Paul Nash

Paul Nash



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Paul Nash, o filho mais velho de William Nash e sua primeira esposa, Caroline Jackson, nasceu em Londres em 11 de maio de 1889. Seu pai era um advogado de sucesso que se tornou o Registrador de Abingdon. De acordo com Ronald Blythe: "Em 1901, a família retornou à sua Buckinghamshire natal, onde o jardim de Wood Lane House em Iver Heath e o campo das colinas de Chiltern, com suas faias esculturais e contornos calcários, foram as primeiras influências no desenvolvimento de as três crianças. Suas vidas foram obscurecidas pela doença mental de sua mãe e o próprio Nash foi muito ajudado por sua babá que, com alguns vizinhos idosos, o apresentou ao universo das plantas. "

Nash foi educado na St. Paul's School e na Slade School of Art, onde conheceu Stanley Spencer, Mark Gertler, C.R.W. Nevinson, Edward Wadsworth, Dora Carrington, William Roberts e Claughton Pellew. Ao contrário de alguns de seus contemporâneos na Slade School, Nash permaneceu intocado pelas duas exposições pós-impressionistas organizadas por Roger Fry em 1910 e 1912. Em vez disso, ele foi influenciado pela obra de William Blake. Ele também se tornou amigo próximo de Gordon Bottomley, que se interessou muito por sua carreira.

Nash teve sua primeira exposição individual, de desenhos a tinta e aguada, na Carfax Gallery em 1912. No ano seguinte, ele compartilhou uma exposição na Dorien Leigh Gallery com seu irmão, John Nash. O crítico de arte Ronald Blythe argumentou: "Devido ao entusiasmo de Michael Sadler e William Rothenstein, a exposição, embora modestamente pendurada nas paredes de uma loja de abajures e anunciada por um pôster feito em casa, foi um sucesso." Myfanwy Piper acrescentou: "Nash tinha um notável senso de ordem e das sutilezas da apresentação; suas fotos eram lindamente emolduradas, os desenhos montados, seu estúdio era preciso e decorativamente arrumado e os objetos que ele colecionava eram transformados em composições".

Paul Nash sentiu-se fortemente atraído por Dora Carrington: Mais tarde, ele lembrou: "Carrington ... era a personalidade dominante, e quando ela cortou seus grossos cabelos dourados em um pesado sino dourado, isto, seus belos olhos azuis, seus dedos do pé virados para dentro e outros atributos bastante pitorescos, mas atraentes, combinados para torná-la uma figura conspícua e popular ... Eu a tinha notado muito antes disso ser alcançado, quando como uma sofredora entediada na Classe Antiga, minha atenção foi repentinamente fixada pela visão deste divertido pessoa com olhos tão azuis e cabelos incrivelmente grossos de cabelo ruivo dourado. Fui apresentado a ela e, eventualmente, ganhei sua atenção emprestando-lhe meu aparelho para uma festa à fantasia. Estávamos no topo de um ônibus e ela os queria naquele momento. "

No surto, Nash considerou a possibilidade de ingressar no Exército Britânico. Ele disse a um amigo: "Não estou ansioso para sair correndo e ser um soldado. Toda a maldita guerra é horrível demais, é claro, e sou totalmente contra matar alguém, falar de improviso, mas, além de tudo isso, acredito que tanto Jack quanto eu podemos ser mais úteis como ambulâncias e homens da cruz vermelha e para isso estamos treinando. Pode haver emergências mais tarde e eu pretendo fazer alguns furos localmente e aprender a disparar uma arma, mas não vejo a necessidade de uma criatura cavalheiresca como eu ser levado às pressas para algum quartel abafado e brutal para passar os próximos meses praticamente sem fazer nada além de se gabar disfarçado de soldado para o caso de os pobres companheiros alemães mal orientados - pousarem. "

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Nash se alistou nos rifles dos artistas. Ele disse a Gordon Bottomley: "Entrei para o Regimento de Territoriais dos Artistas de Londres, o antigo Corpo que começou com Rossetti, Leighton e Millais como membros em 1860. Todo homem deve fazer sua parte neste negócio horrível, então desisti de pintar. Ali Há muitas criaturas legais em minha companhia e eu gosto da explosão do exercício - marchar, perfurar o dia todo ao ar livre nas partes agradáveis ​​de Regents Park e Hampstead Heath. "

Em março de 1917, ele foi enviado para a Frente Ocidental. Nash, que participou da ofensiva em Ypres, alcançou o posto de tenente no Regimento de Hampshire em 1916. Sempre que possível, Nash fez esboços da vida nas trincheiras. Em maio de 1917, ele voltou para casa inválido após um acidente não militar. Enquanto se recuperava em Londres, Nash trabalhou a partir de seus esboços para produzir uma série de pinturas de guerra. Este trabalho foi bem recebido quando exibido no final daquele ano.

Como resultado desta exposição, Charles Masterman, chefe do Departamento de Propaganda de Guerra (WPB) do governo, e o conselho de Edward Marsh e William Rothenstein, decidiu-se recrutar Nash como um artista de guerra. Em novembro de 1917, logo após a batalha de Passchendaele, Nash voltou à França. O trabalho de Nash durante a guerra incluiu The Menin Road, O Saliente de Ypres à noite, The Mule Track, Um disparo de obus, Country em ruínas e Primavera nas trincheiras.

