o gênio da Alta Renascença, Rafael.

As pinturas são tradicionalmente divididas em cinco categorias ou 'gêneros'. O estabelecimento desses gêneros e seu status relativo em relação uns aos outros, decorre da filosofia das artes promovida pelas grandes Academias Européias de Belas Artes, como a Royal Academy de Londres, e a influente Academia Francesa de Belas Artes (Academie des Beaux-Arts).

As cinco categorias de pintura de belas-artes, listadas em ordem de classificação oficial ou importância, são as seguintes:

1. Pintura de História
Obra religiosa, histórica ou alegórica, com mensagem moral.
2. Arte do retrato
Inclui retratos individuais, de grupo ou autorretratos.
3. Pintura de gênero
Cenas da vida cotidiana.
4. Pintura de paisagem
Pinturas cujo diretor o conteúdo é uma visão panorâmica.
5. Natureza morta pintura
Um arranjo de objetos domésticos ou itens de uso diário.

PANORAMA

Lower Norwood under Snow (1870) National Gallery, Londres.
Camille Pissarro. Um dos famosos
Pinturas impressionistas de paisagens de
a Escola Francesa do século XIX.

AINDA VIDA

Buquê de flores (1884)
Por Ivan Kramskoy.
Galeria Tretyakov, Moscou.
Uma das grandes naturezas mortas de
Pintura russa do século XIX.

Por que as pinturas foram classificadas?

Essa 'hierarquia de gêneros' foi adotada como a agenda principal para a 'arte acadêmica' porque refletia os valores da Renascença italiana sobre o que era o 'melhor' ou 'mais nobre' tipo de arte. Na Itália, onde uma grande quantidade de arte foi encomendada pela Igreja para exibição pública dentro das igrejas, pinturas em grande escala com uma mensagem moral ou edificante foram consideradas a forma mais elevada de arte. Considerando que a paisagem e as naturezas mortas normalmente não continham humanos e, portanto, nenhuma mensagem moral.

Este sistema de classificação do Renascimento, que formou a base da & quotacadêmica arte & quot oficial ensinada nas academias de belas-artes europeias e posteriormente americanas, não foi seriamente desafiado até o século 19, apesar do fato de que os Velhos Mestres do Norte da Europa (ou seja, aqueles que vivem na Flandres, Holanda, Alemanha, Grã-Bretanha e Escandinávia) desenvolveram tradições e métodos de pintura bastante diferentes daqueles da Itália e da Espanha. Por exemplo, de 1520 em diante, o norte da Europa rejeitou Roma e, em vez disso, adotou a fé protestante. E uma vez que os líderes religiosos protestantes rejeitaram totalmente a ideia de decorar suas igrejas com obras de arte caras, os artistas do Norte foram forçados a recorrer a patronos da classe média, que queriam pinturas em pequena escala - retratos e naturezas mortas, bem como pinturas de gênero - para pendurar em suas casas.

Essa mudança foi ainda mais encorajada pelo fato de que o clima do norte da Europa, sendo mais úmido, era menos adequado para afrescos e mais adequado para pinturas a óleo, que era o meio ideal para o estilo de arte detalhado do realismo holandês.

A principal razão pela qual o sistema de classificação se tornou tão impopular entre os artistas durante o século 19 foi a forma como o sistema foi aplicado. Academias (notadamente a Academia Francesa) eram instituições conservadoras que seguiam práticas de ensino rígidas e imutáveis ​​e insistiam que todos os artistas seguissem um conjunto detalhado de convenções (relacionadas ao tema, composição, cores, acabamento etc.) ao criar uma obra de arte. As penalidades para os não conformes incluíam a exclusão do & quotSalon & quot anual da Academia, um destino que tornou impossível seguir a carreira de artista. Além disso, essa abordagem inflexível da estética não fez concessões a novos movimentos, como o Romantismo ou o Realismo, ou ao desenvolvimento de gêneros como a pintura de paisagem e de gênero. Em meados do século 19, o debate grassou entre os defensores da arte acadêmica tradicionalista e seus críticos de mente mais aberta.

Pinturas famosas em cada categoria

Tradicionalmente o mais respeitado de todos os gêneros, & quotpintura de história& quot não se limita a imagens que retratam 'cenas históricas'. O termo deriva da palavra italiana & quotistoria & quot, que significa narrativa (história), e se refere a pinturas que mostram os atos exemplares e as lutas de figuras morais. Inclui imagens cristãs envolvendo figuras bíblicas, bem como pinturas mitológicas envolvendo divindades míticas ou pagãs e figuras históricas da vida real. As pinturas históricas - tradicionalmente obras públicas em grande escala - visam elevar a moral da comunidade.

Pinturas de História Famosa

Duccio di Buoninsegna (c.1255-1319)

Strogonoff Madonna and Child (1300)
Têmpera e ouro sobre madeira, Metropolitan Museum of New York.
Retábulo de Maesta (1308-1311)
Têmpera e ouro sobre madeira, Museu da Catedral de Siena.

Afrescos da capela Scrovegni (c.1303-10)
Pintura a fresco, Cappella degli Scrovegni, Pádua.
- A Traição de Cristo (Beijo de Judas) (1305)
- Lamentação de cristo (1305)

Robert Campin (c.1378-1444)

Seilern Triptych (1410)
Óleos / folha de ouro no painel, Courtauld Institute, Londres.
Retábulo Merode (c.1425)
Óleo sobre painel, Cloisters, Metropolitan Museum of Art de Nova York.

Irmãos Limbourg (fl.1390-1416)

Tres Riches Heures du Duc de Berry (1413)
Guache em velino, Musee Conde, Chantilly.

Jan Van Eyck (1390-1441)

Retábulo de Gante (1425-32)
Óleo sobre madeira, Catedral de St Bavo, Ghent.

Paolo Uccello (1397-1475)

Batalha de San Romano (1438-55) (HISTÓRICO)
Têmpera em painel, National Gallery London Uffizi Florence Louvre Paris.

Tommaso Masaccio (1401-28)

Afrescos da Capela Brancacci (1424-8)
Pintura a fresco, Santa Maria del Carmine, Florença.
Santíssima Trindade (1428)
Pintura a fresco, Santa Maria Novella, Florença.

Piero Della Francesca (1415-92)

Flagelação de cristo (1450-60)
Têmpera no painel, Galleria Nazionale delle Marche, Urbino.

Andrea Mantegna (1431-1506)

Lamentação sobre o Cristo Morto (c.1470-80)
Têmpera sobre painel, Pinacoteca di Brera, Milão.

Hans Memling (c.1433-94)

Tríptico do Último Julgamento (1471)
Óleo sobre painel, Muzeum Narodowe, Gdansk.
Donne Triptych (1480)
Óleo sobre painel, National Gallery, Londres.

