Como os Beatles se tornaram símbolos sexuais internacionais

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Em 26 de dezembro de 1963, os Beatles lançaram Eu quero segurar sua mão e Eu a vi parada lá nos Estados Unidos. Como resultado, esta data sempre foi associada com a Beatlemania atingindo níveis verdadeiramente globais.

Na era do Spotify e da mídia social, a extensão do sucesso da banda parece perfeitamente natural, mas na época a disseminação de seu novo e empolgante estilo pelo mundo foi um fenômeno cultural inovador.

Origens humildes

A ascensão meteórica da banda ao estrelato começou em 1957, quando um estudante de Liverpool de dezesseis anos chamado John Lennon se reuniu com um grupo de colegas de escola e começou a formar uma banda improvisada que se autodenominava "os Quarreymen".

No ano seguinte, o amigo de Lennon, Paul McCartney, e seu amigo George Harrison também se juntaram, quando os amigos mais velhos de Lennon o deixaram para seguir outras carreiras.

Chegar à lua não foi uma tarefa fácil, não importa o quão confiante Kennedy possa ter soado em seu famoso discurso de 1961. Fong conta histórias de como eles chegaram perto do fracasso e como foi arriscado.

Ouça agora

Em 1960, o nome foi alterado para Os Beatles, e eles tiveram algum sucesso limitado em Liverpool e depois de uma breve visita ao gerente não oficial da Escócia, Alan Williams, garantiu ao grupo uma residência de três meses e meio na notoriamente decadente cidade da Alemanha Ocidental, Hamburgo.

Lá eles fizeram um grande número de shows e aperfeiçoaram suas habilidades como um grupo de guitarristas - embora não sem várias desventuras - como Harrison sendo revelado ser menor de idade e ameaçado de deportação.

Grande oportunidade dos Beatles

Ao retornar à Inglaterra em 1962, eles foram contratados pela EMI Music Publishing após a rejeição inicial e começaram sua primeira gravação nos estúdios Abbey Road da EMI em junho. Lá, eles foram orientados a encontrar um baterista mais habilidoso, e o lendário quarteto foi concluído quando Ringo Starr, o baterista de uma banda rival, foi persuadido a mudar de aliança.

Abbey Road Studios hoje.

1963 provou ser o ano de destaque, já que solteiros como Ela ama você e De mim para você alcançou o primeiro lugar e começou a despertar grande interesse na banda e em seus membros.

Após um ano de sucesso fenomenal no final de 1963, decidiu-se que havia chegado o momento de enfrentar o maior e mais difícil mercado do mundo - a América.

A subsidiária americana da EMI - Capitol Records, recusou-se veementemente a lançar o Dos Beatles música nos EUA até agora, mas após negociações com o selo independente dos EUA Vee-Jay, seus primeiros singles foram finalmente lançados no mercado americano em dezembro. A histeria se seguiu.

Estrelato e símbolos sexuais

Quando o grupo partiu para sua primeira visita através do Atlântico em fevereiro de 1964, Eu quero segurar sua mão estava no número um, e 3.000 pessoas se reuniram para receber seu avião no aeroporto John F. Kennedy, em Nova York.

Os Beatles chegando ao Aeroporto Internacional John F. Kennedy, 7 de fevereiro de 1964.

Quando eles têm sua primeira apresentação ao vivo no Ed Sullivan Show dois dias depois, assombrosos 34% da população dos EUA sintonizou para assistir em uma época em que a TV ainda era uma novidade. O que estava sendo chamado de “Invasão Britânica” havia começado para valer.

O termo Beatlemania tinha sido cunhado um pouco antes na Inglaterra e foi visto pela primeira vez na impressão quando o Correio diário publicou um artigo chamado BEATLEMANIA: Está acontecendo em todos os lugares ... até na tranquila Cheltenham. ”

Particularmente após a viagem aos Estados Unidos, a Beatlemania tornou-se caracterizada pelos gritos agudos e quase histeria das vastas multidões de adolescentes que vieram ver a banda quando os quatro rapazes de Liverpool com cabelos desgrenhados se tornaram símbolos sexuais internacionais improváveis.

Depois de um show em Hull, no Reino Unido, foi relatado que mais de 40 pares de calcinhas tiveram que ser retirados.

Dan Snow encontra Calder Walton para um martini e uma visão geral da história de interferência da Rússia em eleições estrangeiras.

Ouça agora

As razões para essa explosão de obsessão quase maníaca pela banda têm sido debatidas e analisadas desde então. Algumas ideias coincidiram com o baby boom pós-Segunda Guerra Mundial, quando havia muito mais adolescentes do que antes, mesmo nos últimos dias de Elvis ou Frank Sinatra.

Outro foi o cabelo comprido não ameaçador, a juventude e o charme britânico do grupo, muito mais atraente para a nova geração de garotas do que o sexualmente voraz Elvis ou outros artistas mais velhos. Há uma infinidade de outras explicações cada vez mais malucas, embora no final a novidade e o brilho do Dos Beatles a música é talvez a mais convincente.

Exportando cultura

A Beatlemania também incorpora os anos 60 e sua contracultura rebelde. Os pais e irmãos mais velhos de Beatles os fãs desprezaram o que viam como sua aparência e música pouco masculinas, mas isso tornou seu apelo ainda mais forte, especialmente depois que eles tomaram um caminho mais sombrio e psicodélico no final da década.

Além disso, esta fase não só dá início à era global da história musical, mas também ao amanhecer da Grã-Bretanha como a potência "suave" mais importante do mundo quando seu império entra em colapso. Desde o Beatles, outras exportações britânicas de as pedras rolantes para Uma direção tomaram os EUA e o mundo pela tempestade.

Outra exportação britânica de sucesso ... Os Rolling Stones.


Raquel Welch

Raquel Welch (nascido Jo Raquel Tejada 5 de setembro de 1940) é uma atriz e cantora americana.

Ela ganhou atenção pela primeira vez por seu papel em Viagem fantástica (1966), após o qual ela ganhou um contrato com a 20th Century Fox. Eles emprestaram seu contrato para o estúdio britânico Hammer Film Productions, para quem ela fez Um milhão de anos a.C. (1966). Embora ela tivesse apenas três linhas de diálogo no filme, imagens dela no biquíni de pele de corça se tornaram cartazes de sucesso que a transformaram em um símbolo sexual internacional. Mais tarde, ela estrelou em Deslumbrado (1967), Bandolero! (1968), 100 rifles (1969), Myra Breckinridge (1970) e Hannie Caulder (1971). Ela fez vários especiais de variedades para a televisão.

A personalidade cinematográfica única de Welch a tornou um ícone dos anos 1960 e 1970, devido à sua representação de personagens femininas fortes e quebrando o molde do símbolo sexual arquetípico. Por causa disso, sua ascensão ao estrelato em meados dos anos 1960 foi parcialmente creditada com o fim da promoção vigorosa de Hollywood da bomba loira. [3] [4] [5] Ela ganhou um Globo de Ouro de Melhor Atriz de Cinema em Musical ou Comédia em 1974 por sua atuação em Os três mosqueteiros. Ela também foi indicada ao Globo de Ouro de Melhor Atriz em Filme de Televisão por sua atuação no filme Direito de morrer (1987). Em 1995, Welch foi escolhido por Império revista como uma das "100 estrelas mais sexy da história do cinema". Playboy Welch classificou-se no 3º lugar em sua lista das "100 estrelas mais sexy do século vinte". Em 2011, A saúde dos homens classificou-a em segundo lugar na lista das "Mulheres Mais Gostosas de Todos os Tempos". [6]


Paul McCartney surgiu com a ideia para a viagem mágica e misteriosa

Viagem com mistério mágico foi uma ideia concebida na mente de Paul McCartney, que recentemente presenteou o mundo com seus conceitos experimentais com o álbum inovador Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (1967). A partir daquele momento, os Beatles deixaram para trás seu apelo pop e se voltaram totalmente para uma direção psicodélica com elementos novos e únicos. Parecia que qualquer caminho que os Beatles fizessem era aceito pelo mundo com entusiasmo, o que lhes dava coragem para explorar novos caminhos. McCartney foi inspirado por Merry Pranskters de Ken Kesey e seu ônibus Furthur e a popularidade das viagens de ônibus por toda a Inglaterra, o que levou a um enredo de espírito livre baseado nas mesmas idéias. Como o grupo não estava mais se apresentando ao vivo, fazia sentido dar outro filme aos fãs. McCartney tinha algumas idéias sobre o roteiro, mas isso seria tudo. Ringo Starr afirmou, “Paul tinha um ótimo pedaço de papel - apenas um pedaço de papel em branco com um círculo nele. O plano era: ‘Começamos aqui e temos que fazer algo aqui’ ”.