Nash estava insatisfeito com seu trabalho como membro do War Propaganda Bureau. Ele escreveu na época: "Não sou mais um artista. Sou um mensageiro que trará notícias dos homens que estão lutando para aqueles que querem que a guerra continue para sempre. Fraca, inarticulada será minha mensagem, mas terá uma verdade amarga e pode queimar suas almas nojentas. " No entanto, como Myfanwy Piper observou: "Os desenhos que ele fez, de árvores tosquiadas em paisagens arruinadas e inundadas, foram as obras que fizeram a reputação de Nash. Eles foram exibidos nas Galerias de Leicester em 1918, juntamente com seus primeiros esforços na pintura a óleo , no qual ele foi autodidata e rapidamente obteve sucesso, embora seus desenhos feitos na área tivessem impacto público mais imediato. De abril daquele ano até o início de 1919, Nash se dedicou a pinturas encomendadas pelo departamento de informação do recém-criado Imperial Museu da Guerra ... Sua imaginação poética, em vez de ser esmagada pelas terríveis circunstâncias da guerra, expandiu-se para produzir imagens terríveis - terríveis por causa de sua combinação de apreciação distanciada, quase abstrata, e sua verdade na aparência. "

Em 1919, Nash mudou-se para Dymchurch em Kent, começando sua conhecida série de fotos do mar, dos quebra-mares e da longa parede que impede o mar de inundar Romney Marsh. Isto incluiu Mar de inverno e Degraus de Dymchurch. Nash também pintou as paisagens de Chiltern Hills. Em 1924 e 1928 teve exposições de sucesso nas Galerias Leicester.

Apesar dessa aclamação popular em 1929, seu trabalho tornou-se mais abstrato. Em 1933, Nash fundou a Unit One, o grupo de pintores experimentais, escultores e arquitetos que incluía Herbert Read, Edward Wadsworth, Henry Moore, Barbara Hepworth, Edward Burra, Ben Nicholson e Wells Coates. Nash também contribuiu para o Revisão da Arquitetura e Vida no Campo e escreveu o Guia de concha para Dorset (1936).

Durante a Segunda Guerra Mundial, Nash foi contratado pelo Ministério da Informação e pelo Ministério da Aeronáutica e as pinturas produzidas por ele durante este período incluem o Batalha da Grã-Bretanha e Totes Meer. Seu biógrafo, Myfanwy Piper, argumentou: "Esta guerra perturbou Nash, mas não mudou sua arte como a anterior. Seu estilo e seus hábitos foram formados, e na nova guerra ele tratou seus novos temas como tratava aqueles que ele vinha pensando há tanto tempo. Suas últimas pinturas, tanto a óleo quanto a aquarelas, são alternadamente brilhantes e sombrias em cores com a luz do pôr do sol e das luas nascentes se espalhando sobre paisagens arborizadas e montanhosas. "

Paul Nash morreu em 35 Boscombe Spa Road, Bournemouth, em 11 de julho de 1946.

Não estou com vontade de sair correndo e ser um soldado. Pode haver emergências mais tarde e eu pretendo obter perfurações localmente e aprender a disparar uma arma, mas não vejo a necessidade de uma criatura gentil como eu ser levada às pressas para algum quartel brutal e abafado para passar os próximos meses praticamente sem fazer nada mas se gabar disfarçado de soldado para o caso de os pobres companheiros alemães mal orientados - aterrissarem.

Eu me juntei ao Regimento de Territoriais dos Artistas de Londres, o antigo Corpo que começou com Rossetti, Leighton e Millais como membros em 1860. Há muitas criaturas legais em minha companhia e eu gosto da explosão do exercício - marchar, perfurar o dia todo ao ar livre ar sobre as partes agradáveis ​​de Regents Park e Hampstead Heath.

No meio do evento monstruoso está o Homem; os milhares e as centenas de milhares, os combatentes e os não combatentes; que todos têm um desejo e um objetivo; deixar de lado a guerra; tornar seu efeito invisível, tanto quanto eles possam ser compreendidos; deixar uma paz merecida crescer sua grama sobre as vítimas e continuar como antes.


Paul Nash

O compositor e guitarrista de jazz orquestral Paul Nash nasceu no Bronx, Nova York, em 1948. Filho de um pianista clássico, ele obteve seu primeiro gostinho do sucesso musical em 1966, quando uma de suas muitas bandas de rock adolescentes apareceu entre um desconhecido Jimi Hendrix e atração principal do Blues Project na lendária casa noturna de Greenwich Village Café Wha? Depois de se formar no Berklee College of Music em 1972, Nash mudou-se para San Francisco, obtendo seu mestrado em composição no Mills College quatro anos depois, ele fundou o Paul Nash Ensemble de dez integrantes, que incluía o trompetista Mark Isham e o baterista Eddie Marshall. Em 1979 lançou sua primeira gravação, A Jazz Composer's Ensemble. Seguiu-se a Second Impression em 1985, com Night Language aparecendo em 1987. Nesse mesmo ano, Nash também foi uma figura central na criação da Bay Area Jazz Composers Orchestra, um coletivo que apresentou um quarteto de cordas em suas apresentações de novas obras de compositores contemporâneos . A experiência BAJCO continuou a moldar a música de Nash após seu retorno a Nova York em 1990 - com a formação do Manhattan New Music Project, um conjunto que ostenta até 16 membros dedicados a estreias de obras de compositores como Neal Kirkwood, Bruce Williamson e outros. . O MNMP produziu dois LPs: Mood Swing de 1993 e Soul of Grace de 2000. Por volta de 1997, Nash começou a fazer experiências com composições específicas do local. O mais bem-sucedido, "Still Sounds Run Deep", requer que os músicos se organizem em grandes áreas públicas, tocando em harmonia com os sons do ambiente, enquanto mantêm conexões com a partitura original e seus colegas músicos por meio de cronômetros e instruções escritas. Nash morreu em Manhattan em 27 de janeiro de 2005, de complicações de um tumor no cérebro que ele tinha 56 anos.