Hugo Van Der Goes (1440-1482)

Retábulo de Portinari (1479)
Óleo sobre madeira, Galeria Uffizi, Florença.

Sandro Botticelli (1445-1510)

La Primavera (1483) (pintura alegórica)
Têmpera em painel de álamo, Uffizi, Florença.
Nascimento de Vênus (1486) (pintura alegórica)
Têmpera sobre tela, Uffizi, Florença.

Leonardo da Vinci (1452-1519)

Virgem das Rochas (1483-5)
Óleo sobre painel, Louvre, Paris.
A última Ceia (1495 e # 15098) (Il Cenacolo ou L'Ultima Cena)
Técnica mista / óleo e têmpera, Convento de Santa Maria delle Grazie, Milan.

Matthias Grunewald (c.1475-1528)

O Retábulo de Isenheim (c.1515)
Óleo sobre painel de madeira, Museu Unterlinden, Colmar.

Michelangelo (1475-1564)

Genesis Fresco (1508-12)
Pintura a fresco, teto da Capela Sistina, Roma.
Criação de Adam (1511-12)
Afresco, Capela Sistina, Roma.
Afresco do último julgamento (1536-41)
Pintura a fresco, parede do altar da Capela Sistina, em Roma.

Escola de Atenas (Scuola di Atene) (1509-11) (HISTÓRICO)
Fresco, Stanza della Segnatura, Vaticano.
Madonna Sixtina (1513-14)
Óleo sobre tela, Gemaldegalerie Alte Meister, Dresden.
Transfiguração (1518-20)
Óleo sobre painel, Pinacoteca Apostolica, Vaticano.

Assunção da Virgem (1516-18)
Óleo / painel, Santa Maria Gloriosa dei Frari, Veneza.

Pieter Bruegel, o Velho (c.1525-1569)

Provérbios holandeses (1559)
Óleo sobre painel de carvalho, Gemaldegalerie, SMPK, Berlin.
Massacre dos Inocentes (c.1565-7)
Óleo / painel, Museu Kunsthistorisches, Viena.

Ceia em Emaús (1601-2)
Óleo e têmpera sobre tela, National Gallery, Londres.

Rembrandt van Rijn (1606-69)

Jacques-Louis David (1748-1825)

O Juramento do Horatii (1785)
Museu do Louvre, Paris.
Morte de Marat (1793)
Musees Royaux des Beaux Arts, Bruxelas.

Arte do retrato inclui fotos de pessoas, divindades ou figuras mitológicas em forma humana. O gênero inclui retratos de grupo, bem como de indivíduos. O retrato de uma pessoa pode ser apenas de rosto, ou cabeça e ombros, ou corpo inteiro. O retrato acadêmico é executado de acordo com certas convenções, no que diz respeito à vestimenta, à posição das mãos e outros detalhes. Este gênero era praticado por artistas de quase todos os movimentos, normalmente em um estilo realista ou realista. Os retratos do século XIX também refletiam o estilo realista da época, enquanto mais tarde vemos uma série de retratos impressionistas, junto com retratos expressionistas ainda mais coloridos, incluindo os retratos pintados por Picasso.

Exemplos famosos de retratos:

Jan Van Eyck (1390-1441)

Homem em um turbante vermelho (1433)
Óleo sobre madeira, National Gallery, Londres.
Retrato de Arnolfini (1434)
Óleo sobre madeira, National Gallery, Londres.

Leonardo da Vinci (1452-1519)

Senhora com um arminho (1490)
Óleo sobre painel, Museu Czartoryski, Cracóvia.
Monalisa (1503-06)
Óleo sobre madeira, Louvre, Paris.

Papa Leão X com Cardeais (1518)
Óleo sobre painel, Galleria Palatina, Palácio Pitti, Florença.

Papa Paulo III com seus netos (1546)
Museo Nazionale di Capodimonte, Nápoles.

Aula de anatomia do Dr. Nicolaes Tulp (1632)
Óleo sobre tela, Mauritshuis, Haia.
Vigília noturna (1642)
Rijksmuseum, Amsterdã.
Retrato de seis de janeiro (1654)
Coleção particular, Amsterdã.
Syndics of the Cloth-Makers Guild (1662)
Óleo sobre tela Rijksmuseum, Amsterdam.

Jan Vermeer (1632-1675)

Garota com Brinco de Pérola (Cabeça de uma garota com um turbante) (1665)
Mauritshuis, Haia.
Menina com chapéu vermelho (c.1666-1667)
Óleo / painel, Galeria Nacional de Arte, Washington DC.

NOTA: Pintores notáveis ​​por seus & quotauto retratos& quot incluem: o artista alemão da Renascença Albrecht Durer (1471-1528), o gênio holandês Rembrandt (1606-69), o trágico expressionista do século 19 Vincent Van Gogh (1853-90), o neurótico prodígio austríaco Egon Schiele (1890) -1918), o temperamental pintor alemão Max Beckmann (1884-1950) e o artista contemporâneo anglo-irlandês Francis Bacon (1909-92).

& quotPintura de gênero& quot ou & quotgênero-cenas & quot referem-se a imagens que retratam cenas comuns da vida cotidiana. Os assuntos incluem cenários domésticos, interiores, celebrações, cenas de tavernas, mercados e outras situações de rua. Seja qual for o conteúdo preciso, a cena é tipicamente retratada de uma forma não idealizada e os personagens não são dotados de quaisquer atributos heróicos ou dramáticos. O principal exemplo dessa categoria de arte foi a escola de Pintura de Gênero Realista Holandesa do século XVII.

Pieter Bruegel, o Velho (c.1525-1569)

Provérbios holandeses (1559)
Óleo sobre painel de carvalho, Gemaldegalerie, SMPK, Berlin.
Caçadores na neve (1565)
Óleo sobre painel de carvalho, Museu Kunsthistorisches, Viena.
Festa de Casamento Camponês (1568)
Óleo sobre painel de carvalho, Museu Kunsthistorisches, Viena.

Jan Vermeer (1632-1675)

A pequena rua (c.1657-58)
Óleo sobre tela, Rijksmuseum, Amsterdã.
Soldado e uma garota que ri (c.1658)
Coleção Frick, Nova York.
A leiteira (c.1658-1660)
Rijksmuseum, Amsterdã.
Mulher segurando o equilíbrio (1662-3)
Galeria Nacional de Arte, Washington DC.
Mulher com colar de pérolas (c.1663)
Gemaldegalerie, SMPK, Berlin.
A arte da pintura: uma alegoria (c.1666-73)
Museu Kunsthistorisches, Viena.
The Lacemaker (c.1669-1670)
Louvre, Paris.