Pattie Boyd apresentou George Harrison aos ensinamentos do iogue

Seguindo Os BeatlesNa turnê final em 1966, a banda começou a experimentar drogas, diferentes tipos de instrumentos e novas filosofias. George Harrison e sua esposa, Pattie Boyd, viajaram para a Índia no final dos anos 60, onde Harrison planejava estudar cítara com Ravi Shankar. Enquanto estava lá, Boyd se viu em reuniões realizadas pelo Movimento de Regeneração Espiritual, um grupo que usava as técnicas de meditação do Maharishi Mahesh Yogi.

Em sua biografia, Boyd diz que ficou impressionada com o que aprendeu com o grupo e que passou a informação para Harrison. Na época, “o Beatle quieto” estava pensando sobre sua relação com as drogas que alteram a mente. Ele estava usando LSD com frequência e se perguntou se isso fazia alguma coisa por ele. Depois de uma viagem ao Haight-Asbury em 1967, ele ficou desiludido com a cultura hippie da droga após seu retorno à Inglaterra, ele e John Lennon ambos decidiram parar de usar LSD e começaram a olhar para dentro para encontrar algo novo.


Os 12 símbolos sexuais finais do passado que nunca esqueceremos

Todo mundo precisa de modelos de comportamento - pessoas que podemos admirar e imitar, como líderes mundiais, neurocirurgiões, gênios da arquitetura, magos da matemática, artistas, cientistas de foguetes, escritores. símbolos sexuais.

Acompanhar o corpo nu de Kim Kardashian parece estar na lista de afazeres de todos. (Por que mais ela posaria em seu terno de aniversário a cada duas semanas se nós NÃO OLHAMOS?) Símbolos sexuais são adoráveis. Temos nossos favoritos, incluindo Jessica Simpson, Kate Upton, Jennifer Lopez, Penelope Cruz e Gisele Bundchen, apenas para citar alguns.

Para o registro, não somos agora mesmo descobrindo símbolos sexuais. Eles existem há séculos (provavelmente desde 50 aC, acho Cleopatra) então, vamos dar uma olhada em algumas mulheres que abriram caminho moderno nas décadas de 1950, 60 e 70, quando os seios se tornaram uma obsessão nacional e Playboy a revista era o segredinho sujo de todo homem. As mulheres percorreram um longo caminho, baby. MAS, os homens ainda são aparentemente movidos por seios. Então, aqui estão 12 símbolos sexuais originais aos quais podemos agradecer por colocar essas armadilhas (com uma exceção na mistura).

Marilyn Monroe

Marilyn Monroe é uma lenda do símbolo sexual erótico por um bom motivo. Além de ser destaque na edição inaugural da revista "Playboy", tornando-se sua primeira "Namorada do mês", (alterado para "Playmate do mês depois disso) na edição de dezembro de 1953 da (então) polêmica revista, a" Gentlemen Prefer A atriz de Loiras "se tornou a primeira" loira burra "séria. A beleza e a personalidade sensual de Monroe criaram uma grande comoção quando ela cantou" Parabéns a você, Sr. Presidente "para o presidente John F. Kennedy em uma celebração por seu 45º aniversário. Confira aqui Surpreendentemente, a atriz de "Some Like It Hot" morreu em 5 de agosto de 1962 aos 36 anos.

Jayne Mansfield

Jayne Mansfield, que se tornou uma das bombas loiras originais de Hollywood, também representou a imagem de "loira burra" e ficou conhecida em alguns círculos como o "Monroe do homem trabalhador". O popular símbolo sexual dos anos 1950/60 fez sucesso nos palcos da Broadway ("Will Success Spoil Rock Hunter?"), Bem como nos filmes de Hollywood ("The Girl Can't Help It"). Curiosidades divertidas: "Mansfield reivindicou um busto de 41 polegadas e uma cintura de 22 polegadas quando fez sua estréia na Broadway em 1955. Ela era conhecida como a Rainha do Cleavage." Casado três vezes e com cinco filhos (a atriz Mariska Hargitay é seu quarto filho), Mansfield infelizmente morreu em um acidente de carro em 29 de junho de 1967 aos 34 anos.

Raquel Welch

Raquel Welch estava entre os símbolos sexuais mais icônicos dos anos 60 e 70, o que a colocou no topo de algumas listas muito sexy: De acordo com a Wikipedia, "Welch foi escolhido por Empire Magazine como uma das 100 estrelas mais sexy da história do cinema. Playboy Revista chamada Welch no. 3 em sua lista das 100 estrelas mais sexy do século XX. Em 2011, A saúde dos homens Revista a classificou como não. 2 em sua lista das Mulheres Mais Gostosas de Todos os Tempos. ”A atriz de 74 anos ainda se pavoneia em tapetes vermelhos, notando que as mulheres na casa dos 70 ainda arrasam!

Brigitte Bardot

É difícil acreditar que Brigitte Bardot, a ex-"gatinha do sexo", tem 80 anos! A sensual modelo francesa, atriz, cantora e ativista dos direitos dos animais tornou-se um símbolo sexual de destaque nos anos 50 e 60 em grande parte devido ao seu primeiro marido, o diretor Roger Vadim (que mais tarde se casaria com Jane Fonda), que a exibiu no filme de 1956 "E Deus criou a mulher." Embora o casamento não tenha durado, sua carreira durou muitos anos, até sua aposentadoria da indústria do entretenimento em 1973. Algumas atrizes são imediatamente reconhecidas por seus primeiros nomes. Bardot era conhecida por suas duas iniciais: BB.

Lana Turner

Os suéteres da atriz Lana Turner deveriam ter sua própria estrela na Calçada da Fama de Hollywood. A atriz de "Imitação da Vida" foi uma das primeiras belezas conhecidas que fez uma declaração de moda vestindo um suéter apertado para mostrar sua linha de busto, ganhando assim o apelido de "a garota do suéter" (um apelido que ela supostamente detestava). Turner capitalizou em sua figura curvilínea ao longo de sua carreira. Ela foi indicada ao Oscar de Melhor Atriz por seu papel no filme de 1957, "Peyton Place".

Gina Lollobrigida

Esta atriz italiana, que foi uma das atrizes europeias de maior destaque nas décadas de 50 e 60, não teve medo de exibir sua figura completa quando um filme pedia uma atriz voluptuosa. A atriz de 87 anos apareceu em filmes com nomes como Yul Brenner, Frank Sinatra, Rock Hudson, Anthony Quinn e Burt Lancaster. Humphrey Bogart disse uma vez: "Gina faz Marilyn Monroe se parecer com Shirley Temple." Momma Mia!

Ann-Margret

Ann-Margret foi descrita como a "garota da porta ao lado" e "gatinha sexy". A atriz, cantora e dançarina de 73 anos é mais conhecida por seus papéis em "Bye Bye Birdie", "Viva Las Vegas" (onde ela e Elvis destruíram a tela com sex appeal!), "The Cincinnati Kid", e para um de seus papéis mais voluptuosos, em "Carnal Knowledge". Então, quão sexy ela era? Ela já foi descrita como a "versão feminina de Elvis Presley". A ruiva de Valsjöbyn, Suécia, sempre falava com um tom suave, sexy e reservado que definia seu enorme apelo sexual. Confira aqui.

Elizabeth Taylor

Elizabeth Taylor se tornou uma das atrizes de cinema mais famosas de todos os tempos e foi considerada uma das mulheres mais bonitas que já apareceu no cinema. Seu apelo sexual não passou despercebido em filmes como "Gato em um telhado de zinco quente" e "Cleópatra". Taylor foi de alguma forma capaz de extrair uma combinação da imagem de mulher forte misturada com seu apelo sexual vivaz na tela.

Sophia Loren

Houve um homem neste universo que não babou ao ver este símbolo sexual italiano dos anos 50, 60 e além? Seu suave sotaque italiano apenas alimentou as faíscas sensuais que ela emitia na tela e fora dela. Sua figura de ampulheta também não prejudicava sua imagem, e seu talento para atuar tornava sua personalidade sexy ainda mais atraente. Loren ganhou um Oscar de Melhor Atriz em 1962 pelo filme "Duas Mulheres". A sexy octogenária tem 80 anos e é solteira. Cavalheiros, liguem os motores!