Paul Nash: paisagens de guerra

A guerra é uma experiência muito intensa. Para os poetas, a guerra inspira uma torrente de palavras que caem na angústia; para os romancistas, a ficção fornece um véu fino pelo qual podem filtrar seus medos e terrores. Para os artistas, a guerra é aterrorizante e fascinante & # 8211não em sua glória, pois não há nada disso & # 8212, mas em sua totalidade. A guerra engole tudo: apaga a vida antes e diminui a vida depois. Os artistas ingleses que passaram anos pintando a Grande Guerra apresentaram um retrato em cinza-fumaça e marrom-lama de uma terra aberta e marcada por linhas de força futuristas. Nos filmes contemporâneos sobre a Guerra, essas cores, aquela desolação, a natureza empalidecida de um mundo dilacerado é evocada, inspirada por aquelas telas. Não importa quem seja o artista, Christopher Nevinson ou os irmãos Nash, não importa qual seja o estilo, até mesmo John Singer Sargent, de uma geração completamente diferente, pintado de pardo: todas as cores são ácidas e mortas, esmagadas sob o peso de bombardeios constantes. De alguma forma, a Slade School of Art, presidida por um grupo retrógrado de artistas não iluminados, de alguma forma produziu uma geração que criou uma linguagem moderna para uma arte moderna. Poucos artistas daquela geração de guerra encontraram paz e poucos foram capazes de recapturar a criatividade inspirada pela carnificina.

O artista de guerra Paul Nash viveu sob a sombra da morte é a vida inteira. O artista cresceu em circunstâncias difíceis, marcado pela depressão da mãe que tornava impossível uma infância normal. À distância do tempo, é difícil diagnosticar sua doença, mas a depressão clínica parece provável, visto que seu filho sofria da mesma doença. Seu pai, um advogado, mudou-se com a família para o campo, na vã esperança de que o isolamento ajudasse a saúde de sua esposa. Quando criança, Nash vagou pelos bosques e pelas colinas de Buckinghamshire, uma bela e bucólica extensão da paisagem inglesa, amada pelos poetas românticos. Mas ele explorou, não como um artista, mas como uma criança escapando de uma atmosfera sombria. Na verdade, Nash passou grande parte de sua infância lutando contra a asma, que, no início do século XX, podia ser fatal. Para uma criança, não ser capaz de respirar seria assustador. A luta constante para respirar deve ter consumido muita energia psíquica, pois ele chegou à idade adulta sem vocação e caiu na noção de artista quase ao acaso.

Campo de Buckinghamshire

Quando, após alguns anos de treinamento comercial como ilustrador de livros, Nash, que nunca se formaria como pintor, chegou à Slade School of Art, ou & # 8220The Slade, & # 8221, como era chamada, e se apaixonou como fez todos os jovens, com Dora Carrington. Parte do rito de passagem em Slade, além de amar Carrington, era o indomável Henry Tonks, um professor formidável e crítico severo de todas as coisas modernas, desde a afronta do pós-impressionismo aos horrores do cubismo e do futurismo. Tonks tinha pouca consideração por Nash, que tinha grande dificuldade em desenhar no estilo renascentista, a única maneira de desenhar, é claro. O fato de Nash admirar os pré-rafaelitas, especialmente Dante Gabriel Rossetti, pouco fez para apaziguar seu severo professor. Desde o início, Nash foi um paisagista e nunca foi um pintor figurativo na tradição clássica, mas ele conseguiu desenvolver seu próprio estilo um tanto rígido e original. Antes da guerra, ele e seu irmão mais novo, John, conseguiram conquistar reputações para si mesmos, existindo um tanto desconfortavelmente entre o que o crítico Roger Fry chamou Les jenues ou o equivalente dos Jovens Artistas Britânicos do século XXI. Então, como David Boyd Haycock apontou em A Crisis of Brilliance. Cinco jovens artistas britânicos e a Grande Guerra, a Guerra estourou, dando a cada um do grupo Slade uma escolha: entrar ou não entrar?

A Grande Guerra interrompeu carreiras artísticas em toda a Europa, encerrando de forma decisiva o pré-guerra vanguarda, espalhando as escolas internacionais de arte moderna. Os jovens britânicos não foram recrutados até 1916, após mais de um ano de massacre terrível. Apesar dos problemas de saúde frágil, que o atormentariam pelo resto de sua vida, quando a Grande Guerra veio, Paul Nash juntou-se e tornou-se parte do regimento londrino dos Fuzis Artísticos & # 8217. Como Stanley Spencer, Nash tinha viajado para Londres para assistir às aulas e, como Spencer, foi arrancado de uma Inglaterra do século XVIII, intocada e não marcada pela modernidade. Das suaves colinas verdes de Buckinghamshire, encimadas por aglomerados de antigas aglomerações de árvores verdes, estendendo-se ao longo das margens das colinas de Chiltern, Nash encontrou-se na região do norte da França e do sul da Bélgica. Antes semelhante a Buckinghamshire em sua verdejante vegetação, a região de fronteira que se chocou com a Bélgica e a Alemanha foi a improvável falha geológica da Grande Guerra, cortada do Mar do Norte à Suíça com linhas de trincheiras. As fileiras de soldados, separadas por No Man & # 8217s Land, se enfrentaram com a mesma precisão que as fileiras de manifestantes em uma guerra napoleônica.

Como seu irmão John Nash observou em sua famosa pintura Acima do topo, os generais em sua sabedoria ordenaram que os homens marchassem como se a tecnologia militar não tivesse mudado. Mas as armas agora disparavam pólvora sem fumaça, eliminando a cobertura secular da nuvem de fumaça, as armas agora eram rifles de repetição, capazes de disparar cerca de quinze tiros por tiro, e, atrás das linhas de proteção das trincheiras, estavam as metralhadoras que chocalharam um granizo de balas que podem matar em massa sem que os artilheiros precisem mirar. Transferindo-se dos Rifles dos Artistas e # 8217 para que pudesse servir nas linhas de frente, Nash chegou ao Saliente de Ypres, ou protuberância da linha de frente em direção às trincheiras alemãs em 1917. Este era um território que seria destruído por três batalhas, a Primeira , Segunda e Terceira Batalhas de Ypres, ou, como a última batalha foi chamada, & # 8220Passchendaele. & # 8221 Um oficial, com vidas de homens sob seu comando, Paul Nash, um homem do interior, notou as cicatrizes de guerra no terreno circundante. Escrevendo para sua esposa, Margaret, ele descreveu o que foi um processo de destruição gradual: & # 8220Em todos os lugares há fazendas antigas, irregulares e desordenadas, algumas obviamente arruinadas e desertas, todas com telhados vermelhos, amarelos ou verdes e em um dia de sol parecem bem. Os salgueiros são alaranjados, os choupos carmim com botões, os riachos cintilam de um azul brilhante e bandos de pombos circulam pelo campo. Misturada com toda essa beleza normal da natureza, você vê a estranha beleza da guerra. Caminhando ao longo da estrada, você gradualmente percebe um zumbido no ar, um som que aumenta e diminui com o vento. & # 8221