Jean-Antoine Watteau (1684-1721)

Peregrinação a Cythera (1717)
Louvre, Paris e Charlottenburg, Berlim.

Jean-François Millet (1814-75)

Edward Hopper (1882-1967)

Quarto de hotel (1931)
Fundação Thyssen-Bornemisza, Lugano.
Nighthawks (1942)
Art Institute of Chicago.

O termo & quotpintura de paisagem& quot vem da palavra holandesa 'landschap', que significa 'um pedaço de solo', e denota qualquer imagem cujo tema principal seja a representação de uma vista panorâmica, como campos, morros, paisagens montanhosas, árvores, paisagens ribeirinhas, florestas, mar vistas e paisagens marinhas. Muitas pinturas de paisagens famosas incluem figuras humanas, mas sua presença deve ser um elemento secundário na composição.

A paisagem como gênero independente foi iniciada pela escola de pintura holandesa do século 17 e, posteriormente, desenvolvida por nomes como Constable e Turner da escola inglesa de pintura de paisagem, que também foram pioneiros na pintura ao ar livre. Este último foi dominado por Theodore Rousseau, Millet e outros membros da escola de pintura de paisagens de Barbizon, que atuavam em torno de Fontainebleu, ao sul de Paris. Enquanto isso, na Rússia, a pintura de paisagem foi adotada pelo Movimento de Arte Wanderers e, depois, na França, pela escola mundialmente famosa do impressionismo liderada por Monet, Renpir, Pissarro e Sisley.

Pinturas de paisagens famosas

Nota: Para obter uma explicação sobre as paisagens modernas de Monet, Turner e semelhantes, consulte: Analysis of Modern Paintings (1800-2000).

John Constable (1776-1837)

Construção de barcos perto de Flatford Mill (1815)
Victoria & amp Albert Museum, Londres.
The Hay Wain (1821)
Galeria Nacional, Londres.

Queima da Câmara dos Lordes e do Commons (1835)
Museu de Arte da Filadélfia.
Tempestade de neve: barco a vapor na boca de um porto (1842)
Coleção Tate.

Jean-Baptiste-Camille Corot (1796-1875)

Ville d'Avray (c.1867)
Museu de Arte do Brooklyn, Nova York.

American Lake Scene (1844)
Instituto de Artes de Detroit.
Para mais informações, consulte: Escola de Pintura de Paisagem do Rio Hudson (1825-75).

George Caleb Bingham (1811-79)

Comerciantes de peles descendo o Missouri (1845)
Museu Metropolitano de Arte.
Veja também: Luminism (1850-75).

Jean-François Millet (1814-75)

Igreja Frederic Edwin (1826-1900)

Cotopaxi (1862)
Instituto de Artes de Detroit.

Claude Monet (1840-1926)

Papoilas perto de Argenteuil (1873)
Musee d'Orsay, Paris.
Lírios (1903) Art Institute, Dayton, Ohio.

Camille Pissarro (1830-1903)

Lower Norwood sob neve (1870)
Galeria Nacional, Londres.
A Horta (1879)
Hermitage, São Petersburgo.
Para mais informações, consulte: Características da pintura impressionista (1870-1910)

Alfred Sisley (1839-1899)

Manha nublada (1874)
Musee d'Orsay, Paris.
The Road at Louveciennes, inverno (1874)
Coleção privada.

Vincent van Gogh (1853-1890)

Campo de trigo com ciprestes, Saint-Remy (1889)
Galeria Nacional, Londres.
Veja também: História da Pintura Expressionista (1880-1930).

Childe Hassam (1859-1935)

Boston Common no Crepúsculo (1886)
Museu de Belas Artes, Boston.
Para mais informações, consulte: American Impressionism (1880-1900).

A & quotpintura de natureza morta& quot normalmente compreende um arranjo de objetos (como flores ou qualquer grupo de objetos mundanos) dispostos sobre uma mesa. Deriva da palavra holandesa 'Stilleven', um termo usado na pintura holandesa do século 17 para descrever pinturas anteriormente intituladas 'Fruta' ou 'Peças de flores'. Uma forma de pintura de natureza morta que contém mensagens bíblicas ou morais, é conhecida como pintura Vanitas - praticada por expoentes do realismo holandês como Harmen van Steenwyck (1612-56), Pieter Claesz (1597-1660), Jan Davidsz de Heem (1606 -83), Willem Kalf (1622-93) e Willem Claesz Heda (1594-1681).

Famosas pinturas de naturezas mortas

Albrecht Durer (1471-1528)

Uma jovem lebre (1502)
Pintura em aquarela, Albertina, Viena.

Grande Pedaço de Relva (1503)
Pintura em aquarela, Albertina, Viena.

Jan Davidsz de Heem (1606-83)

Natureza-Morta com Taça de Lagosta e Nautilus (1634)
Staatsgalerie, Stuttgart.

Harmen van Steenwyck (1612-56)

Uma alegoria das vaidades da vida humana (1640)
Galeria Nacional, Londres.

Natureza morta com jarra de porcelana chinesa (1662)
Gemaldegalerie, SMPK, Berlin.

Jean Chardin (1699-1779)

A terrina de prata (1728)
Metropolitian Museum of Art, Nova York.

Roy lichtenstein (1923-97)

Natureza-Morta com Peixe Dourado (1974)
Óleo e magna sobre tela, Museu de Arte da Filadélfia.

& # 149 Para mais informações sobre a classificação tradicional de pinturas, consulte: Página inicial.


Suporte de lavagem vitoriana

Este lavatório vitoriano com lindos detalhes e painéis pintados tem uma prateleira traseira anexada ao suporte que coordena com o esquema de pintura. As portas da frente se abrem para revelar uma área de prateleiras. A condição listada pela casa de leilões era boa a muito boa. As medidas são de 35 1/2 polegadas por 29 polegadas por 15 polegadas. Esta peça foi vendida por $ 210 pela Morphy Auctions em fevereiro de 2012.


Você pode gostar

Ao inserir seu endereço de e-mail, você concorda com nossos Termos de Uso e Política de Privacidade e concorda em receber e-mails da Time Out sobre notícias, eventos, ofertas e promoções de parceiros.

Grato pela assinatura! Fique atento para o seu primeiro boletim informativo em sua caixa de entrada em breve!

Ao inserir seu endereço de e-mail, você concorda com nossos Termos de Uso e Política de Privacidade e concorda em receber e-mails da Time Out sobre notícias, eventos, ofertas e promoções de parceiros.

Grato pela assinatura! Fique atento para o seu primeiro boletim informativo em sua caixa de entrada em breve!