Jacqueline Bisset

Alerta de camiseta molhada. Caso você tenha esquecido quem começou a moda das camisetas molhadas, não procure mais. Depois de conquistar o público no final dos anos 60 / início dos anos 70 com vários papéis no cinema, Bisset decidiu que era hora de chamar a atenção do público americano nadando embaixo d'água vestindo apenas uma camiseta em "The Deep", ajudando a fazer o filme um sucesso de bilheteria. O produtor Peter Guber teria dito: "Essa camiseta me tornou um homem rico". Essa pequena façanha levou muitos a creditá-la por popularizar o concurso de camisetas molhadas. "

Ursula Andress

Mel. Honey Ryder. 1962 foi o ano dela. A atriz "Dr. No" se tornou a primeira "Bond Girl" e fez da entrada da tela do seu biquíni molhado um espetáculo inesquecível no que "se tornou um momento icônico na história do cinema e da moda quando ela emergiu do Mar do Caribe em um biquíni branco e esportivo uma grande faca de mergulho em seu quadril. " O biquíni nunca teve uma apresentação melhor, e apostamos que a atriz de 78 anos ainda poderia fazer ondas.

Farrah Fawcett

Finalmente. Era tudo sobre o cabelo! Ninguém na história do entretenimento era mais famoso por uma cabeça de cabelo do que Farrah Fawcett. A atriz de "Charlie's Angels" se tornou um nome familiar em 1976, depois de assumir o papel de Jill Monroe na série de sucesso da ABC TV. E então havia o pôster! A Pro Arts Inc. lançou a ideia de um pôster FF para o agente da estrela, e você sabe o resto da história. Esse pôster se tornou o pôster mais vendido de seu tempo, vendendo mais de 20 milhões de cópias. Agora esse é um anjo sexy.


Símbolos sexuais, generais e boêmios: um olhar sobre o tablóide que capturou a euforia de Israel entre as guerras

Nos anos entre as guerras dos Seis Dias e do Yom Kippur, este país realmente relaxou. A revista Ha'olam Hazeh foi um cronista fiel daqueles tempos infiéis. Lembranças dos últimos dias de Pompéia, ao estilo israelense.

A manchete de março de 1973 na revista semanal Ha’olam Hazeh dizia tudo: “Moshe Dayan versus Moshe Dayan: A batalha pela Colônia”. Retratados no centro da página estavam frascos de loção pós-barba e colônia Moshe Dayan, que haviam chegado ao mercado alguns meses antes. Conforme o nome, as garrafas tinham linhas bem viris, e o rótulo trazia o perfil familiar e o slogan “um nome inesquecível”.

Esta não foi uma iniciativa empresarial do então ministro da Defesa - a grande estrela da época. Foi ideia de um publicitário de 35 anos, também chamado Moshe Dayan, que, para desespero do “grande” Dayan, abriu um negócio por conta própria.

“Até 1972 trabalhei como diretora de publicidade da Helena Rubinstein, e meu nome era bem conhecido na área de cosméticos”, conta o “pequeno” Dayan, que hoje dá palestras sobre vários assuntos e é escultor. “Foi natural que depois que eu saísse de lá surgisse uma oportunidade de negócio: dois donos de loja de cosméticos me procuraram para ajudá-los a pensar em uma colônia masculina. Eles me ofereceram dinheiro para usar meu nome, ou ações, e eu escolhi ações. Em retrospecto, foi uma jogada estúpida. ”

“Escolhemos uma fragrância, desenhamos rótulos bonitos, fomos à Itália e selecionamos um frasco com aparência masculina. No espírito da época, queríamos nos basear em uma mensagem militar - na verdade, eu queria projetar uma garrafa no formato de uma granada de mão! Dayan tinha a imagem de um comandante, uma imagem que dizia vitória. Consegui vender 4.000 unidades na Alemanha e outras 4.000 na África do Sul. Mas quando começamos a anunciar em Israel, comecei a receber cartas do advogado do ministro da Defesa e do porta-voz do Ministério da Defesa, ameaçando com ação legal. ”

Dayan, o anunciante, planejava levar o caso até o Tribunal Superior de Justiça, "mas subestimei o poder de Dayan. Poucos meses depois de começarmos a vendê-lo, recebi cartas da África do Sul e da Alemanha, dizendo que estavam cancelando seus contratos conosco. Eu estava preso com garrafas de loção pós-barba e colônia. Eu ainda tenho alguns em casa. ”

Olhando para trás agora, esta anedota divertida parece exemplificar o espírito de seu tempo: admiração desenfreada por um comandante do exército e exibições militaristas, por façanhas sexuais e por todo aquele Dayan - talvez o maior símbolo daquele período antes da guerra do Yom Kippur - personificado.

Uma leitura atenta das edições pré-guerra de 1973 de Ha'olam Hazeh - pelo menos as partes não preocupadas com política - revela uma realidade que é bastante surpreendente para um leitor contemporâneo. A revista está repleta de contos de casos sexuais, fofocas, uma ânsia ilimitada pela vida e uma agenda que tratava de virar um olhar curioso para o mundo. Os escritores cobriram todos os tipos de festas selvagens, generais malandros e garotas glamourosas que trocaram "amigas" e maridos em um ritmo estonteante.

“Eram os últimos dias de Pompéia”, lembra o editor de Ha'olam Hazeh na época, Uri Avnery. “As pessoas que vivem em Pompéia nunca pensaram que um vulcão estava prestes a entrar em erupção, assim como os festeiros em Tel Aviv nunca sonharam que sua alegria estava prestes a acabar.”

“A cultura culinária israelense, que está ganhando mais importância na vida do israelense médio, ganha uma nova adição esta semana”, dizia o subtítulo de um artigo de 10 de janeiro daquele ano na revista sobre um guia de vinhos que acabara de ser publicado pela Jornalista do Haaretz Yoel Marcus. O livro continha um glossário da terminologia do vinho e uma explicação dos diferentes tipos de vinho, todos retirados dos anos de Marcus como correspondente em Paris. O artigo também incluiu algumas diretrizes para ajudar os leitores a “falar com inteligência sobre o vinho”.

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“Naquela época, em Israel, havia apenas dois tipos de vinho - azedo e doce”, lembra Marcus hoje. “O vinho doce era vinho tinto e estava sob qualquer crítica. O azedo - o vinho branco - era bebido com refrigerante. Escrevi sobre os diferentes sabores, como beber vinho, tipos de copos. ”

Por que então? O que aconteceu naquele momento que o levou a lançar o livro?

“Honestamente, o livro não vendeu tantos exemplares, talvez 3.000, e a parte em que falei sobre o mercado israelense foi muito pequena. Na época, Amos Kenan havia publicado seu 'Livro dos Prazeres' e, se eu realmente tiver que pensar sobre isso, diria que o período entre a Guerra dos Seis Dias e a Guerra do Yom Kippur foi uma época em que as pessoas viviam isso acima. Restaurantes mais chiques abriram e as pessoas saíram mais. Éramos populares e vinhos do exterior começaram a ser importados para Israel. Hoje é possível obter os melhores vinhos em Israel, sem mencionar todos os outros excelentes produtos locais. Mas não era o caso então. Meu livro era um livro didático. ”

A atmosfera festiva estava claramente evidente dias depois daquele janeiro, no casamento luxuoso e altamente divulgado do casal estrela de 1973, os atores Yona Alian e Sassi Keshet. O casal, que se apaixonou perdidamente no set do filme "Nurit", casou-se em um dia tempestuoso de inverno. A repórter “Rachel the Gossip”, também conhecida como Shula Yariv (mais tarde Tavor, depois de se casar com o jornalista Eli Tavor, fundador do Ha’olam Hazeh), tornou-se poética. “Dois enormes leões verdes, feitos de margarina congelada, conduziam uma enorme carroça cheia de frutas”, escreveu ela, descrevendo o que aconteceu no novo Pan American Hotel na praia de Bat Yam. “Peixes grandes, também feitos de margarina, serviam de fonte para uma poça de margarina.”