Um eloqüente observador da paisagem como carcaça, Nash viu a terra mutilada com os olhos horrorizados e empáticos de um amante da natureza: & # 8220Eu vi o pesadelo mais terrível de um país mais concebido por Dante ou Poe do que pela natureza, indizível, absolutamente indescritível. Nos quinze desenhos que fiz, posso dar-lhe uma idéia de seu horror, mas só estar nele e dele pode torná-lo consciente de sua natureza terrível e do que nossos homens na França têm de enfrentar. Todos nós temos uma vaga noção dos terrores de uma batalha e podemos evocar com a ajuda de alguns dos correspondentes de guerra mais inspirados e as fotos do Daily Mirror alguma visão do campo de batalha, mas nenhuma caneta ou desenho pode transmitir este país - o configuração normal das batalhas ocorrendo, dia e noite, mês após mês. O mal e o demônio encarnado sozinho podem ser o mestre desta guerra, nenhum vislumbre da mão de Deus é visto em qualquer lugar. O pôr do sol e o nascer do sol são uma blasfêmia, são zombarias para o homem, apenas a chuva negra que sai das nuvens machucadas e inchadas por toda a escuridão amarga da noite é uma atmosfera adequada em tal terra. A chuva continua, a lama fedorenta fica mais amarelada, os buracos das bombas se enchem de água branco-esverdeada, as estradas e trilhas são cobertas por centímetros de lodo, as árvores moribundas vazam e suam e as conchas nunca param. Eles sozinhos mergulham no alto, arrancando tocos de árvores apodrecidas, quebrando as estradas de tábuas, derrubando cavalos e mulas, aniquilando, mutilando, enlouquecendo, eles mergulham na sepultura que é esta terra uma enorme sepultura, e lançam nela os pobres mortos . É indizível, sem Deus, sem esperança. Não sou mais um artista interessado e curioso, sou um mensageiro que trará notícias dos homens que estão lutando para aqueles que querem que a guerra continue para sempre. Fraca, inarticulada, será minha mensagem, mas terá uma verdade amarga e queime suas almas nojentas. & # 8221

Paul Nash. Depois da batalha (1918)

Em um programa de 2014 para a BBC, Andrew Graham-Dixon visitou as trincheiras em Ypres, refazendo os passos de Nash através das fendas em zigue-zague no solo, forradas com metal corrugado. Graham-Dixon explicou a mentalidade de Nash, que chegou com seu amor de infância pela tradição do absurdo na literatura inglesa. Ao mostrar como os homens & # 8220 viviam em buracos & # 8221, Graham-Dixon enfatizou a estranheza surreal dessa estranha existência subterrânea. Não é por acaso que O Hobbit e a Terra Média surgiram como literatura sob a pena de J. R. R. Tolkien. Em 2014, logo após a transmissão da BBC em Nash, um livro interessante de Joseph Laconte discutia o surgimento de um novo tipo de literatura inglesa após a guerra. Um Hobbit, Um Guarda-Roupa e uma Grande Guerra. Como J. R. R. Tolkien e C. S. Lewis redescobriram a fé, a amizade e o heroísmo no cataclismo de 1914-1918 foi descrito como & # 8220Para uma geração de homens e mulheres, isso trouxe o fim da inocência - e o fim da fé. No entanto, para J. R. R. Tolkien e C. S. Lewis, a Grande Guerra aprofundou sua busca espiritual. Os dois homens serviram como soldados na Frente Ocidental, sobreviveram às trincheiras e usaram a experiência daquele conflito para acender sua imaginação cristã. Se não tivesse havido uma Grande Guerra, não teria havidoHobbit, não Senhor dos Anéis, não Nárnia, e talvez nenhuma conversão ao cristianismo por C. S. Lewis. & # 8221

Paul Nash. Country em ruínas (1917)

Mas para Nash, não havia características espirituais redentoras na paisagem selvagem que parecia o lado escuro da Lua ou este & # 8220Half-Buried World & # 8221 com suas & # 8220Strange Metal Scars & # 8221 descrito por Graham- Dixon. A paisagem lunar de Ypres contrastava fortemente com Nash & # 8217s & # 8220Paraíso inglês & # 8221, onde ele e seu irmão e irmã cresceram. Em vez de falcões voando pela floresta perto de sua casa de infância, aviões dispararam para cima e para baixo nas linhas, fotografando as trincheiras. Em vez das velhas árvores cobertas de musgo com suas raízes antigas, havia apenas lascas sobreviventes se projetando do solo. Videiras e folhagens foram substituídas por ninhos de arame farpado retorcido. A única luz era a que se refletia nas poças de água nas crateras da bomba, que flutuavam no mar maior de lama. Nash desenhou tudo o que viu e, absorvido em seu trabalho, caiu na trincheira e quebrou a costela. Mal sabia ele que seu serviço em Ypres foi durante uma rara calmaria entre as batalhas, pois enquanto ele estava inválido para casa, seu regimento foi ordenado a entrar em ação, atacando a infame Colina 60. Poucos retornaram.