Existem basicamente duas categorias de mesas antigas: mesas de destaque e mesas de jantar. A lista a seguir inclui os tipos mais comuns de mesas antigas que você provavelmente encontrará no mundo dos colecionáveis. Embora as formas possam remontar a séculos, a maioria permanece comum hoje e pode ser encontrada em versões antigas e modernas.

Mesa do mordomo: Este tipo de mesa de destaque originou-se como um tipo de mobiliário leve e portátil durante o século XVIII. Consiste em uma bandeja e um suporte dobrável. É a versão antiga da mesa da bandeja da TV dos dias atuais.

Mesa borboleta: Esta mesa com aba rebatível é uma mesa menor usada para refeições que provavelmente se desenvolveu na América na virada do século XVIII. O termo "borboleta" refere-se aos suportes em forma de asa que seguram as folhas quando estão em uso.

Console ou mesa de píer: Uma mesa de console tem um lado liso e reto que é colocado contra uma parede. O outro lado da mesa pode ser bastante ornamentado. As mesas de console ou píer do final do século 17 eram mesas de destaque fixadas na parede, que lembravam visualmente um píer que se projetava de uma extremidade da terra para a água.

Mesa Demilune: O nome desta tabela de acentos se refere à sua forma. Demilune significa "meia-lua" em francês. Esta mesa tem a forma de um semicírculo ou tem uma folha que cai para formar um círculo completo quando elevada. Essas mesas eram guardadas contra uma parede e movidas para a sala para servir quando necessário.

Tabela Gate-leg: Esta útil mesa de jantar com abas rebatíveis tem pernas que se abrem (como um portão) para apoiar as folhas quando uma mesa maior é necessária. Freqüentemente usadas em ambientes menores, essas tabelas podem ser armazenadas contra uma parede e usadas como mesas de destaque quando não estão sendo usadas para jantar.

Mesa Guéridon: Essas mesinhas francesas de meados do século 17 eram originalmente usadas como suportes para velas, muitas vezes em pares, e frequentemente com pedestais de figuras colunares ou corporais. Eles geralmente têm uma parte superior circular ou oval em forma de bandeja. O termo "gueridon" era uma palavra que descrevia os servos africanos da época, que às vezes também eram usados ​​como figuras corporais no desenho da mesa.

Mesa Hutch: Freqüentemente chamadas de mesas de cadeira, as tampas são viradas para cima e travadas de forma que o tampo da mesa seja o encosto do assento e a base o assento. A base costuma ter uma gaveta para armazenamento, daí a referência a "gaiola" em seu nome. Essas mesas de jantar datam da Idade Média, embora essa forma tenha sido aperfeiçoada no início de 1600 e tenha permanecido popular na Inglaterra e na América durante o início do século 19 como móveis multifuncionais que economizam espaço.

Mesa Kang: Este tipo de mesa longa e baixa pode ser usada como uma mesa de coquetéis moderna. Remontando à dinastia Ming de 1300, eram originalmente usados ​​na China em um kang ou plataforma elevada para dormir ou relaxar.

Mesa Pembroke: Uma mesa Pembroke é uma mesa pequena que é portátil, com pequenas folhas que se dobram de cada lado. Originalmente datadas de meados de 1700 na Inglaterra, essas tabelas são geralmente retangulares com bordas arredondadas. As folhas pequenas permitem versatilidade no uso como uma mesa final ou uma pequena mesa de serviço quando são levantadas.

Mesa de chá: Mesas de acentos de chá foram usadas para apresentação de chá em uma época em que o chá era uma mercadoria cara antes da Revolução Americana. Essas pequenas mesas quadradas foram guardadas fora do caminho e depois movidas para o centro da sala na hora do serviço de chá.

Mesa de crosta: As mesas de toque de crosta de pão geralmente têm três pernas e tampos redondos. A madeira ao longo da borda do topo é frisada de forma decorativa, lembrando uma crosta de torta. As mesas de crosta de pão eram populares durante os períodos da Rainha Anne e Chippendale e frequentemente usadas para servir chá.

Mesa de cavalete: Este tipo de mesa remonta à Idade Média. Eles têm topos retangulares assentados em dois ou mais cavaletes. Na virada do século 20, houve um ressurgimento desse estilo durante o American Arts and Crafts Movement. Essas mesas são comuns hoje em dia em quartos de estilo fazenda ou cozinha campestre.


Pintura de Figuras

A frase 'pintura figurativa' é uma alternativa imprecisa ao igualmente vago termo guarda-chuva 'pintura figurativa', que por si só comumente se refere a um tipo de arte representacional, baseada no desenho da figura, em que o foco está no realismo da forma humana sem invadir no gênero mais "artificial" de retratos. Simplificando, pinturas figurativas geralmente incluem representações de pessoas em situações informais, sem ênfase especial no rosto.

Mesmo assim, as obras figurativas abrangem uma ampla gama de estilos diferentes, incluindo o impressionismo de Edgar Degas, o expressionismo de Egon Schiele e o realismo contemporâneo de Lucian freud. A maior categoria individual de pintura figurativa é o Nu. A figuração expressionista contemporânea é às vezes chamada de 'arte neofigurativa'.

Desenho de vida: a base da pintura de figuras

O desenho da vida é o método clássico de aprender a desenhar, que aparece no currículo da maioria das escolas de belas artes. Os alunos estudam e desenham o corpo de uma modelo viva, normalmente nua e posicionada em uma plataforma elevada. A maioria dos especialistas em belas artes considera esta a maneira mais verdadeira e autêntica de aprender a representar a forma e os contornos tridimensionais do corpo humano, e não é surpresa que a maioria dos maiores pintores de figuras tenha sido treinada na academia.

Os alunos podem usar uma variedade de meios, incluindo lápis, carvão, giz de cera, giz, pastel, caneta e tinta ou mesmo tinta. Durante os anos 1900, a Dublin Metropolitan School of Art deu sua primeira aula de vida, ministrada pelo retratista acadêmico William Orpen.

Figuras humanas em pinturas

Não existe um gênero independente de 'pintura de figuras'. Os gêneros de pintura são limitados a: pinturas de história, paisagens, retratos, cenas de gênero (situações cotidianas comuns), e ainda vida. No entanto, todos esses gêneros podem incluir elementos figurativos, de fato, a história da arte está repleta de pintores famosos cujo foco principal era pintar a forma humana.

Mulher sentada (1920) de Picasso.
Para obter mais detalhes, consulte:
Pinturas neoclássicas de Picasso
(c.1906-30).

SIGNIFICADO DA ARTE?
Para um guia para a estética e
questões de classificação relativas
artes finas / decorativas / aplicadas, consulte:
Definição de arte, significado.