No final da página dupla cheia de fotos, ela escreveu, mordaz: “Os celebrantes deste grande evento certamente se encaixam no cenário de Hollywood: Ambos são estrelas, ambos são lindos, ambos são glamorosos. Acima de suas cabeças estava o pôster do filme ‘Nurit’ - feito de margarina, é claro. ”

“Na manhã do casamento, foi anunciado no noticiário e ficamos em choque - não sabíamos que seria assim”, lembra Alian agora. Lembrada do título “Casamento de Margarina”, ela ri. “Casamos em um hotel que realizava o casamento de graça, para a publicidade. Não nos envolvemos e eles fizeram a recepção e decoraram com essas esculturas de margarina - esculturas de margarina realmente grandes. Era uma espécie de arte na época e eles queriam nos surpreender, mas nunca sabíamos o que se planejava ou pensávamos que o casamento faria tanto barulho. Na época não havia tantos famosos, as proporções eram diferentes, porque havia apenas o Canal 1 e alguns filmes que todo mundo ia ver - tudo tinha 100% de audiência.

“Nossa paixão no set de filmagem e tudo o que aconteceu depois receberam muita cobertura, mas não por nossa causa”, continua Alian. “Fugimos, viajamos para o exterior. A exposição e o amor que recebemos - tudo era muito maior. Entre a Guerra dos Seis Dias e a Guerra do Yom Kippur, foi um período de normalidade. Vivíamos em um paraíso. Tudo foi maravilhoso e nós éramos os melhores. Não como todo mundo - éramos os melhores de todos, e tudo era o melhor e o mais. Eu não conseguia andar na rua por causa de todo o amor. Eles até nos chamavam de 'deuses', não de celebridades. Deuses."

Talvez fosse realmente essa curiosidade de que fala Alian e o sentimento eufórico de alegria, ou talvez fosse outra coisa que distinguiu Ha'olam Hazeh - que, em uma estratégia de marketing inteligente, mesclava crítica política incisiva com artigos de tabloides e nudez.

Chegada dos leitos d'água

Um longo artigo em Ha'olam Hazeh, que acabou sendo encerrado em 1993, relatou a chegada bem-vinda de leitos de água a Israel. Depois que eles se tornaram um grande sucesso na América no ano anterior, dois estudantes começaram a importá-los para cá em 73. O que era ostensivamente apenas um artigo sobre um novo produto de consumo ajudou a vender jornais com fotos de jovens seminus na cama, no espírito do amor livre. “‘ Camas de água são uma coisa boa, certo? ’Sussurrou ela em seu ouvido”, escreve a revista, descrevendo de maneira sedutora o diálogo entre um dos empresários e sua namorada, após uma “noite de prazer em uma cama de água dupla”. “‘ E nós dois sabemos disso. E além dos leitos d'água, você também ama Israel - então por que não os dois juntos? '”

As edições estão repletas de fotos das modelos em ascensão da época: Cheli Goldenberg e “a aluna do 12º ano”, Tzipi Levine (mãe de Bar Refaeli). A coluna de Rachel the Gossip apresenta fotos de todos os tipos de rainhas da beleza dos concursos que pareciam ocorrer todos os dias. O romance entre a cantora-modelo Daliah Lavi e o muito mais jovem Mike Brant, um cantor popular, é notícia quente, assim como o casamento de Tzadok Kraus (irmão do músico Shmulik) e a aeromoça Rachel Perry, ex-Tyrie, mais conhecida por um caso com Leonard Cohen. “Eu iria buscá-la no aeroporto, apenas para descobrir que ela não tinha entrado no avião porque Leonard tinha vindo no último minuto para buscá-la”, diz Kraus hoje, sobre seu casamento. “Foi aquela época louca dos anos 1970. E ela era uma pessoa muito livre. Ela mora em Los Angeles há 33 anos. ”

No final de fevereiro de 1973, a revista noticiava sobre o novo ponto quente próximo ao que hoje é a Praça Rabin de Tel Aviv: o restaurante Jacky, frequentado pela multidão boêmia, bem como por empresários, oficiais do exército e garotas glamorosas. Suas fotos adornam a página: "O restaurante que usurpou Cassit é o lugar onde todos os 'quem é quem' - especialmente da variedade feminina - devem ser vistos na tarde de sexta-feira."

“Era uma época de bares e discotecas e saídas. Havia uma certa atmosfera naquela época ”, lembra a produtora Micha Shaufstein. “Uma atmosfera de desapego. Boates e casas noturnas badaladas se abriram, todas as pessoas bonitas e malucos, todo mundo andando seminu. Era uma atmosfera de total liberdade. Na Jacky você tinha os oficiais do exército, caras com dinheiro e mulheres bonitas. Eu tinha pouco mais de 20 anos e costumava ir lá. Acho que Ha'olam Hazeh entendeu a atmosfera certa. A revista chegava todas as quintas-feiras e a aguardávamos. Moshe Dayan era a estrela, e Gandhi [Rehavam Ze'evi] também. Oficiais eram deuses. Todos os generais apareceriam uniformizados nos clubes e não pagariam. Eles os convidariam a entrar. Eles eram as verdadeiras celebridades da época. ”

No início de 1972, o filme “Last Tango in Paris” foi lançado e causou um grande rebuliço. Houve relatos sobre como a versão sem cortes do filme foi contrabandeada para Nova York da Itália, onde não houve censura. Havia histórias sobre as cenas famosas, sobre os atores e o diretor. Poucos meses depois, em 14 de abril, a revista publicou um grande artigo composto de respostas de espectadores locais ao filme, que, surpreendentemente, estava sendo exibido em Israel no Studio Cinema de Tel Aviv, sem que uma única cena tivesse sido cortada pelo censor . As respostas variaram de "É assim que as coisas acontecem na vida", de Haim Aharon, de 25 anos, a "O que é tudo isso com as extremidades traseiras?" - a reação horrorizada de uma Mitka Aharon ao sair do cinema.

“Foi uma grande sensação internacional”, lembra o crítico de cinema do Haaretz, Uri Klein. “Foi definitivamente o evento cinematográfico daquele ano. Em Israel, também, causou muito entusiasmo. Falou-se muito sobre a cena da manteiga e houve um discurso, mas principalmente foi uma sensação, um acontecimento. É difícil pensar em outro filme, uma vez que causou esse tipo de empolgação. ”

Klein continua: “Na época, nem todos os filmes importantes do ano chegaram a Israel. Isso ainda não estava acontecendo. A Cinemateca [em Tel Aviv] só abriu em 1972, e no mesmo ano o departamento de estudos de cinema da Universidade de Tel Aviv foi iniciado. Foi uma época de florescimento cinematográfico em Israel, uma época de importância histórica - agora você tem uma instituição onde pode estudar cinema e uma instituição onde pode assistir a filmes importantes. Antes disso, havia clubes de cinema, mas era tudo muito aleatório e casual, não institucionalizado. ”

E de repente houve essa sensação de ‘Fazemos parte do mundo’?

"Absolutamente. Também me lembro da empolgação em torno da exibição de ‘O Poderoso Chefão’, que foi lançado na mesma época. Uma sensação de que as coisas estavam acontecendo. ”

Esse sentimento de que éramos um com o mundo e as mensagens daqueles anos - a curiosidade e a rebelião, a cultura jovem desafiadora, os Rolling Stones e os Beatles - encontraram expressão em Israel também. Mas talvez seja mais correto dizer que foi uma força contrária ao isolamento e à atitude de autoproteção dos anos que precederam a vitória na Guerra dos Seis Dias de 1967.

Um aspecto dessa tendência pode ser encontrado no romance de 1973 do jornalista Dahn Ben-Amotz, "Lo Sam Zayin" ("Does Not Give a Damn"), que se tornou um best-seller instantâneo entre os jovens. “Apenas duas semanas após sua publicação, e apesar do sigilo em torno de seu lançamento, o livro promete ser uma das obras literárias mais comentadas do ano.” Essa declaração de Ha'olam Hazeh aparentemente derivou das vendas impressionantes do livro, considerando seu assunto - um soldado de combate ferido, o contemporâneo dos signatários da carta dos alunos do ensino médio reclamando da falta de esforços de paz por parte do governo de Golda Meir. está repleto de pensamentos heréticos do soldado contra o exército e a guerra. E com seu título inequívoco, o livro foi também uma provocação política e também um choque de gerações.