Quando Nash voltou a esses campos de morte, era um Artista de Guerra oficial, que deixou de ser um artista e se tornou um mensageiro, determinado a queimar o público com a verdade da guerra. & # 8220 Sei que ninguém na Inglaterra sabe como é o cenário da guerra, & # 8221 ele escreveu, & # 8220Eles não conseguem imaginar o cenário diário e noturno do lutador. & # 8221 Perto do fim da guerra, em maio de 1918, Nash fez uma exposição de seus desenhos da guerra, sombrios, riscados e tensos de ansiedade e trauma, junto com suas primeiras pinturas. O título da exposição era O Vazio da Guerra, uma frase subversiva, sacudindo o governo censório, nervoso por falar a verdade no que parecia uma guerra sem fim. Ainda mais mordaz era a pintura, Estamos fazendo um novo mundo (1918), uma paisagem de montes turbulentos verdes ácidos compostos por bombardeios sem fim. Árvores negras se erguem e se inclinam em perplexidade, marcadas contra um fundo de colinas de Siena sobre com sobe um sol branco sinistro com raios penetrantes. Essa, então, é a nova paisagem, feita de explosivos.

Paul Nash. Estamos fazendo um novo mundo (1918)

A pintura mais conhecida de Nash foi a enorme pintura histórica, com mais de um metro e oitenta, The Menin Road. Tratava-se de uma pintura encomendada, projeto do Ministério da Educação, que deveria mostrar o heroísmo e talvez a glória da guerra supostamente vencida. Essas duas pinturas monumentais e perturbadoras mostram uma mudança de estilo para Paul Nash. De acordo com Haycock, Nash chegou a um acordo com o estilo futurista de Christopher Nevinson, percebendo que apenas um estilo moderno poderia explicar uma guerra moderna. Nash abandonou o cruzamento cuidadoso e a atenção aos detalhes em favor de um amplo manuseio de tinta a óleo desconhecida, da cor de lama e água estagnada. Mais uma vez, a enorme pintura confronta o espectador com o vazio, desprovido de traços redentores, perguntando abruptamente se a perda valeu a pena o ganho.

Paul Nash. The Menin Road (1918)

Como a maior parte da paisagem desta região de Flandres, qualquer uma das aldeias anteriores e suas estradas foram destruídas. O título deve ser lido como irônico, pois a estrada se foi, mas esta pintura marca o local da Batalha de Menin Road, parte da Terceira Batalha de Ypres, a batalha onde seu regimento foi perdido. À sua maneira, Nash estava comemorando as mortes dos homens que ele liderou. Como a estrada, eles não existem mais. Sua estrada flamenga é Meenseweg ou a Estrada para Menen, conhecida na história pelo nome francês, Menin. The Road, a estrada principal de Ypres, uma saída do Inferno que era este campo de batalha, foi um dos locais mais bombardeados da Grande Guerra. Perto estava o tristemente chamado Sanctuary Wood e a grande Hooge Crater, um dos enormes buracos característicos desta guerra. Hoje, o campo de batalha é supervisionado pelo Portão de Menin, onde estão gravados os nomes de 54.389 oficiais e seus homens, cujos corpos nunca foram recuperados. Para efeito de comparação, esse número é apenas alguns milhares abaixo do total de mortes na Guerra do Vietnã.

Como muitos de seus colegas, Nash nunca se recuperou realmente da Grande Guerra. Suas paisagens são impessoais, desprovidas de presença humana e pathos. Não vemos mortos ou feridos, apenas um soldado ocasional, navegando no terreno marcado pela pústula. Descrever as causalidades era uma tarefa que ele deixaria para seu severo professor, Henry Tonks, que seria arrastado para o século XX e forçado a encará-lo em sua face mutilada. O aluno e o professor espelham-se, um mostrando as paisagens inéditas, lugares que nunca teriam existido sem a intervenção de uma guerra moderna os outros rostos pintados que foram destruídos de uma forma inteiramente nova. Após a guerra, Nash voltou-se para o surrealismo como se de alguma forma expressasse sua incapacidade de chegar a um acordo com a paz e sua luta para superar a depressão. Ele viveu apenas o tempo suficiente para pintar a devastação de mais uma guerra, desta vez concentrando-se na guerra aérea no que deve ter sido visto como atos de reexecução da morte. Nash, como sua lápide diz, morreu durante o sono de insuficiência cardíaca, à sua maneira, uma vítima da guerra.

Se você achou este material útil, dê crédito a

Dra. Jeanne S. M. Willette e História da Arte Unstuffed.


Grande Arte Britânica: A Batalha da Grã-Bretanha, de Paul Nash

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Descrição da pintura de Paul Nash & # 8217s, escrita para o War Artist & # 8217s Advisory Committee: & # 8216 A pintura é uma tentativa de dar a sensação de uma batalha aérea em operação em uma vasta área e, assim, resume a grande vitória aérea da Inglaterra sobre Alemanha. A cena inclui certos elementos constantes durante a Batalha da Grã-Bretanha & # 8211 o rio serpenteando da cidade e através do país árido, descendo para o mar além, as costas do continente, acima, o cúmulo crescente concentrando-se no pôr do sol após um dia quente e brilhante através dos espaços do céu, rastros de aviões, rastros de fumaça de máquinas mortas ou danificadas caindo, nuvens flutuantes, pára-quedas, balões. Contra o crepúsculo que se aproxima, novas formações da Luftwaffe, ameaçadoras & # 8230 & # 8217 A pintura revela majestosamente as possibilidades da arte engajada com a história. Sua ambição e a escala do cenário imediatamente impressionam quando olhamos para uma grande faixa do Canal da Mancha e da França além.