Fulcrum (1997-99) por Jenny Saville,
conhecido por sua pós-modernista e
às vezes representações perturbadoras
de mulheres nuas obesas.

ARTE FIGURATIVA
Para um breve levantamento da tradição
de desenhar a partir do nu, veja:
Nus Femininos na História da Arte (Top 20)
Nus Masculinos na História da Arte (Top 10).

PRINCIPAIS ARTISTAS DO MUNDO
Para os melhores profissionais criativos, consulte:
Melhores Artistas de Todos os Tempos.

Os pintores de cavernas da Idade da Pedra foram os primeiros artistas figurativos primitivos da história, incorporando uma riqueza de representações grosseiras de caçadores humanos. Eles foram seguidos por pintores egípcios que pintaram inúmeras obras figurativas, assim como artistas da Grécia antiga, Etrúria e Roma. Infelizmente, a maioria dos afrescos da Antiguidade Clássica pereceu.

Grandes Pintores da Renascença

A maioria dos antigos mestres do Renascimento italiano eram extremamente habilidosos na técnica da pintura de figuras. Por exemplo, o conhecimento detalhado de anatomia de Leonardo da Vinci, sua habilidade em representar a fisionomia humana e como as expressões e gestos refletem a emoção, e seu uso de Sfumato para criar sombras sutis, todas são refletidas em pinturas de figuras famosas, como: A última Ceia, e as Virgem das Rochas, entre outros.

Michelangelo foi responsável por possivelmente a mais espetacular e influente de todas as pinturas de figuras na história da arte - as imagens bíblicas no teto e na parede do altar da Capela Sistina em Roma. O afresco do teto sozinho compreendia mais de 300 figuras. (Para obter detalhes, consulte: Afrescos da Capela Sistina.)

Fora da Itália, os maiores pintores de figuras renascentistas foram Roger van der Weyden (Flandres) e Matthias Grunewald (Alemanha), cujos retábulos devocionais estabeleceram novos padrões na representação do corpo humano.

Pintores figurativos do século 16 incluíam Caravaggio - o primeiro artista a retratar grandes figuras religiosas como 'pessoas comuns' - veja, por exemplo, obras como A morte da virgem (1601-6) - bem como o grande pintor de 'set-piece' Paolo Veronese, conhecido por Festa de Casamento em Caná (1563) e Festa na Casa de Levi (1573).

Pintores de figuras (1600-1800)

Durante a era barroca do século XVII, a tradição da figuração foi mantida por antigos mestres como Rubens e pela escola espanhola liderada por Velázquez. Na Itália, Poussin produziu obras-primas como O Rapto das Mulheres Sabinas (1634-8). O século 18 testemunhou maravilhosas formas humanas criadas por William Hogarth (ver também Pintura Figurativa Inglesa) e o classicista acadêmico J.A.D. Ingres - veja o dele Valpincon Bather (1808).

Pintura de figuras modernas

Edouard Manet, o artista impressionista francês do século 19 foi um dos grandes pintores de figuras modernas. Seus temas incluíam: prostitutas, bebedores, mendigos e cantores, bem como a burguesia parisiense. Entre suas pinturas de figuras famosas está Olympia (1863). A influência artística de Manet em seus contemporâneos, como Paul Gauguin e Paul Cézanne, foi profunda, assim como em artistas posteriores como Pablo Picasso.

Ilya Repin, o prolífico pintor de gênero e retratista realista russo / ucraniano, conhecido por suas telas precisamente coloridas e compostas de camponeses, revolucionários, procissões religiosas e celebridades.

Thomas Eakins, o realista figurativo americano, pintor de temas e retratista acadêmico conhecido por Max Schmitt em um único Scull (1871) e The Gross Clinic (1875).

Edgar Degas, o artista impressionista francês e talentoso desenhista, foi outro mestre da forma humana pintada. Ele mesmo um estudante das obras de Michelangelo e Manet e um fotógrafo entusiasta, suas pinturas incluem uma grande variedade de bailarinos, retratos de amigos, mulheres parisienses comuns e nus femininos. Ele ficou especialmente interessado em como a fisionomia, postura, vestimenta e outros atributos de uma pessoa revelam seu status social ou ocupação. Entre suas muitas pinturas de figuras virtuosas, estão: Dançarinos no The Bar (1888), e Mulher no banho (1886).

NOTA: o trabalho de Cézanne Os grandes banhistas (Les Grandes Baigneuses) (1894-1905) foi outra pintura de figura altamente influente, que apresentava nus femininos em um cenário de paisagem. Parte do "renascimento clássico", teve um grande impacto nos futuros cubistas Pablo Picasso e Georges Braque.

Pintura de figuras do século 20

Pablo Picasso foi um dos pintores de figuras mais talentosos do início do século XX. Veja, em particular, funciona como: Garcon a la Pipe (1905, coleção particular), Garota em uma camisa de noite (1905, Coleção Tate) e Retrato de Gertrude Stein (1906, Metropolitan Museum of Art, Nova York). Embora responsável por boa parte da arte abstrata, Picasso também foi uma figura-chave no Renascimento Clássico da arte moderna (1900-30): ver, por exemplo, Dois nus (1906, MOMA, Nova York) Mulher Sentada (Picasso) (1920, Paris) Banhista Grande (1921, Musee de l'Orangerie, Paris) e Duas mulheres correndo na praia (1922, Musee Picasso, Paris). Outro neoclássico foi Fernand Leger (1881-1955), cujas obras modernistas incluíram O mecânico (1920, Galeria Nacional do Canadá) Três mulheres (Le Grand Dejeuner) (1921, Museu de Arte Moderna de Nova York) Nus contra um fundo vermelho (1923, Kunstmuseum, Basel) e Duas irmãs (1935, Gemaldegalerie SMPK, Berlin). Além de Picasso, o jovem artista vienense Egon Schiele (1890-1918) foi talvez o primeiro pintor de figuras verdadeiramente notável do século, conhecido por seus autorretratos perturbadores e ocasionalmente grotescos. Então veio o igualmente controverso Balthus, que se concentrou em representações figurativas eróticas de meninas de 1930 a 1955.

A ala abstrata da tradição figurativa é exemplificada pelo artista americano nascido na Holanda, Willem de Kooning (1904-97), em seu Mulher série, um dos primeiros exemplos da qual é Mulher sentada (1944, Metropolitan Museum of Art). Outro dos grandes pintores modernos é Lucian Freud, o artista britânico nascido na Alemanha e neto do psicanalista Sigmund Freud. Seu tema principal era o corpo humano, geralmente representado nu em posições planejadas. Raramente exibidas, suas telas com o corpo humano incluem obras-primas como: Homem Nu com Rato (1977) Menina Nua Com Ovo (1980) Bella (1982) e Pintor e Modelo (1986).