“Dahn Ben-Amotz reuniu ao seu redor um grupo de jovens, alunos do ensino médio de Tel Aviv, e para eles ele era o mundo inteiro”, explica Levi Zini, diretor do documentário sobre Ben-Amotz, intitulado “Daba: A História de um ícone israelense ”Levi era um adolescente na época. “Ele se atreveu a fazer perguntas. Foi um teste cauteloso das fronteiras patrióticas, e Ben-Amotz deu-lhe expressão. As crianças da minha geração devoraram avidamente o livro, porque deu voz às nossas perguntas e ao nosso eu individual. De repente, parecia haver um lugar para quem éramos. Combinava com o espírito da época. ”

“Éramos uma espécie de grupo, um pouco radical, político. Fizemos barulho ”, lembra Ami Amir, agora produtor de televisão, e uma das jovens groupies que se reuniram em torno de Ben-Amotz. “Nós ficávamos perto de Cassit e um dia conhecemos [o escritor] Amos Kenan. Foi assim que nos relacionamos com ele e Ben-Amotz. ”

O livro era sobre todos vocês?

“The book doesn’t depict the time. Ben-Amotz had to return to the army, he needed to exploit his hero’s disability to explain his heretical views. It was a banal reason, and meanwhile it was the time of the Greater Land of Israel − we’re kings of the world and anything goes. Our group was against that. We objected to that, and Ben-Amotz did, too. He saw something in us that he could identify with.”

Song and dance

In the early spring, the magazine reported that “a private businessman has volunteered to fund Israel’s representation in Europe − since the Israel Broadcasting Authority did not find the budget to do so.” It was referring to the Eurovision Song Contest of that year − the first year Israel participated − and Daphna Tours’ offer to pay to fly singers Ilanit, Shlomo Zach and Nurit Hirsch to the competition in Luxembourg.

“In 1972, I worked with Shlomo Zach in Germany, and I was approached and asked to represent Germany,” says Ilanit, who represented Israel in the competition and came in fourth with the song “Ey Sham” ‏(“Somewhere”‏). “I happened to see Israel on the lists of countries eligible to take part in the competition, and I contacted the Broadcasting Authority.”

It was already too late for 1972, and a year later the trip was nearly canceled due to funding problems, which the singer herself solved: “I went and did an ad for the travel agency Daphna Tours, and they put the picture on the cover of Lahiton [a weekly music magazine]. The agency paid for our flights − for me, Shlomo and Nurit − but there wasn’t money for the backup band, so I sang alone. I performed there without a band I got the dress from [designer] Roji Ben Yosef, and there was a whole story with the judges, too. According to the rules, two judges from each country were supposed to be there on stage − one senior and one junior − but the Broadcasting Authority didn’t have money to send judges. The [Channel 1] correspondent in Paris, Nakdimon Rogel, was recruited for the job, he brought his son with him, and that’s how Israel had its two judges.”

The 1973 Eurovision Song Contest was apparently one of the most-watched broadcasts in Israeli history: The streets were deserted that night, when the competition was being aired live for the first time, and beautiful, golden-haired Ilanit attracted the attention of the foreign media and forecasts for greater things.

On Israel’s 25th Independence Day, things looked good. Prime Minister Meir was interviewed on television and asked about the possibility of Egyptian aggression. In February 1973 Israel had downed a Libyan passenger jet that mistakenly entered Sinai airspace, and Golda blew a puff of smoke from her cigarette and replied to the interviewer: “If [Egyptian President Anwar] Sadat is thinking of messing with us, he should ask [Libyan leader Muammar] Gadhafi whether it’s worth it.”

In June 1973, the wax museum Armon Shalom opened in Tel Aviv’s Shalom Tower, and the ads for it starred the figures of Golda Meir and Moshe Dayan − more prominent personalities than even singer Yehoram Gaon, the big star of the period. Edna Lev’s “You and I were Born in ‘48” won that year’s Israel Song Festival, and Shlomo Artzi’s “The Song About the Land of Sinai” was playing frequently on the radio.

“There was great love for Israel then, and in Israel, too, people felt invincible and complacent,” says Ilanit.

“The whole early ‘70s was a time of cultural ferment,” adds Zini. “There was the Lul [comedy] troupe, and [poets Yona] Wallach and [Meir] Wieseltier, [artist] Jacques Katmor and [poet-writer] David Avidan, and everyone experimenting with drugs. It was like this giant valve had been released − this great discovery that there was a world outside that was trickling in to us here. It was the most marvelous cultural era ever here. A fantastic burst of creativity.”

“In retrospect, it was like everyone was going wild,” reflects Shula Yariv ‏(aka Rachel the Gossip‏) today. “People were carried away. There was this new openness and sexual permissiveness. And, by the way, I don’t think they were doing anything then that isn’t done today it’s just today it’s not reported on. There are stories, they’re just not being told. Maybe that’s something that’s happened since then. When the [Yom Kippur] war came it shattered everything. So it’s not that there were no more stories, but who felt like hearing them anymore? Who felt like telling them?”

Adds Avnery: “I called this period the ‘ship of fools,’ and it was a war between the two wars. The entire country was in a state of euphoria, the military officers were gods and the supreme god was Moshe Dayan. There was a general air of optimism: Our power was unlimited, our army was unbeatable and we could do whatever we pleased. It was reflected in everything − in poetry and art − until the Yom Kippur War came and put an end to it. We at Ha’olam Hazeh reflected the life around us, and the life of the bohemian crowd in Tel Aviv, of the cultural leaders, was carefree and pleasant. It really was.”

Total liberation? Permissiveness?

“Moshe Dayan was God, an international sex symbol, and tales of his sexual exploits were famous around the world. A cause for admiration. Dayan was the symbol of the time, and he embodied its spirit. You don’t find that anymore. The war put an end to that special time, a very fertile time in many ways, and it’s gone now.”

You make it sound like everything changed all at once.

“The Yom Kippur War changed the public atmosphere − or call it the public culture − all at once. The day after the war, it was a different Israel from that standpoint. The nightclubs emptied out, the whole thing came to a halt. I lived above Frederika’s nightclub at the time, and I often used to stop in there for a drink after work. From the time the war began [October 1973], all the nightlife was shut down. It was all over: the promiscuity and the sex, the whole ethos of the invincible army, the all-powerful Israeli supermen. The days of great joy did not return. In a certain sense, the present days of joy and euphoria are also the last days of Pompeii, just different ones.”

“The joy then came from excessive self-confidence. There were cultural figures and generals that everyone admired, and glamour girls. That doesn’t exist today because it’s not the same society anymore. What is similar is that feeling of the last days of Pompeii. Israeli society is closing its eyes so as not to see what’s right in front of it, but the self-confidence of that earlier time is gone now.”

Not so much the last days of Pompeii as: Eat and drink, for tomorrow we die?

“Like partying on the Titanic as we’re heading for the iceberg.”

Dahn Ben-Amotz. Yakov Agor Sassi Keshet and Yona Alian. Yakov Agor Ilanit. Yakov Agor “Last Tango in Paris,” 1972. The uncut version was shown in Israel.


How the Beatles Became International Sex Symbols - History

Intercommunal violence on Cyprus - tensions between the Greek and Turkish communities on Cyprus erupt into sporadic outbreaks of violence, with the UN called in the keep the fragile peace

Three years of peace followed Cypriot independence in 1960. Beneath the peace, however, lay the resentment of some Greek Cypriots at the prevention of political union with Greece and a growing conflict between Greek and Turkish Cypriots over the bicommunal provisions of the constitution.

EOKA, a Greek Cypriot nationalist guerrilla organisation that fought a campaign for the end of British rule had officially disbanded and surrendered its weapons in 1959. In fact, however, many former EOKA members had retained their weapons, and some joined groups of armed irregulars. The Turkish Cypriot community responded to the growth of these groups by reviving the TMT (Turkish paramilitary) in early 1962.

In late November 1963, the president, Archbishop Makarios, introduced a proposal to amend the constitution in a way that would ensure the dominance of Greek Cypriots. In the tense atmosphere that ensued, a street brawl broke out on December 21 in Nicosia, between Turkish Cypriots and Greek Cypriot police. This fight was followed by major attacks by Greek Cypriot irregulars in Nicosia and Larnaca. Looting and destruction of Turkish villages forced many Turkish Cypriots to withdraw into defensible enclaves guarded by the TMT paramilitary. Fearful that Turkey might carry out its threat to invade, Makarios agreed to British intervention from its bases on the island.

On December 27 British troops assumed positions between opposing irregular units, and the fighting, which had claimed 100 lives on each side during the previous week, subsided temporarily. The cease-fire held in Nicosia, but by mid-February 1964 Greek Cypriot attacks at Limassol brought a renewed threat of Turkish landings. Britain appealed to the UN Security Council, and on March 4, 1964, the UN approved a resolution to establish an international peace-keeping force for duty in Cyprus.