Produzida na época da batalha, a pintura sintetiza sua escala e importância. No entanto, esta não é apenas uma imagem da guerra moderna, com sua violência e destruição, ou mesmo uma vitória icônica, é também uma reafirmação do valor da arte e da derrota do nazismo. Nash, um crítico feroz da forma como o combate na Frente Ocidental da Primeira Guerra Mundial foi conduzido, foi imediato e firme em sua repulsa pela Alemanha nazista e sua cultura. Na pintura, as defesas se erguem como se saíssem da própria paisagem da Inglaterra para enfrentar as máquinas de guerra fascistas. Os padrões arregimentados da Luftwaffe são quebrados e derrotados por aviões de combate Aliados, eles formam grandes formas semelhantes a flores no céu, antes despencando na própria terra que os derrotou. Richard Seddon, aluno de Nash, viu este trabalho no estúdio de Nash em Oxford. Ele aconselhou Nash a incluir mais trilhas de fumaça preta e pintou um exemplo na tela. Quando a pintura foi exibida em Londres, o rastro negro de Seddon ainda era visível na tela. Margaret Nash presenteou Seddon com uma litografia do século 19 de uma tempestade em Paris que Nash adaptou para formar a composição da Batalha da Grã-Bretanha. Nash entregou o trabalho ao Comitê em outubro e ele foi exibido na National Gallery em janeiro de 1942.

A pintura é uma tentativa de dar a sensação de uma batalha aérea em operação em uma vasta área e, portanto, resume a grande vitória aérea da Inglaterra sobre a Alemanha. A cena inclui certos elementos constantes durante a Batalha da Grã-Bretanha & # 8211 o rio serpenteando desde a cidade e através do país árido, até o mar além, as costas do continente, acima, o cúmulo crescente concentrando-se no pôr do sol após um dia quente e brilhante através dos espaços do céu, rastros de aviões, rastros de fumaça de máquinas mortas ou danificadas caindo, nuvens flutuantes, pára-quedas, balões. Contra o crepúsculo que se aproxima, novas formações da Luftwaffe, ameaçadoras.

Paul Nash foi um dos artistas mais conhecidos da Grã-Bretanha na época da Segunda Guerra Mundial. Como ex-artista oficial de guerra, ele foi a escolha lógica para cumprir o papel novamente, especialmente como um patriota que acreditava na utilização de belas-artes para propaganda. A Batalha da Grã-Bretanha demonstra esse aspecto da visão de Nash. Ele apresenta um epítome da luta bem-sucedida do RAF Fighter Command contra a Luftwaffe em 1940. Os caças RAF varrem o Canal da Mancha para quebrar as formações da Luftwaffe em um céu de verão cheio de trilhas de vapor, pára-quedas, balões e nuvens. A pintura é um resumo imaginativo do evento, em vez de literal. Nash prefere o simbolismo e a alegoria à exatidão factual. Os balões barragem e aeronaves vistos de cima não são proporcionais às sugestões sombrias de cidades vulneráveis ​​abaixo. Geograficamente, a pintura sugere o estuário do Tamisa, com o Canal e a França além, mas novamente a ênfase está na visualização imaginativa.


Arte na guerra: explorando uma pintura

Uma das maneiras de obter o máximo prazer de uma obra de arte é descobrir o máximo possível sobre o assunto, o artista e seu contexto histórico. O que pode ser descoberto sobre Totes Meer de Paul Nash?

Quando esta pintura foi encomendada? Qual foi a reação do comissário quando ele foi concluído? Existe um significado mais profundo no assunto? Selecione os tópicos para saber mais.

O que a imagem representa?
A cena é na Unidade de Recuperação de Metal e Produtos em Cowley, perto de Oxford - um depósito de salvamento de aeronaves durante a Segunda Guerra Mundial. A pintura foi feita logo após a Batalha da Grã-Bretanha. Esta é a descrição do próprio artista do que viu.

Outras questões que você pode explorar ao olhar para uma pintura podem ser: A pintura é um tipo reconhecível - um retrato ou uma paisagem? Dentro disso, existem elementos reconhecíveis na pintura, um marco, um objeto ou uma personalidade, por exemplo? Is the painting describing an event or a response to an event? Does the title or date offer any clues?

The artist and the commission
Paul Nash had established his reputation during World War One when his art became a strident and angry response to the Western Front, using the destruction of the landscape as a metaphor for the cost of the war. During the interwar years, his work adapted surrealism to the English landscape, animating incongruous, surprising or unusual objects within a traditional setting of urban or pastoral scenes. This inter-relationship arouses a sense of a hidden, almost mystical ordering of the land. He was employed as an official artist attached to the RAF during World War Two and produced first a series of British aircraft as aerial creatures, animated and ready for action then a series of crashed German planes.

Paul Nash had been commissioned by the War Artists Advisory Committee. Its chairman, Kenneth Clark, Director of the National Gallery declared Totes Meer to be 'the best war picture so far I think'. It was an immediate success when displayed at the National Gallery in May 1941.

As a major British artist, there are a number of exhibition catalogues and books devoted to Nash’s work. Looking at the themes and subjects he was interested in will start to give some insights into this particular painting. In addition, Nash wrote frequently about art, including his own and this is another useful source, for instance his own description of Totes Meer is very revealing of what he saw and understood about the aircraft dump. Another way to understand Nash’s own vision is to compare his paintings of planes with those of other artists during World War Two.

Historical significance

Whereas for Hitler, modern art was at best a means of foreign currency and at worst morally degenerate, for Nash it had an explicit purpose - the defeat of Nazism, itself. “I want to use what art I have and what I can make as directly as possible into the character of a weapon”, he wrote. Immediately, Nash saw further propaganda possibilities in this painting and he anxiously sought out official figures of the numbers of planes brought down - information that could be printed on the back of a postcard reproduction and then dropped over Germany. The message was clear Britain’s borders are absolute and its defence unforgiving, every Nazi invader is repelled or defeated and then added to victorious tally. Nash was prepared to alter and corrupt the image further. Taking a postcard sized reproduction he added a photograph of Hitler’s head. Perhaps the end result loses the coldness of the original, but the joke and ambition is clear.