A última palavra em pintura de figuras, o foto-realismo é um movimento de arte moderna liderado pelo artista americano Richard Estes (n.1932) e Chuck Close. Pintores foto-realistas criam pinturas que se assemelham a fotografias coloridas, mas na verdade são pinturas executadas meticulosamente. Sua arte de retratos e pinturas de figuras são incrivelmente realistas.


Código musical Da Vinci visto em 'Última Ceia'

ROMA (AP) - É um novo código Da Vinci, mas desta vez pode ser real. Um músico italiano e técnico de computador afirma ter descoberto notas musicais codificadas na "Última Ceia" de Leonardo Da Vinci, levantando a possibilidade de que o gênio da Renascença possa ter deixado para trás uma composição sombria para acompanhar a cena retratada na pintura de parede do século 15.

"Parece um réquiem", disse Giovanni Maria Pala. "É como uma trilha sonora que enfatiza a paixão de Jesus."

Pintada de 1494 a 1498 na Igreja de Santa Maria delle Grazie em Milão, a "Última Ceia" retrata vividamente um momento-chave na narrativa do Evangelho: a última refeição de Jesus com os 12 apóstolos antes de sua prisão e crucificação, e o choque dos seguidores de Cristo quando eles descobrem que um deles está prestes a traí-lo.

Pala, um músico de 45 anos que mora perto da cidade de Lecce, no sul da Itália, começou a estudar a pintura de Leonardo em 2003, depois de ouvir em um noticiário que os pesquisadores acreditavam que o artista e inventor havia escondido uma composição musical na obra.

"Depois, não ouvi mais nada sobre isso", disse ele em entrevista à Associated Press. "Como músico, eu queria ir mais fundo."

Em livro lançado sexta-feira na Itália, Pala explica como pegou elementos da pintura que têm valor simbólico na teologia cristã e os interpretou como pistas musicais.

Pala viu pela primeira vez que, ao traçar as cinco linhas de uma pauta musical na pintura, os pães na mesa, bem como as mãos de Jesus e dos apóstolos, poderiam cada um representar uma nota musical.

Isso se encaixa na relação no simbolismo cristão entre o pão, que representa o corpo de Cristo, e as mãos, que são usadas para abençoar a comida, disse ele. Mas as notas não faziam sentido musicalmente até que Pala percebeu que a partitura tinha que ser lida da direita para a esquerda, seguindo o estilo particular de escrita de Leonardo.

No seu livro - "La Musica Celata" ("A Música Oculta") - Pala também descreve como encontrou o que diz serem outras pistas na pintura que revelam o ritmo lento da composição e a duração de cada nota.

O resultado é um "hino a Deus" de 40 segundos que Pala disse soar melhor em um órgão de tubos, o instrumento mais comumente usado na época de Leonardo para música espiritual. Um pequeno segmento retirado de um CD da peça continha uma passagem semelhante a Bach tocada no órgão. O andamento era quase dolorosamente lento, mas musical.

Alessandro Vezzosi, especialista em Leonardo e diretor de um museu dedicado ao artista em sua cidade natal, Vinci, disse não ter visto a pesquisa de Pala, mas que a hipótese do músico "é plausível".

Vezzosi disse que pesquisas anteriores indicaram que as mãos dos apóstolos na pintura podem ser substituídas pelas notas de um canto gregoriano, embora até agora ninguém tenha tentado trabalhar nos pães.

“Sempre existe o risco de ver algo que não está ali, mas é certo que os espaços (na pintura) se dividem harmonicamente”, disse à AP. "Onde você tem proporções harmônicas, você pode encontrar música."

Vezzosi também observou que, embora Leonardo fosse mais conhecido por suas pinturas, esculturas e invenções visionárias, ele também era músico. Da Vinci tocou a lira e projetou vários instrumentos. Seus escritos incluem alguns enigmas musicais, que devem ser lidos da direita para a esquerda.

Reinterpretações da "Última Ceia" têm surgido desde "O Código Da Vinci" fascinou leitores e cineastas com sugestões de que um dos apóstolos sentado à direita de Jesus é Maria Madalena, que os dois tiveram um filho e que sua linhagem continuou.

Pala stressed that his discovery does not reveal any supposed dark secrets of the Catholic Church or of Leonardo, but instead shows the artist in a light far removed from the conspiratorial descriptions found in fiction.

"A new figure emerges — he wasn't a heretic like some believe," Pala said. "What emerges is a man who believes, a man who really believes in God."


Navajo Sandpaintings

The masks, prayersticks, and sandpainting altars that Navajo singers used were of Pueblo origin, but were reworked into distinctly Navajo forms Navajo Yeibichai--the dancers who embody Navajo Holy People--resemble Pueblo katsinam.

Mais informações:

There are two schools of ceremonial blanket-makers -those who endeavor to make each rug a perfect replica of a sand-painting and so avoid the anger of the gods, and those who purposely change the details of the design in order to escape the curse. The members of the first school are medicine-men, or their women relatives, who perform elaborate ceremonies to placate the gods. The others are modern weavers who have cast off in large measure the ancient beliefs or have yielded to the temptation of greater profits. For to the average Navajo there is a curse attached to the making of a sand-painting blanket.

Navajo Sandpaintings, also called dry paintings, are called "places where the gods come and go" in the Navajo language. They are used in curing ceremonies in which the gods' help is requested for harvests and healing.

The figures in sand paintings are symbolic representations of a story in Navajo mythology. They depict objects like the sacred mountains where the gods live, or legendary visions, or they illustrate dances or chants performed in rituals.

Sandpaintings are but one rite in a ceremonial. From the distinct set of paintings that belong to a specific chant, the chanter selects those that will best heal the patient, never using the entire repertoire of paintings on a single occasion.

In the two-night form of a chant, one sandpainting is made, while the last four days of a nine-night ceremonial would have sandpaintings.

After its sanctification, the patient sits on the painting while the chanter performs a ritual to enhance the absorption of its healing power. Immediately afterward, the remains of the painting are taken outside to an area north of the hogan, where they are returned to the earth.

According to Navajo belief, a sandpainting heals because the ritual image attracts and exalts the Holy People serves as a pathway for the mutual exchange of illness and the healing power of the Holy People identifies the patient with the Holy People it depicts and creates a ritual reality in which the patient and the supernatural dramatically interact, reestablishing the patient's correct relationship with the world of the Holy People ( GriffinPierce 1992:43).

For the Navajo, the sandpainting is a dynamic, living, sacred entity that enables the patient to transform his or her mental and physical state by focusing on the powerful mythic symbols that re-create the chantway odyssey of the storys protagonist, causing those events to live again in the present.