In June 1964, the National Guard was formed by the Greek Cypriot government, which also instituted male conscription. The National Guard absorbed the various private armies into a single national military force loyal to the government and served as a deterrent to a Turkish invasion. Greek Army soldiers were clandestinely transferred to the guard on a large scale by midsummer the National Guard consisted of an estimated 24,000 officers and men, about half from the Greek Army. Grivas, thought to be the only man who could enforce discipline over the disparate armed Greek Cypriot factions, returned from Athens to command the National Guard.

Meanwhile, the Turkish Cypriot community, in its newly created enclaves, organized militarily under the TMT, supported by conscription of Turkish Cypriot youths. Turkish Army troops trained the Turkish Cypriot forces, totaling an estimated 10,000 fighters, and directed the defense of the enclaves. Outbreaks of fighting continued, although the presence of UN prevented them from erupting into major hostilities. In August 1964, the National Guard carried out a coordinated sea and land assault against Kokkina on the northwest coast, in an effort to cut off the major Turkish Cypriot supply line to the mainland. Heavy attacks by Turkish jet fighter-bombers, operating beyond the range of the Greek Air Force, halted the Greek Cypriot offensive. Several years of peace followed, while the two communities improved their military readiness.


Bardot was master songwriter Bob Dylan’s muse for a time as well. In fact, he dedicated the first song he ever wrote to Bardot. In his second album, he mentions her by name in “I Shall Be Free.”

Well, my telephone rang it would not stop
It’s President Kennedy callin’ me up
He said, “My friend, Bob, what do we need to make the country grow?”
I said, “My friend, John, Brigitte Bardot…”


From sex symbol to angel of the wards

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Julie in her modelling days

The obituaries for Norwegian Bond Girl Julie Ege, who died last month, swept in on a wave of seductive imagery. She was the poster-girl beauty of a generation and the stunning pictures from her raft of Seventies sex comedies provided a gallery of her charms that were celebrated with cinematic nostalgia.

The deserved recognition for her place on British film history’s timeline sold her short, though, for behind the saucy poses lies the remarkable story of a girl from a bicycle factory who became an international sex symbol, gave it all up and devoted her life to caring for others.

Julie’s astonishing life was dominated by a 22-year battle with cancer and a determination to support other sufferers through their dark days.

In 2001 with her daughters and grandson

Condolences have been flooding in to Julie’s Oslo home since her death aged 64 on April 29. There have been notes from film fans but also many from members of the public who viewed her as an inspiration for tackling cancer and empowering women across Scandinavia.

She discovered her breast cancer while revising for nursing exams and believes the knowledge from studying helped her to detect the disease early Sadly, though, this was was only the start as she then struggled with ovarian and lung cancer.

“We’ve been overwhelmed by the reaction from people whose lives she touched,” said her 29-year-old daughter Ella Ege Bye in an exclusive interview with the Sunday Express. “She got cancer at 42 and was always open about it. She also retrained to become a nurse in her 40s and that gave lots of women the confidence

“She was an incredibly beautiful woman but also a vibrant, caring person who had an impact on a generation of women. There was a different persona from the film star because she moved away from the bright lights to live in the country where she would make her own jams, grow vegetables and make her own clothes.

She was very independent and self-sufficient but then she could just transform and look so beautiful and glamorous.”

Ella, who is seven months pregnant, added: “It is so tragic that she has gone and she won’t be here

for the birth but her presence will never leave us. She had so much energy and one of the saddest parts of her getting ill was that she could not go out for walks in the country.”

Julie’s funeral took place in Norwegian capital Oslo last Friday and the congregation sang Imagine by John Lennon in a moving tribute.

She was working at a bicycle factory in the town of Sandness, south-west Norway, when her beauty was first noticed. She began modelling at 15, took the Miss Norway crown at 19, entered the Miss Universe competition and was soon travelling around the world. She married a Norwegian army officer and then a British dentist but both marriages failed.

Stardom really beckoned when she was picked for a part in the 1969 Bond film On Her Majesty’s Secret Service and she then almost trademarked the role of exotic temptress in a string of risqué films throughout the Seventies. She was pursued by high-profile actors and stars but she dated former Beatles confidant and record producer Tony Bramwell for seven years.

“She was the love of my life. She was amazingly beautiful and got the sort of coverage that Princess Di had but she was also a dynamic person and a wonderful mother,” said Bramwell, author of the acclaimed book, Magical Mystery Tours: My Life with the Beatles. “She was very funny and completely got British humour. That made her

a natural for those sort of films, but there was so much more to her than a beautiful figure.

“Those risqué films became soft porn, which she refused, so she turned to stage work. She really was a template for a lot of glamorous figures today who make fortunes. She got paid very little and had lousy agents. If she had started a decade ago, she would have made millions.”

The couple drifted apart and Julie returned to Norway where she joined the influential Rogaland Theatre in Stavanger. Fellow actress Gretelill Tangen, 58, recalled: “We have never had so much attention as when Julie joined us but there was nothing of the prima donna about her.

“She had no formal training as an actress but was willing to learn from older actors and everyone loved her because she was so down to earth.”

Her eldest daughter Joanna Syson, 38, a film editor based in Shanghai, was born in west London and remembers the early years on the London showbiz circuit and having Queen guitarist Brian May as a neighbour. “Mum wasn’t materialistic at all and we’d go around in a battered Mini,” said Joanna. “She loved being in the garden and would be digging around in the afternoon and then go inside and transform herself into this beautiful, glamorous woman to go

to shows or meet contacts.

“It is amazing to think that she started out in a bicycle factory and then became an international star and then a nurse. She spoke publicly about her cancer because she wanted to help other women and hope they wouldn’t suffer in silence or isolation. It became a cause for her.

“She had a mastectomy and then spoke about plastic surgery and her openness was a breath of fresh air. She refused to let it blight her life and hoped others would feel the same way. The fact that she was studying and determined to create a new life in her 40s also inspired people.”

Julie wrote her autobiography, Naked, and still attended premieres and events in Oslo while holding down a demanding job as a nurse in the Buskerud Hospital in Drammen. “She was a nurse and loved the job,” said Joanna. “You would never have known she had this rich, glamorous past if you’d met her. You would have just been struck by her energy, her smile and her determination to help people.

“Even at the very end she was strong and stunningly beautiful. The last thing she did was give us a big, blinding smile. It was a beautiful moment and she has gone way too soon.”

Julie’s family are not the only ones to feel so bereft. Her saucy film roles may have initially shocked the small-town society from whence she came, but Julie Ege soon won them over with her unpretentious and hardworking attitude.

“At first, her roles in glamorous films were frowned upon simply because no one from Norway had done that stuff before,” said Rogaland Theatre administrator Knud Helge Robberstad, “but she was much loved throughout the nation for her acting ability, her openness and her dignity. It was a great sense of national loss when she passed away.”

In the town that initially damned her, they are organising a statue to commemorate the life of a woman who stepped away from the showbiz shallows to have a deep, lasting impact on society.

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Paul McCartney was inspired to write "Helter Skelter" after reading an interview with the Who's Pete Townshend where he described their September 1967 single, "I Can See for Miles", as the loudest, rawest, dirtiest song the Who had ever recorded. He said he then wrote "Helter Skelter" "to be the most raucous vocal, the loudest drums, et cetera". [5] On 20 November 1968, two days before the release of Os Beatles (also known as "the White Album"), [6] McCartney gave Radio Luxembourg an exclusive interview, in which he commented on several of the album's songs. [7] Speaking of "Helter Skelter", he said:

Umm, that came about just 'cause I'd read a review of a record which said, "and this group really got us wild, there's echo on everything, they're screaming their heads off." And I just remember thinking, "Oh, it'd be great to do one. Pity they've done it. Must be great – really screaming record." And then I heard their record and it was quite straight, and it was very sort of sophisticated. It wasn't rough and screaming and tape echo at all. So I thought, "Oh well, we'll do one like that, then." And I had this song called "Helter Skelter," which is just a ridiculous song. So we did it like that, 'cos I like noise. [8]

In British English, a helter skelter is a fairground attraction consisting of a tall spiral slide winding round a tower, but the phrase can also mean chaos and disorder. [9] McCartney said that he was "using the symbol of a helter skelter as a ride from the top to the bottom the rise and fall of the Roman Empire – and this was the fall, the demise." [5] He later said that the song was a response to critics who accused him of writing only sentimental ballads and being "the soppy one" of the band. [10] Although the song is credited to the Lennon–McCartney partnership, it was written by McCartney alone. [11] John Lennon acknowledged in a 1980 interview: "That's Paul completely." [12]