What does the painting symbolise?
The Cowley Aircraft dump contained as many, if not more, British planes, but it is the German ones Nash has chosen to represent and German title (‘dead sea’) indicates the final destination of the planes. Here the detritus of Nazi over-ambition fills the landscape and completes the picture. He is not specifically interested in the construction detail but the whole mass – the sea. Within that, certain elements, such as the central wing with the German markings, are stretched to give the impression of movement. The scene is painted at night when the eye is easily misled or mistaken, and any sort of movement threatening. In contrast the land is fertile, gentle and rolling. Nash did not see the owl as symbolic, but the watchful eye of a hunting bird is a reminder of the forces that brought the German planes down.

The one obvious symbol in the painting is the aircraft marking, identifying the nationality of the planes. Interpreting symbols is very difficult: recognising a crashed German plane would please a British audience, but think of how a German public would respond to the same sign. Rather, it is important to piece together all the elements of a painting and its title and to look for signs and symbols as part of this whole. Are their elements of the painting that support one another, or are there a deliberate contrasts or surprising juxtapositions?


Paul Nash: Outline, An Autobiography

Paul Nash was one of the most important British artists of the twentieth century. An official war artist in both the First and the Second World Wars, his paintings include some of the most definitive artistic visions of those conflicts. This new edition of Outline is published to coincide with a major Nash retrospective and incorporates an abridged edition of the unpublished ‘Memoir of Paul Nash’ by his wife Margaret.

Descrição

Paul Nash (1889-1946) was one of the most important British artists of the twentieth century and an official war artist in both the First and the Second World Wars. This new edition of Nash’s unfinished autobiography, Outline, is published to coincide with the Tate's major Paul Nash retrospective and incorporates an abridged edition of the previously unpublished ‘Memoir of Paul Nash’ by his wife Margaret.

Nash started writing Outline in the late 1930s, but it was left incomplete on his sudden death in 1946. Nash had struggled to complete the book, finding that he could not get beyond the beginning of the Great War. Outline is, nevertheless, one of the great English literary works of the period, for Nash was a gifted writer. His autobiography offers considerable insights into to the young life of the artist himself, and the development of his personal and very distinctive vision.

When eventually published in 1949 his incomplete memoir was supplemented by letters that Nash wrote to his wife from the Western Front in 1917. This new edition includes these letters for the vivid insight they give into Nash’s experience of the war. The third element of the new edition is Margaret Nash’s revealing (and previously unpublished) 1951 memoir of her husband. What emerges through these different narrative voices and perspectives, enhanced with photographs of Paul and Margaret Nash and reproductions of key works from throughout Nash's career, is a fascinating portrait of a major figure in Modern British art.

David Boyd Haycock is a freelance writer, curator and lecturer, specialising in British art and culture in the first half of the 20th century. He is the author of a number of books, including Paul Nash (2002), A Crisis of Brilliance: Five Young British Artists and the Great War (2009) and Paul Nash: Watercolours, 1910–1946 (2014).


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Nash, Paul. & Perkinson, Henry J. & Kazamias, Andreas M. (1965). The educated man : studies in the history of educational thought. New York : Wiley

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Nash, Paul. and Perkinson, Henry J. and Kazamias, Andreas M. The educated man : studies in the history of educational thought / [edited by] Paul Nash, Andreas M. Kazamias [and] Henry J. Perkinson Wiley New York 1965

Citação australiana / Harvard

Nash, Paul. & Perkinson, Henry J. & Kazamias, Andreas M. 1965, The educated man : studies in the history of educational thought / [edited by] Paul Nash, Andreas M. Kazamias [and] Henry J. Perkinson Wiley New York

Wikipedia Citation
The educated man : studies in the history of educational thought / [edited by] Paul Nash, Andreas M. Kazamias [and] Henry J. Perkinson

Includes bibliographical references.

The guardian: Plato, by J. J. Chambliss.--The orator: Isocrates, by C. M. Proussis.--The Stoic: Zeno, by J. E. Rexine.--The Christian: Augustine, by P. Kibre.--The Scholastic: Aquinas, by J. W. Donohue.--The classical humanist: Erasmus, by F. E. Schacht.--The pansophist: Comenius, by J. K. Clauser.--The gentleman: Locke, by K. D. Benne.--The natural man: Rousseau, by S. E. Ballinger.--The scientific humanist: Huxley, by C. Bibby.--The communal man: Marx, by P. Nyberg.--The reflect.

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Epidemiology and natural history of non-alcoholic fatty liver disease

Non-alcoholic steatohepatitis (NASH) is part of the spectrum of non-alcoholic fatty liver disease (NAFLD) that leads to progressive liver disease and presents a growing challenge to public health. Because of the increased prevalence of metabolic syndrome and obesity, NAFLD and NASH have expanded to a substantial extent. In NASH patients, advanced fibrosis is the major predictor of morbidity and liver-related mortality, and an accurate diagnosis of NASH is mandatory. Although there is currently no validated test of serum biomarkers available to diagnose NASH, and histologic evaluation with a liver biopsy remains the gold standard, screening for fibrosis is recommended in patients with suspicion of NASH. Clinical prediction models and serum biomarkers for advanced fibrosis have relatively good negative predictive value and can be useful for screening. Also, transient elastography is increasingly available to estimate fibrosis in NASH. Therefore, due to the lack of a reliable and accepted non-invasive diagnostic modality, screening for NASH in the general population is not currently recommended. Better understanding of the natural history of NASH is needed to evaluate the utility and cost-effectiveness of screening.

Keywords: Epidemiology Fibrosis NAFLD NASH Screening.


Paul Nash: haunting paintings from the battlefields of war

War may have broken the spirit, but it made the artist. Paul Nash had always been a singularly talented painter with a mystical, neo-romantic vision of the natural world – but it was the horrific conflagration of war on an industrial scale that almost certainly shaped him to become one of the greatest British landscape painters of the 20th Century. The effect of World War One on his artistic maturity was profound, and his war paintings among his greatest masterpieces.