The performative power of sandpainting creation and ritual use reestablish the proper, orderly placement of the forces of life, thus restoring correct relations between the patient and those forces upon which the patient's spiritual and physical health depend. The sandpainting works its healing power by reestablishing the patient's sense of connectedness to all of life ( Griffin-Pierce 1991:66).

THE GREAT PICTURES OF DSILYÍDJE QAÇÀL. (Sandpaintings)

A description of the four great pictures drawn in "The Mountain Chant" ceremonies has been deferred until all might be described together. Their relations to one another rendered this the most desirable course to pursue. The preparation of the ground and of the colors, the application of the sacred pollen, and some other matters have been already considered.

First Picture. The picture of the first day (Plate XV) is said to represent the visit of Dsilyi‘ Neyáni to the home of the snakes at Qo¢estsò.

In the center of the picture was a circular concavity, about six inches in diameter, intended to represent water, presumably the house of water mentioned in the myth. In all the other pictures where water was represented a small bowl was actually sunk in the ground and filled with water, which water was afterwards sprinkled with powdered charcoal to give the impression of a flat, dry surface.

Why the bowl of water was omitted in this picture I do not know, but a medicine man of a different fraternity from that of the one who drew the picture informed me that with men of his school the bowl filled with water was used in the snake picture as well as in the others.

Closely surrounding this central depression are four parallelograms about four inches by ten inches in the original pictures. The half nearer the center is red the outer half is blue they are bordered with narrow lines of white. The same figures are repeated in other paintings.

The Second Picture is said to be a representation of the painting, which the prophet saw in the home of the bears in the Carrizo Mountains (paragraph 40). In the center of this figure is the bowl of water covered with black powder, to which I referred before. The edge of the bowl is adorned with sunbeams, and external to it are the four ca‘bitlol, or sunbeam rafts, on which seem to stand four gods, or yays.

The Third Picture commemorates the visit of Dsilyi‘ Neyáni to Çaçò‘-behogan, or “Lodge of Dew” (paragraph 56). To indicate the great height of the Bitsès-ninéz the figures are twice the length of any in the other pictures, except the rainbows, and each is clothed in four garments, one above the other, for no one garment, they say, can be made long enough to cover such giant forms.

Their heads all point to the east, instead of pointing in different directions, as in the other pictures. The Navajo relate, as already told (paragraph 56), that this is in obedience to a divine mandate but probably there is a more practical reason, which is this: if they had the cruciform arrangement there would not be room on, the floor of the lodge for the figures and at the same time for the shaman, assistants, and spectators.

Economy of space is essential but, although drawn nearly parallel to one another, the proper order of the cardinal points is not lost sight of. The form immediately north of the center of the picture is done first, in white, and represents the east. That immediately next to it on the south comes second in order, is painted in blue, and represents the south.

The one next below that is in yellow, and depicts the goddess who stood in the west of the House of Dew-Drops. The figure in the extreme north is drawn last of all, in black, and belongs to the north. As I have stated before, these bodies are first made naked and afterwards clothed.

The exposed chests, arms, and thighs display the colors of which the entire bodies were originally composed. The glòï (weasel, Putorius) is sacred to these goddesses. Two of these creatures are shown in the east, guarding the entrance to the lodge.

The Fourth Picture represents the kátso-yisçàn, or great plumed arrows. These arrows are the especial great mystery, the potent healing charm of this dance. The picture is supposed to be a fac simile of a representation of these weapons, shown to the prophet when he visited the abode of the Tsilkè-¢igini, or young men gods, where he first saw the arrows .

There are eight arrows. Four are in the center, lying parallel to one another—two pointing east and two others, alternate, pointing west. The picture is bordered by the other four, which have the same relative positions and directions as the bounding serpents in the first picture. The shafts are all of the same white tint, no attention being paid to the colors of the cardinal points yet in drawing and erasing the picture the cardinal points are duly honored.

Among the central arrows, the second from the top, or north margin of the design, is that of the east it is drawn and erased first. The next below it is the arrow of the south the third is that of the west. The one on top belongs to the north it is drawn and erased last.

The heads are painted red to represent the red stone points used the fringed margins show the irregularities of their edges. The plumes at the butt are indicated, as are also the strings by which the plumes are tied on and the notches to receive the bowstring.


Was Emperor Nero Really as Monstrous as History Suggests?

From ancient texts to modern TV shows, depictions of the Roman emperor Nero have never been flattering. He’s known for murdering family members and strangers alike, as well as starting the Great Fire of Rome that destroyed much of the city in 64 A.D.—not to mention forcing audiences to sit through his terrible singing. But a new exhibition at the British Museum, “Nero: The Man Behind the Myth,” asks visitors to rethink their perceptions of one of the most powerful people in the ancient world.

As Jill Lawless reports for the Associated Press (AP), the show starts with an image from the 1951 film Quo Vadis. The emperor strums a lyre, evoking the famous expression “Nero fiddled while Rome burned.” Then, visitors learn that this story, like many tales of the emperor’s terrible behavior, is a myth.

“Our goal here is to show that this, however popular, image is actually based on very, very biased accounts and therefore we should challenge it,” curator Francesca Bologna tells the AP. “The Nero story is about how we should approach information, how we should always approach our sources critically. This is relevant for Nero, it’s relevant for historians, archaeologists, it is relevant for everyday people living their everyday lives.”

Among the artifacts on view are statues, weapons, jewelry and graffiti. Many come from the London cultural institution’s collection, but others are on loan from museums across western Europe.

The great-great-grandson of Rome’s first emperor, Augustus, Nero came to power in 54 A.D., when he was just 17 years old. He succeeded his stepfather Claudius—who, according to the exhibition, was probably not poisoned by Nero’s mother, as many stories suggest.

Fresco painting of a seated actor dressed as a king and female figure with a small painting of a mask, dated to between 30 and 40 A.D. (Ministero della Cultura / Museo Archeologico Nazionale di Napoli)

Accounts written in the decades after the ruler’s death in 68 A.D. portray him as decadent and violent, notes Charlotte Higgins for the Guardian. The Roman biographer Suetonius wrote that Nero entertained himself by wandering the city in disguise, stabbing people and throwing their bodies into the sewers. Tacitus, the famed historian and orator, describes him killing his pregnant wife, Poppaea, by kicking her in the stomach. Other accounts focused on the emperor’s opulent lifestyle and voracious sexual appetite.

Curator Thorsten Opper tells the Guardian that the writers who contributed to Nero’s awful reputation used a standard toolkit of shocking stories about sex and violence to boost their own agenda. They idealized the oligarchic Roman Republic, which ended about 80 years before Nero took power, and disapproved of populist rule by a single person. Opper explains that Nero tried to shore up his position by cultivating the support of ordinary Romans, creating anxiety among the traditional elite.