The song is in the key of E major [13] and the 4/4 time signature. [14] On the recording issued on Os Beatles, its structure comprises two combinations of verse and chorus, followed by an instrumental passage and a third verse–chorus combination. This is followed by a prolonged ending during which the performance stops, picks up again, fades out, fades back in, and then fades out one final time amidst a cacophony of sounds. [14] The stereo mix features one more section that fades in and concludes the song. [15]

The only chords used in the song are E7, G and A, with the first of these being played throughout the extended ending. Musicologist Walter Everett comments on the musical form: "There is no dominant and little tonal function organized noise is the brief." [16] The lyrics initially follow the title's fairground theme, from the opening line "When I get to the bottom I go back to the top of the slide". McCartney completes the first half-verse with a hollered "and then I see you AGAIN!" [17] The lyrics then become more suggestive and provocative, with the singer asking, "But do you, don't you, want me to love you?" [18] In author Jonathan Gould's description, "The song turns the colloquialism for a fairground ride into a metaphor for the sort of frenzied, operatic sex that adolescent boys of all ages like to fantasize about." [19]

"Helter Skelter" was recorded several times during the sessions for the White Album. During the 18 July 1968 session, the Beatles recorded take 3 of the song, lasting 27 minutes and 11 seconds, [20] although this version is slower, differing greatly from the album version. [21] [nb 1] Chris Thomas produced the 9 September session in George Martin's absence. [2] He recalled the session was especially spirited: "While Paul was doing his vocal, George Harrison had set fire to an ashtray and was running around the studio with it above his head, doing an Arthur Brown." [22] [nb 2] Ringo Starr recalled: "'Helter Skelter' was a track we did in total madness and hysterics in the studio. Sometimes you just had to shake out the jams." [24]

On 9 September, 18 takes lasting approximately five minutes each were recorded, with the last one featured on the original LP. [22] At around 3:40, the song completely fades out, then gradually fades back in, fades back out partially, and finally fades back in quickly with three cymbal crashes and shouting from Starr. [25] During the end of the 18th take, he threw his drum sticks across the studio [15] and screamed, "I got blisters on my fingers!" [5] [22] [nb 3] Starr's shout was only included on the stereo mix of the song the mono version (originally on LP only) ends on the first fadeout without Starr's outburst. [27] [nb 4] On 10 September, the band added overdubs which included a lead guitar part by Harrison, trumpet played by Mal Evans, piano, further drums, and "mouth sax" created by Lennon blowing through a saxophone mouthpiece. [27]

According to music critic Tim Riley, although McCartney and Lennon had diverged markedly as songwriters during this period, the completed track can be seen as a "competitive apposition" to Lennon's "Everybody's Got Something to Hide Except Me and My Monkey". He says that whereas Lennon "submerges in scatalogical contradictions" in his song, "Helter Skelter" "ignites a scathing, almost violent disorder". [29] In Everett's view, rather than the Who's contemporaneous music, the song "sounds more like an answer to [Yoko Ono]", the Japanese performance artist who, as Lennon's new romantic partner, was a constant presence at the White Album sessions and a source of tension within the band. [30]

"Helter Skelter" was sequenced as the penultimate track on side three of Os Beatles, between "Sexy Sadie" and "Long, Long, Long". [31] [32] The segue from "Sexy Sadie" was a rare example of a gap (or "rill") being used to separate the album's tracks, and the brief silence served to heighten the song's abrupt arrival. [33] In Riley's description, the opening guitar figure "demolishes the silence . from a high, piercing vantage point" while, at the end of "Helter Skelter", the meditative "Long, Long, Long" begins as "the smoke and ash are still settling". [34] The double LP was released by Apple Records on 22 November 1968. [6] [35]

In his contemporary review for International Times, Barry Miles described "Helter Skelter" as "probably the heaviest rocker on plastic today", [36] while the NME ' s Alan Smith found it "low on melody but high on atmosphere" and "frenetically sexual", adding that its pace was "so fast they all only just about keep up with themselves". [37] Record Mirror ' s reviewer said the track contained "screaming pained vocals, ear splitting buzz guitar and general instrumental confusion, but [a] rather typical pattern", and concluded: "Ends sounding like five thousand large electric flies out for a good time. John [sic] then blurts out with excruciating torment: 'I got blisters on my fingers!'" [38]

In his review for Pedra rolando, Jann Wenner wrote that the Beatles had been unfairly overlooked as hard rock stylists, and he grouped the song with "Birthday" and "Everybody's Got Something to Hide Except Me and My Monkey" as White Album tracks that captured "the very best traditional and contemporary elements in rock and roll". He described "Helter Skelter" as "excellent", highlighting its "guitar lines behind the title words, the rhythm guitar track layering the whole song with that precisely used fuzztone, and Paul's gorgeous vocal". [39] Geoffrey Cannon of O guardião praised it as one of McCartney's "perfect, professional songs, packed with exact quotes and characterisation", and recommended the stereo version for the way it "transforms" the song "from a nifty fast number to one of my best 30 tracks of all time". [40] Although he misidentified it as a Lennon song, William Mann of Os tempos said "Helter Skelter" was "exhaustingly marvellous, a revival that is willed by creativity . into resurrection, a physical but essentially musical thrust into the loins". [41]

In June 1976, Capitol Records included the track on its themed double album compilation Rock 'n' Roll Music. In the United States, the song was also issued on the single promoting the album, as the B-side to "Got to Get You into My Life". [42] In 2012, "Helter Skelter" appeared on the iTunes compilation album Tomorrow Never Knows, which the band's website described as a collection of "the Beatles' most influential rock songs". [43]

Charles Manson told his followers that several White Album songs, particularly "Helter Skelter", [44] were part of the Beatles' coded prophecy of an apocalyptic war in which racist and non-racist whites would be manoeuvred into virtually exterminating each other over the treatment of blacks. [45] [46] [47] Upon the war's conclusion, after black militants had killed off the few whites that had survived, Manson and his "Family" of followers would emerge from an underground city in which they would have escaped the conflict. As the only remaining whites, they would rule blacks, who, as the vision went, would be incapable of running the United States. [48] Manson employed "Helter Skelter" as the term for this sequence of events. [49] [50] In his interpretation, the lyrics of the Beatles' "Helter Skelter" described the moment when he and the Family would emerge from their hiding place – a disused mine shaft in the desert outside Los Angeles. [51]

Los Angeles Deputy District Attorney Vincent Bugliosi, who led the prosecution of Manson and four of his followers who acted on Manson's instruction in the Tate-LaBianca murders, named his best-selling book about the murders Helter Skelter. [52] At the scene of the LaBianca murders in August 1969, the phrase (misspelt as "HEALTER SKELTER") was found written in the victims' blood on the refrigerator door. [53] [54] In October 1970, Manson's defence team announced that they would call on Lennon for his testimony. Lennon responded that his comments would be of no use, since he had no hand in writing "Helter Skelter". [55]

Bugliosi's book was the basis for the 1976 television film Helter Skelter. The film's popularity in the US ensured that the song, and the White Album generally, received a new wave of attention. As a result, Capitol planned to issue "Helter Skelter" as the A-side of the single from Rock 'n' Roll Music but relented, realising that to exploit its association with Manson would be in poor taste. [42] In the final interview he gave before his murder in December 1980, Lennon dismissed Manson as "just an extreme version" of the type of listener who read false messages in the Beatles' lyrics, such as those behind the 1969 "Paul is dead" rumour. [56] Lennon also said: "All that Manson stuff was built around George's song about pigs ['Piggies'] and this one, Paul's song about an English fairground. It has nothing to do with anything, and least of all to do with mim." [12]