Nash’s war started quietly enough. Two months after its outbreak he enlisted as a private in the Artists’ Rifles, a London regiment that oversaw ground duties at the Tower of London. It was a full two years before he received officer training to fight at the Front, by which time conscription for married men – he had married the Suffragette Margaret Odeh in December 1914, five months after the outbreak of the war – had been introduced.

It was only near the end of 1917 that Nash became an official war artist. He had put in the request while recuperating in London, having fallen into a trench at Ypres in Belgium and broken a rib. The accident saved his life: just a few days later, most of the men in his regiment were killed at the Battle of Passchendaele.

Despite his fluency and eloquence as a writer – his wartime letters to Margaret brilliantly express his despair and bitter anger at the destruction that surrounded him – it was a loss that he was never able to speak of directly. In some ways, the profound shock of it must have echoed the loss of his mother, who had died in a mental institution when Nash was 20. He may even have feared such a fate himself (just as, incidentally, that other great British landscape painter, JMW Turner had like Nash, Turner’s mother had died in an asylum). He suffered from bouts of severe depression throughout his life, and his wartime experience would leave him, though no less productive, mentally and emotionally debilitated for years.

These biographical details are not incidental to Nash’s creative development. They provide an insight into the strange and haunted mood of his paintings, though they are somewhat hastily glossed over or left unmentioned in the otherwise superb Paul Nash retrospective currently at London’s Tate Modern. The survey features not only his most powerful war paintings, but devotes considerable space to the influence of the European avant-garde, particularly Surrealism, on his later output, in which that mood of disquiet becomes even more pronounced.

Before the outbreak of WW1, Nash had produced detailed, neatly precise drawings of wooded vistas and airy garden idylls in ink, chalk and pencil. Dreamlike, they occasionally featured stiff, somnambulant figures and were sometimes, rather prettily, overlaid with watercolours. (It was only in 1918 that he began working with oil paints.) These early pictures were in the tradition of ‘visionary’ artists such as Samuel Palmer and William Blake, though direct inspiration also came from Pre-Raphaelite Dante Gabriel Rossetti, not so much for the latter’s Victorian medievalism but for his embodiment of the spiritual in art.

From the start Nash’s own work was imbued with a spirit of place, the so-called genius loci. But it was a very different spirit that confronted him in Flanders in the winter of 1917 when, having recovered from his injury, he returned to the Front – a barren land of churned mud pockmarked with huge flooded shell craters that was barely passable. Death was all around, from shattered tree stumps to the twisted and mutilated bodies of soldiers. Not a dream, of course, but a waking nightmare.

Nash was never particularly gifted at capturing the human form soldiers, dead or alive, rarely inhabit Nash’s battered landscapes. In any case, the government censor would not have allowed for the depiction of dead soldiers – which, of course, would not have helped in the war effort. Unlike his fellow war artists, however, including his brother John Nash, Nash was most unusual in hardly depicting them at all, and never as the main focus of the image.

Wire, 1918 © Imperial War Museum, London

Instead it’s nature that is disturbingly violated by the deadly weapons of war. It is always the aftermath of battle he depicts, not the tense moment just before an attack, nor the dramatic moment during it. We see how the depiction of the suffering of the Earth takes on an almost religious quality in Wire, a watercolour from 1918. The sheet of barbed wire encases the lone tree stump whose erupted form suggests a crown of thorns, while the other distant tree stumps resemble stakes ploughed into the barren ground. We see how, in an almost monochrome painting, the corner of a sky appears like an ominously spreading bruise in red and mauve.

Anger comes through in the mocking title of one painting. We Are Making a New World (also from 1918) shows tree stumps, like a group of eerie sentinels, featured against a high horizon, over which a cold, chalk-white sun spreads its watery rays like thin search beams. Unable to warm the hard clumps of shattered earth, the sun is no longer a life-giving force.

We Are Making a New World, 1918

But Nash’s greatest WWI painting, and, at 6ft (1.8m) across, his most monumental, is the utterly arresting The Menin Road, 1919 (above). This time, unusually, we find the barely discernible figures of four soldiers attempting to move across the unforgiving, shell-shattered terrain. The painting’s dramatic diagonals and verticals show how Nash had adopted the hard intersecting planes of the English avant-garde Vorticist group. Commissioned by the Ministry of Information for a Hall of Remembrance that was never built, the painting was intended to celebrate the national ideals of heroism and sacrifice. This complex work is, perhaps deliberately, ambivalent on that front. But it does nonetheless express a kind of doomed magnificence.

Due to his war experiences, Nash suffered a terrible and protracted breakdown. In 1921, he moved with his wife to Dymchurch on the Kent coast, where he painted some of his most unrelentingly stark paintings of the barren coastline. In one, Winter Sea, which he actually began in 1925 but didn’t finish until years later, the waves of the sea are shown as angular folds in grey, black and white. The close-up surface of the sea, the severe perspective and the pitch-black horizon all suggest that we might be looking at a precipitous pathway leading toward eternal darkness.

Totes Meer (Dead Sea), 1940-1, © Tate

Nash’s adult life was bookended by war. When the lights dimmed across Europe a second time, he was again commissioned to work as an official war artist, though this time Nash, whose health was increasingly fragile, remained in Britain. His most powerful painting of World War Two is Totes Meer, the title meaning ‘Dead Sea’ in German. Instead of showing us a path towards eternal darkness, Nash painted a surreally undulating sea of crashed German bombers at Cowley, Oxfordshire, the site of a ‘graveyard’ for crashed enemy planes.

Less than a year after the war’s end, Nash died in his sleep of heart failure, aged 57. Chronic asthma had made him increasingly sickly during the last 10 years of his life. But his last series of paintings, depicting a mysterious equinox of huge sunflowers – airborne precursors of death, the soul as a floating presence – are among his most colourfully seductive and lyrically beguiling.

This feature appeared on BBC Online on 11 November, 2016, as part of Remembrance Day commemorations


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