“The sources need to be seen as texts that have a clear agenda,” Opper says.

Na verdade, o Art Newspaper’s Maev Kennedy reports, Nero appears to have ruled well in many respects. He reformed the tax system, improved Rome’s food supply, and organized public works projects and popular entertainment like chariot races. He was more than 30 miles away from Rome when it caught fire, and in the disaster’s aftermath, he worked to rebuild the city. (Still, wrote Joshua Levine for Smithsonian magazine last year, Nero did scapegoat Christians for the fire, ordering many “burned in his own gardens, which conforms to the standard Roman legal practice of fitting the punishment to the crime.”)

The exhibition is not intended to glorify Nero. Opper tells the Art Newspaper that it’s likely the emperor murdered his mother or forced her to commit suicide. And it’s true that his grand palace, the Domus Aurea, was wildly extravagant. But Opper notes that murdering relatives and living in an opulent fashion were far from unfamiliar actions undertaken by Roman rulers.

A 17th-century sculptor restored this ancient bust of Nero, adding a cruel-looking mouth and large chin. (Musei Capitolini, Sala Imperatori, Rome)

“There was a lot of money sloshing around Nero’s Rome,” he tells the Art Newspaper. “Most of the Domus Aurea seems to have been dining rooms: lavish entertainment would have been expected of him, including hosting the entire Senate. And if you are going to invite 600 people to a banquet once a week, you are going to need a big dining room.”

“Nero: The Man Behind the Myth” places the emperor’s rule in its historical context, according to the AP. One section shows chains that bound enslaved workers forced to mine lead for the empire in Wales. During Nero’s reign, Celtic people in southern England, led by Queen Boudicca, rebelled against Roman rule the empire also faced war with the Parthian Empire, which was centered in what is now Iran.

Ultimately, facing intractable opposition from within the Roman government, Nero committed suicide at age 30. His death ended the Julio-Claudian Dynasty and led to a chaotic scramble for power known as the Year of the Four Emperors.

Accounts written by Suetonius, Tacticus and others cemented Nero’s villainous reputation for centuries. As Opper tells the Guardião, one bust in the exhibition was heavily restored in the 17th century. An artist who had clearly heard stories about the emperor’s depravity shaped the lower half of the face to create a distinctly unpleasant appearance that may or may not have much in common with the man himself.

“I am not setting out here to rehabilitate Nero as a blameless man,” Opper says to the Art Newspaper. “But I have come to the conclusion that almost every single thing we think we know about him is wrong.”

Sobre Livia Gershon

Livia Gershon é jornalista freelance residente em New Hampshire. Ela escreveu para o JSTOR Daily, o Daily Beast, o Boston Globe, HuffPost e Vice, entre outros.


John Gast, American Progress, 1872

Historian Martha A. Sandweiss demonstrates how John Gast’s 1872 painting, which was widely disseminated as a commercial color print, conveys a range of ideas about the frontier in nineteenth-century America.

John Gast, American Progress, 1872.
Chromolithograph published by George A, Crofutt.
Source: Prints and Photographs Division, Library of Congress.

John Gast, a Brooklyn based painter and lithographer, painted this picture in 1872 on commission for George Crofutt, the publisher of a popular series of western travel guides. Few Americans saw the actual painting, but many encountered it in reproduction. Crofutt included an engraving of it in his guidebooks and produced a large chromolithographic version for his subscribers. The painting is so rich in detail that my students—encountering it as a slide projected on a screen—usually imagine it to be a large canvas. But in fact it is tiny, just 12 3/4 x 16 3/4 inches in size.

I use this image early on in my western history classes for several reasons. First, even students with little experience in talking about visual images find it easy to talk about what they see here. Second, students quickly grasp that although the painting does not convey a realistic representation of actual events, it nonetheless expresses a powerful historical ideia about the meaning of America’s westward expansion. This sparks a discussion about the ways in which ideas—whether grounded in material fact or not—can both reflect and shape human actions. Finally, after a discussion of the larger cultural ideas embodied in this image, we move to a discussion of Frederick Jackson Turner’s celebrated 1893 essay, “The Significance of the Frontier in American History.” Students quickly perceive that while Turner had a way with words, his argument was not wholly original. He distilled ideas already present in American popular thought and many of them are present in this painting, painted some two decades earlier.

As students begin to describe what they see, they quickly realize that they’re looking at a kind of historical encyclopedia of transportation technologies. The simple Indian travois precedes the covered wagon and the pony express, the overland stage and the three railroad lines. The static painting thus conveys a vivid sense of the passage of time as well as of the inevitability of technological progress. The groups of human figures, read from left to right, convey much the same idea. Indians precede Euro-American prospectors, who in turn come before the farmers and settlers. The idea of progress coming from the East to the West, and the notion that the frontier would be developed by sequential waves of people (here and in Turner’s configuration, always men) was deeply rooted in American thought.

Then, of course, there is that “beautiful and charming female,” as Crofutt described her, whose diaphanous gown somehow remains attached to her body without the aid of velcro or safety pins. On her head she bears what Crofutt called “the Star of Empire.” And lest viewers still not understand her role in this vision of American destiny, he explains: “In her right hand she carries a book—common school—the emblem of education and the testimonial of our national enlightenment, while with the left hand she unfolds and stretches the slender wires of the telegraph, that are to flash intelligence throughout the land.” The Indians flee from progress, unable to adjust to the shifting tides of history. The painting hints at the past, lays out a fantastic version of an evolving present, and finally lays out a vision of the future. A static picture conveys a dynamic story.

The ideas embodied in this painting not only suggest the broad sources for Turner’s essay about the importance of the frontier in American life, they suggest that his essay reached an audience for whom these ideas were already familiar. Students often imagine the issues raised by visual images to be peripheral to the more central questions raised by literary sources. The Gast painting, however, allows one to demonstrate the ways in which painters, too, could engage large historical questions, cultural stereotypes and political ideas, by using a visual vocabulary that viewers found both familiar and persuasive.


Assista o vídeo: Sagrada Familia pintada en técnica Deocupage y traslucidos difuminados.


Comentários:

  1. Taurn

    Na minha opinião, eles estão errados. Eu sou capaz de provar isso. Escreva para mim em PM, ele fala com você.

  2. Voodoozshura

    Peço desculpas, mas acho que você está errado. Entre vamos discutir. Escreva para mim em PM.

  3. Wamocha

    Essa ideia será útil.

  4. Jaedon

    Um experimento interessante. O que veremos - não sou um preditor :)



Escreve uma mensagem