Reflecting on "Helter Skelter" and its appropriation by the Manson Family in his 1997 authorised biography, Many Years from Now, McCartney said, "Unfortunately, it inspired people to do evil deeds" and that the song had acquired "all sorts of ominous overtones because Manson picked it up as an anthem". [57] Author Devin McKinney describes the White Album as "also a black album" in that it is "haunted by race". [58] He writes that, in spite of McCartney's comments about the song's meaning, the recording conveys a violent subtext typical of much of the album and that "Here as ever in Beatle music, performance determines meaning and as the adrenalized guitars run riot, the meaning is simple, dreadful, inarticulate, and instantly understood: She's coming down fast." [1] In her 1979 collection of essays about the 1960s, titled The White Album, Joan Didion wrote that many people in Los Angeles cite the moment that news arrived of the Manson Family's killing spree in August 1969 as having marked the end of the decade. [59] According to author Doyle Greene, the Beatles' "Helter Skelter" effectively captured the "crises of 1968", which contrasted sharply with the previous year's Summer of Love ethos. He adds: "While 'Revolution' posited a forthcoming unity as far as social change, 'Helter Skelter' signified a chaotic and overwhelming sense of falling apart occurring throughout the world politically and, not unrelated, the falling apart of the Beatles as a working band and the counterculture dream they represented." [60]

Writing for MusicHound in 1999, Guitar World editor Christopher Scapelliti grouped "Helter Skelter" with "While My Guitar Gently Weeps" and "Happiness Is a Warm Gun" as the White Album's three "fascinating standouts". [61] The song was noted for its "proto-metal roar" by AllMusic reviewer Stephen Thomas Erlewine. [62] Coinciding with the 50th anniversary of the album's release, Jacob Stolworthy of O Independente listed the same three songs as its best tracks, with "Helter Skelter" ranked at number 3. Stolworthy described it as "one of the best rock songs ever recorded" and concluded: "The fiercest, most blistering track that arguably paved the way for heavy metal is far removed from the tame love songs people were used to from [McCartney]." [63] Writing in 2014, Ian Fortnam of Rock clássico magazine cited "Helter Skelter" as one of the four songs that made the Beatles' White Album an "enduring blueprint for rock", along with "While My Guitar Gently Weeps", "Yer Blues" and "Don't Pass Me By", in that together they contained "every one of rock's key ingredients". [64] In the case of McCartney's song, he said that the track was "one of the prime progenitors of heavy metal" and a major influence on 1970s punk rock. [65]

Ian MacDonald dismissed "Helter Skelter" as "ridiculous, [with] McCartney shrieking weedily against a massively tape-echoed backdrop of out-of-tune thrashing", and said that in their efforts to embrace heavy rock, the Beatles "comically overreached themselves, reproducing the requisite bulldozer design but on a Dinky Toy scale". He added: "Few have seen fit to describe this track as anything other than a literally drunken mess." [66] Rob Sheffield was also unimpressed, writing in The Rolling Stone Album Guide (2004) that, following the double album's release on CD, "now you can program 'Sexy Sadie' and 'Long, Long, Long' without having to lift the needle to skip over 'Helter Skelter.'" [67] David Quantick, in his book Revolution: The Making of the Beatles' White Album, describes the song as "Neither loud enough to bludgeon the listener into being impressed nor inspired enough to be exciting". He says that it becomes "a bit dull after two minutes" and, after its laboured attempts at an ending, is "redeemed only" by Starr's closing remark. [68]

Doyle Greene states that the Beatles and Manson are "permanently connected in pop-culture consciousness" as a result of Manson's interpretation of "Helter Skelter", "Piggies" and other tracks from the White Album. [69] "Helter Skelter" was voted the fourth worst song in one of the first polls to rank the Beatles' songs, conducted in 1971 by WPLJ and The Village Voice. [70] According to Walter Everett, it is typically among the five most-disliked Beatles songs for members of the baby boomer generation, who made up the band's contemporary audience during the 1960s. [71]

In March 2005, Q magazine ranked "Helter Skelter" at number 5 in its list of the "100 Greatest Guitar Tracks Ever". [72] The song appeared at number 52 in Pedra rolando ' s 2010 list of "The 100 Greatest Beatles Songs". [25] [73] In 2018, Kerrang! selected it as one of "The 50 Most Evil Songs Ever" due to its association with the Manson Family murders. [74]

Since the producers of the 1976 film Helter Skelter were denied permission to use the Beatles recording, the song was re-recorded for the soundtrack by the band Silverspoon. [75] In 1978, Siouxsie and the Banshees included a cover of "Helter Skelter", produced by Steve Lillywhite, on their debut album The Scream. [76] [77] Fortnam cites the band's choice as reflective of how the song's "macabre association with Charles Manson . only served to accentuate its enduring appeal in certain quarters". [78] [nb 5] While discussing the stereo and mono versions of the Beatles' 1968 recording and the best-known cover versions of the track up to 2002, Quantick highlights the Siouxsie and the Banshees recording as "the best of all of them". [68] [nb 6] In an article about the legacy of the song, Financial Times further commented the Banshees' version, saying: "The abrupt ending on “stop” also leaves the listener mentally stuck at the top of the slide with no way down". [80]

In 1983, Mötley Crüe included the song on their album Shout at the Devil. Nikki Sixx, the band's bassist, recalled that "Helter Skelter" appealed to them through its guitars and lyrics, but also because of the Manson murders and the song's standing as a "real symbol of darkness and evil". [81] Mötley Crüe's 1983 picture disc for the song featured a photo of a fridge with the title written in blood. [81] That same year, the Bobs released an a-cappella version on their album The Bobs. [82] It earned them a 1984 Grammy nomination for Best Vocal Arrangement for Two or More Voices. [83]

In 1988, a U2 recording was used as the opening track on their album Rattle and Hum. The song was recorded live at the McNichols Sports Arena in Denver, Colorado on 8 November 1987. [84] Introducing the song, Bono said, "This is a song Charles Manson stole from the Beatles. We’re stealing it back." [75] Aerosmith included a cover of "Helter Skelter", recorded in 1975, on their 1991 compilation Pandora's Box compilação. [85] Aerosmith's version charted at number 21 on the Album Rock Tracks chart in the US. [86]

Oasis recorded a cover of "Helter Skelter", released in 2000 as a B-side on their "Who Feels Love?" solteiro. They also performed the song on their world tour promoting their fourth album Standing on the Shoulder of Giants in the early 2000s. A live version was included on their live album Familiar to Millions.

"Helter Skelter" has been covered by many other artists, including Pat Benatar, Vow Wow, Hüsker Dü, Dianne Heatherington and Thrice. [87] Shock rock band Rob Zombie collaborated with Marilyn Manson on a cover of "Helter Skelter", which was released in 2018 to promote their co-headlining "Twins of Evil: The Second Coming Tour". [88] [89] Their version peaked at number nine on Painel publicitário 's Hard Rock Digital Songs. [90]

Since 2004, McCartney has frequently performed "Helter Skelter" in concert. The song featured in the set lists for his '04 Summer Tour, The 'US' Tour (2005), Summer Live '09 (2009), the Good Evening Europe Tour (2009), the Up and Coming Tour (2010–11) and the On the Run Tour (2011–12). [75] He also played it on his Out There Tour, which began in May 2013. In the last tours, the song has been generally inserted on the third encore, which is the last time the band enters the stage. It is usually the last but one song, performed after "Yesterday" and before the final medley including "The End". McCartney played the song on his One on One Tour at Fenway Park on 17 July 2016 accompanied by the Grateful Dead's Bob Weir and New England Patriots football player Rob Gronkowski.

McCartney performed the song live at the 48th Annual Grammy Awards on 8 February 2006 at the Staples Center in Los Angeles. In 2009, he performed it live on top of the Ed Sullivan Theater during his appearance on the Late Show with David Letterman. [75]

At the 53rd Grammy Awards in 2011, the version of the song from McCartney's live album Good Evening New York City, recorded during the Summer Live '09 tour, won in the category of Best Solo Rock Vocal Performance. [91] [92] It was his first solo Grammy Award since he won for arranging "Uncle Albert/Admiral Halsey" in 1972. [93] McCartney opened his set at 12-12-12: The Concert for Sandy Relief with the song. [94] On 13 July 2019, the final date of his Freshen Up tour, [95] McCartney performed "Helter Skelter" at Dodger Stadium in Los Angeles with Starr playing drums. [96]


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Comentários:

  1. Voodookree

    O que faríamos sem sua magnífica frase

  2. Chval

    Desculpa, que eu o interrompo, mas sugiro passar por outro.

  3. Mezir

    Concorrência casual

  4. Tau

    Parece que você errou...

  5. Yardley

    Eles estavam errados, é claro.

  6. Beluchi

    Bravo, que palavras adequadas..., o pensamento admirável

  7. Munro

    um problema real para o nosso tempo, aguardo com expectativa a continuação das vossas discussões sobre esta questão. E é simplesmente super =)



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